Cómo mueren las reinas, de Lucas Turturro

Ayer pude ver Cómo mueren las reinas en el Festival de Málaga, una sugerente ópera prima argentina,  sobre dos hermanas, Juana (Malena Filmus) de diecisiete años y Mara (Lola Abraldes) de catorce, que viven en la granja de su tía y se ocupan de las colmenas y de la producción de miel. La llegada de su primo (Franco Rizzaro) sacude la quietud del campo y desestabiliza la unión de las hermanas. Los padres de las niñas murieron no se sabe como y viven con su tía, una inestable mujer enamorada de un hombre casado en una historia no correspondida. Entre las tres mujeres se establece una relación de control que se va complicando por momentos, desde que Mara y su primo hacen buenas migas y surge una atracción entre ambos. 

Una historia muy bien contada, con un ambiente asfixiante, con un trío de actores muy jóvenes que se estrenan en el cine, jóvenes pero muy talentosos y creíbles en sus personajes. Me fascinó el magnetismo del personaje de Juana a la que según va avanzando la cinta, vas teniendole más y más....respeto.

Interesante el paralelismo entre el hogar con las tres féminas y el chico que se dedican a la apicultura,  y la colmena son sus abejas obreras, zánganos y reina. El mundo alrededor de las colmenas está lleno de tensión, las abejas son unos insectos muy inteligentes pero que están todo el rato al acecho, intentando encontrar una rendija en los trajes protectores por donde entrar y picarte. 

Una isla en el desierto de Rafatal

Una isla en el desierto hace un apasionante y apasionado recorrido por la arquitectura de la Costa del Sol, con el Hotel Pez Espada como baluarte de una época mítica y dorada, un viaje haciendo hincapié en todo lo cultural ya sean películas rodadas en la Costa, novelas o artistas  como el pintor Bola Barrionuevo o  bailaores de flamenco. Un más que ágil montaje te lleva de un testimonio a otro sin pausa y a un ritmo de vértigo. Tecla Lumbreras, Alfredo Tajan, Diego Santos,  Bola Barrionuevo, Jose Luis Cabrera, Manuel Bellido o Salvador Moreno Peralta entre otros, aportan su valioso testimonio para crear este interesantísimo documental apoyado desde la Junta de Andalucía y sendos ayuntamientos de Torremolinos y Benalmádena. También se habla de la importancia que Torremolinos tuvo en los años 60 y que fue visitado por numerosas personalidades del cine como Ava Gardner, Orson Welles o Hemingway. Del desarrollo turístico o de la famosa redada policial en el Pasaje Begoña con 300 detenidos y muchos extranjeros deportados a sus países. Los títulos de crédito con un toque sesentero muy pop me fascinaron. Sólo un punto negativo. Tal vez al metraje le hubiera favorecido unos minutos menos en la segunda parte del documental pero siempre es difícil seleccionar qué se deja y qué se descarta. 

Cuando lo ponga Canal Sur televisión, no se lo pierdan! 

Lucas de Alex Montoya

Esta tarde hemos podido ver la primera película de Zona Zone. Lucas que nos ofrece una atractiva  propuesta con un ritmo pausado que te va a atrapando poco a poco como un araña con sus hilos. Hace un retrato certero y sutil de dos seres incomprendidos y solitarios que al conocerse se complementan de una forma inesperada.  Lucas un joven de 16 años conoce casualmente a un fotógrafo maduro que le propone hacerle unas fotos para crearse un perfil falso de un chico de esa edad, a cambio de una compensación económica. Alex Montoya presenta al personaje de Álvaro sin hacer ningún tipo de juicio de valor, algo que nos pareció muy interesante y enriquecedor, y que realmente hace que su acercamiento al tema sea innovador. La película tiene su origen en un cortometraje (2012) del mismo título por el que ganó el premio al Mejor Director en el Festival de Málaga. Aquí la historia esta muy ampliada y da lugar a un argumento distinto, aunque el punto de partida en ambos trabajos sea el mismo. 

Pienso que la Sección Oficial habría ganado bastante eligiendo Lucas y descartando un cine comercial que no debería tener un hueco en cualquier buen Festival de Cine que se precie. 

Lucas se va creciendo según avanza el metraje convirtiéndose en su parte final en un thriller cuya resolución nos dejó buen sabor de boca. 

El cover de Secun de la Rosa

La película inaugural del 24º Festival de Málaga, ofrece una cinta llena de buenas intenciones, con un reparto lleno de caras jóvenes donde destacan Alex Monner, al que sigo desde que me deslumbró con su personaje de La próxima piel, crítica aquí , Marina Salas (con la que tiene mucha química en pantalla) y Carolina Yuste, caracterizada de Amy Winehouse, casi toda la cinta. Entre los secundarios, actores de renombre como mi admirada Susi Sánchez, Carmen Machi o el siempre creible Juan Diego. 

Al inconsistente guión de este musical le falta un buen desarrollo con sus consiguientes conflictos en sus personajes principales, pero nos regala un buen puñado de momentos musicales, con canciones de Amy Winehouse, Lady Gaga o Bambino. La historia podria haber funcionado mejor en el formato de un corto, pero sus noventa minutos se hacen un poco largos. 

El rodaje de la historia que sucede en Benidorm, se vio interrumpido por la crisis del Covid. Y eso le dio tiempo a Secun de procesar y mejorar ciertos capítulos de la historia que según comentó Monner en la rueda de prensa, le vinieron bien al resultado final, aunque pienso que aún le queda mucho por mejorar.  El cover, nos habla del poder sanador y transformador que tiene la música, pero aquí además de la música, hacia falta un hilo argumental que sostuviera la trama. 

Becoming de Nadia Hallgreen

 Hoy he podido ver un documental impresionante, de esos que se quedarán en mi memoria, atesorando un recuerdo de haber visto un gran trabajo, valioso por su contenido, por su poderosa protagonista y la historia que cuenta, la de la Primera Dama de color de los Estados Unidos de América y su vida narrada en primera persona en una autobiografía publicada en 2018, con un éxito editorial sin parangón,  y adaptada en forma de documental en el que se hace un panegírico de su vida y el recorrido que hizo por 34 ciudades presentando su libro BECOMING, disponible en Netflix.

Me gustaría destacar una serie de puntos de este documental sobre una de las mujeres más populares y admiradas de nuestro tiempo. 

 Princeton no era para ella; una profesora le dijo que Michelle no era suficientemente buena para ir a esa prestigiosa universidad, pero ella pensaba que sí,  y decidió ir,  y fue,  y logró ser una estudiante brillante que sacaba dieces, que se graduó Cum Laude y dejaba impresionados a sus profesores. Cuando uno sabe todo esto la figura de Michelle se crece y mi admiración hacia ella no hace sino aumentar. Como anécdota, añadir que su hermano mayor se había graduado en Princeton unos años antes. 

 Su marido también merece su apartado en el documental, es patente su complicidad y buena relación, Barack, uno de  los  presidentes  más  carismáticos y queridos  desde Kennedy  aparece en una  de  las  presentaciones del libro, como invitado estelar, pero aquí la protagonista en todo momento es Michelle. 

Cuando tuvieron a su primera hija,  Michelle experimentó en carne propia las desigualdades entre padres y madres, como cuando Barack podía ir al gimnasio, mientras ella debía quedarse cuidando a su bebé. Hechos normales y cotidianos, que la mamá cuide del bebe mientras el papá va a entrenar. Y sus análisis vitales de ahora, años después, son una declaración de principios, que piden, que exigen esa igualdad que nunca llega.

      Cuando hicieron campaña para las elecciones presidenciales de 2008, que acabaron ganando, algunos periodistas fueron demasiado críticos con sus discursos y su estilo con frases como “tiene aires de activista afroamericana con ropa de diseñador”. Y a ella no le quedó otra que moderar su lenguaje y usar un vocabulario menos claro, dejar de ser espontanea para tener que seguir un guión, sintió que era vulnerable y aquello fue muy duro para ella,  esas críticas le produjeron dolor y sufrimiento. Michelle fue consciente de que sus palabras y gestos empezaban a ser analizados al milímetro y al llegar al poder, ya nada iba a ser como antes.

      También somos testigos de la relación con su madre y con su hermano mayor. Los fotogramas de la visita a la casa de sus padres están llenos de sencillez, y percibes la vida corriente que llevaron como una familia de clase media con dos hijos. De su padre, un hombre carismático como ella, recuerda que padeció esclerosis múltiple y admite que nunca ha llegado a superar su ausencia, al igual que muchos que hemos perdido a nuestros padres, y aún nos duele la pérdida. Hay un plano de la butaca de su padre vacía mientras suena su adorada música de jazz que resulta muy evocador y emotivo. 

      La relación con su guardaespaldas, después de 12 años de trabajo conjunto. Es admirable la relación que Michelle logra tener con la gente con la que trabaja desde una sencillez maravillosa, con su carisma y su sensibilidad. Son sus pequeños gestos, los que me emocionan y conmueven, en frases llenas de cariño y complicidad hacia el personal que ha cuidado de la primera dama durante 8 años 

          La relación con su maquillador o su estilista también añade detalles que enriquecen este apasionante documental que poco a poco te va enganchando en su certero retrato de esta fascinante mujer cuya fuerza ha atrapado a millones de ciudadanos no solo de Estados Unidos, sino del mundo entero. 

      Me ha impresionado ver los estadios o auditorios donde Michelle presenta su libro, primero vacíos, luego repletos hasta la bandera,  de gente ansiosa por escuchar a su admirada y querida ex primera dama. 

      También me ha gustado la devoción que demuestran los estudiantes ante las charlas que Michelle ofreció en sus institutos y para las que solo unos pocos fueron los elegidos. Hay dos testimonios muy interesantes en el documental sobre la figura de dos chicas y sus vidas en relación a sus estudios y/o familias. 

      Por ultimo, la moda que la señora Obama ha vestido durante todos estos años ha tenido una gran  influencia en millones de mujeres y su estilismo es la parte más visible de esta gran dama, que si ya me gustaba antes de ver este BECOMING, ahora ya quedo absolutamente rendido ante sus innumerables atributos, inteligencia, elegancia y clase.  

      Acabando de escribir la crítica, soy consciente de la impresionante repercusión mediática que la figura de Michelle Obama ha tenido y sigue teniendo en la prensa y su activismo desde la Fundación que crearon marido y mujer en 2017 continuará su recorrido sembrando semillas para crear un mundo más justo y donde sus ciudadanos seamos cada vez un poco más civilizados y más conscientes del planeta en el que vivimos.  

      Michelle for president!! 

Filho de boi - Festival de Málaga

El film es un emocionante viaje del protagonista Joâo, un adolescente que habita junto a su padre en una granja bovina en una región árida e inhóspita del Brasil profundo: la convivencia con él es difícil por su silencio y por las voces de los otros pero la llegada de un pequeño circo al pueblo y la amistad con el payaso "Salchicha" le ayudará a enfrentarse a sus miedos, a quererse y a reconciliarse con el mundo que le rodea; la película respira sensibilidad, humor y sorpresa.

Es éste el primer largometraje de ficción del colectivo Plano 3 filmes integrado por Haroldo Borges, Paula Gomes y Marcos Bautista; la dirección es de Haroldo Borges y Ernesto Molinero y el guión lo firman Haroldo y Paula; anteriormente rodaron el documental “Jonás y el circo sin carpa “que se estrenó en el IDFA (Festival Internacional de cine documental de Ámsterdam) y se pudo ver en más de treinta países y recibió premios en festivales tales como el Festival de Toulouse y DocsMX(Festival de Cine documental de la Ciudad de México. 

Añadir título

Esta película brasileña, resultó ganadora del Premio del Público de la sección ZONAZINE del último y meritorio Festival de Málaga.

Por Carmen Vidal 

A media voz de Heidi Hassan y Patricia Pérez Fernández

Acabando ya la edición número 23 del Festival de Málaga, os puedo contar que mi rutina diaria ha sido la siguiente: proyecciones en Pases de Prensa en el Teatro Cervantes a las 9 y a las 12 de la mañana. Luego descanso para comer, y documentales todas las tardes en el Teatro Echegaray a las 1830 y a las 22 aunque la última del día algunos días me la saltaba porque mis energías ya flaqueaban, teniendo en cuenta que me levantaba a las 7.20 y que a las 22 ya había visto un mínimo de 3 películas diarias. 

El documental que nos ocupa "A media voz" es un trabajo autobiográfico bicéfalo de dos directoras de 40 años, Patricia y Heidi, amigas de la infancia que fueron a la academia de cine de La Habana y que afrontan los retos de la emigración, intentando reconstruirse lejos de su Cuba natal, através de la correspondencia audiovisual entre ambas, articulando un apasionante diálogo.

El relato se basa en el intercambio real de misivas que llevaron a cabo durante 9 meses. La ausencia de una estructura rígida hace que el documental resulte estimulante y sorprendente durante toda la proyección.   

El vínculo emocional que las une es fortísimo y desde las primeras cartas que oímos en forma de voz en off nos percatamos que nos enfrentamos a un trabajo hecho desde lo más profundo del corazón con toda el alma puesta en ello.

Patricia estuvo un tiempo en  España de feria en feria recorriendo miles de kilómetros vendiendo mojitos y otros cócteles cubanos, Heidi se fue a Suiza y se dedicó a buscar trabajo como directora de fotografía para distintos medios, en los que se fue topando con un machismo instaurado a muchos niveles. Tras el pase, contó como cuando trabajo de Directora de Foto y en una reunión con su asistente - chico- se dirigían todo el rato a él, dando por sentado que el chaval era el jefe. 

A media voz, es un documental vibrante, tremendamente entretenido y bien hilado, lleno de anéctotas de vivencias vitales que forman un puzzle gigante que resume veinte años en ochenta minutos de metraje. 

El espectador asiste como testigo de multitud de momentos en los que siempre hay una cámara grabando con la intención de dejar constancia, al principio para sus futuros hijos, después dada la ausencia de descendencia, para la humanidad. Y qué afortunados hemos sido en Málaga, de poder ver este sobresaliente trabajo en pantalla grande y de haber podido conocer en persona a sus artífices. 

Dos mujeres que desnudan su alma creando un prodigioso trabajo audiovisual que sobrecoge y emociona y que ha dejado una profunda huella en el que escribe estas líneas. 

4 Horas antes de colgar la crítica hemos sabido que A media voz ha obtenido la Biznaga de Plata al Mejor Documental. 

Crónica de una tormenta de Mariana Barassi

Crónica de una tormenta, el debú en la dirección de Mariana Barassi,  es una adaptación de la exitosa obra de teatro "Testosterona" sobre las luchas de poder dentro de un periódico, entre el director (Ernesto Alterio) y los candidatos a sucederle en el cargo, cuando va a ser destituido, una de ellas, la otra protagonista de la historia, Clara Lago. 

En la película han conseguido eliminar casi por completo el componente teatral para sumergirse en el formato cinematográfico con la ayuda de multitud de recursos, un montaje ágil y localizaciones variadas dentro del edificio de la rotativa. 

La cinta situada en un escenario machista,  trata temas como el techo de cristal de las mujeres dentro de las empresas, la desigualdad y la lucha entre la ambición y la moral. Crónica de una tormenta esta sustentada en un potente guión con un duelo interpretativo con fuerza y solidez de la mano de dos grandes actores. Clara Lago en el climax de la película se trasfigura de una madurez apabullante y ambos personajes no son nada planos con muchas capas, donde ni el bueno es muy bueno, ni el malo es tan malo. El rodaje fue cronólogico, algo que siempre ayuda a la progresión natural de los personajes.

La cinta está producida por Gerardo Herrero (Tornasol) que llevan aportando trabajos al Festival desde sus inicios y en esta edición ya van por la tercera o cuarta película.  

Las niñas de Pilar Palomero Festival de Malaga 2020

Cuando me dispuse a ver esta película, iba sin expectativas. Desconocía que el paso de Las niñas por la Berlinale había recogido muy buenas críticas y era una de las cintas más esperadas de esta edición. Igual que pasó en otras ediciones con cintas que triunfaron primero en Berlín y luego en Málaga como Las distancias o Verano 1993. 

Al terminar la proyección me dejó un poco indiferente. Me pareció una historia un poco descafeinada sobre un grupo de niñas en los años 90 en un colegio de Monjas. En el cine hemos visto a menudo que las profesoras de los colegios religiosos suelen ser las malas de la película, aqui no.

El estilo naturalista de la película, debú en el largo de Pilar Palomero, a veces se semeja a un documental, y tal vez por eso me impidió conectar con Andrea Fandos, la protagonista, que me pareció muy paradita, pero claro, porque su personaje es así, el resto del actrices, compañeras de clase de Andrea sí que me gustó bastante. Las paradojas de los castings. La madre de la chica, es la laureada Natalia de Molina, en un papel secundario para poco lucimiento, aunque está correcta. El guión me parece flojito. La música de Heroes del Silencio y OBK animaron un poco la proyección que me resultó plomiza. 

Tal vez deba darle una segunda oportunidad. Veremos. 

El rebelde en el centeno, de Danny Strong (2017)

Leyendo El lenguaje perdido de las grúas, de David Leavitt, uno de mis autores favoritos, nacido en California, Usa, se me despertó la inspiración para escribir una crítica que llevaba semanas pidiéndome ser escrita.  

La película en cuestión está basada en la vida del autor de la famosa novela, El guardián en el centeno (The catcher in the rye) de J. D. Salinger publicada en 1951 en Estados Unidos, a la edad de 32 años. Una novela que ha vendido la friolera de más de 60 millones de ejemplares y que se ha traducido a mas de 30 idiomas.  Quiero matizar que no es una adaptación de la novela, ya que su autor nunca concedió los derechos para que su historia fuese llevada al cine.  Es posible, que aunque conozcas la novela, no la hayas leído. También es posible que no sepas que esa novela ha sido una de las que mayor éxito y mejores críticas ha recogido y que curiosamente fue la única novela que su autor publicó, a pesar del abrumador éxito que tuvo. Pero por eso precisamente, por lo abrumador que fue ese reconocimiento a su debut en la novela, entre otras razones, que decidió no volver a publicar, convirtiéndose en un personaje ermitaño que vivió recluido en su hogar y que apenas dio alguna entrevista a lo largo de su extensa vida.  En sus declaraciones, siempre dio a entender que no le interesaba lo más mínimo el contacto con sus lectores y con el público en general. Y quizás eso, es lo que a mi me llamó más la atención de Jerome David Salinger. 

Pero empecemos por el principio, y sigamos con la película, El rebelde en el centeno, que es de lo que aquí queremos verdaderamente hablar. 

La película se inicia en los años 40, en el periodo en el que Jerome, el joven protagonista, está ansioso por publicar alguno de sus relatos en The New Yorker, sin mucho éxito que digamos.  Tiene un profesor de literatura que lo admira y cuya relación de amistad recorre gran parte del filme. 

Llega la Segunda Guerra Mundial y Jerome se alista. Una guerra que le cambiará su vida en muchos aspectos. Volverá de ella más reflexivo y maduro. 

El rebelde en el centeno me parece que toca temas muy interesantes como el ansia por el éxito, el deseo de reconocimiento, la ambición de publicar una primera novela, pero también la película supone un amargo retrato de la compleja mentalidad de un escritor cuya vida estuvo llena de caminos nada fáciles de transitar y caracterizada por un planteamiento vital lleno de vericuetos.
Esa personalidad de Salinger está bien plasmada en el filme, y a pesar de  ser una cinta irregular, su mayor éxito es el retrato que hace de un hombre que llegó a la conclusión de que no tenía nada que decir al resto del mundo, más allá de los escritos que llegó a publicar. Entre el reparto, están Kevin Spacey en el papel del profesor, que me parece correcto. Nicolas Hoult está convincente y le confiere fuerza a su personaje. A destacar la editora de Jerome, interpretada por Sarah Paulson. 

Quizás a la película le falta profundidad en ciertos temas por los que pasa de puntillas. Le sobra pomposidad y glamour y le falta introspección en un personaje que podría haber dado más de si, en manos de otro director con más experiencia.
A mi como autor, la película me hizo reflexionar sobre las aspiraciones que tiene un creador en cuanto a su obra, su publicación, la repercusión en los medios, las críticas recibidas y todo ese feedback que un autor suele recibir de sus cientos o miles de lectores, si es que eres capaz de escribir un bestseller. Y que en el caso que nos ocupa, pienso que todos esos ingredientes bien mezclados,  fueron determinantes para llegar al ostracismo deseado y autoimpuesto por J. D. Salinger.  

La dama de oro, de Simon Curtis

Acabo de volver a ver una película que ya me gustó bastante cuando la descubrí en la gran pantalla hará unos 4 años al estrenarse en las salas. Entonces no escribí mi crítica. Ahora sí.

Podría empezar con frases del tipo "engancha desde el principio", "te mantiene agarrado a la butaca desde el minuto 1" pero esta noche (la decimo cuarta del confinamiento) voy a tratar de elaborar una crítica alejada de clichés. Espero conseguirlo. Son las 1230 y esta noche se atrasa el reloj una hora.

 

 Todo comienza Los Angeles, en 1998,  con el entierro de la hermana de la protagonista, María Altmann, tras el cual, encuentra en un trastero de la fallecida una serie de documentos en los que se habla del patrimonio de su familia, en el que destaca el cuadro que Gustav Klimt pintó a la tía de María, "Retrato de Adele Bloch-Bauer I".

 

 

 

Al igual que María, también eran austriacos los padres de su mejor amiga, hija de un famoso compositor, y cuyo hijo, abogado de profesión va a interesarse por el caso.

Bueno, en realidad al principio muestra nulo interés, en la escena en la que el chico (interpretado por Ryan Reynolds) y María (Helen Mirren)  se encuentran, cuando degustan un Appelstrudel que nuestra protagonista ha preparado amablemente para él.

 

Me gusta especialmente esa escena. Cuando el abogado entra en el salón de la casa y contempla una foto en la que se ve a los padres de María, a su hermana, a ella misma y a sus tíos, y en ese preciso instante los personajes cobran vida y se nos presenta a la familia Altmann al completo, en el primero de los flashbacks en los que se nos narrará como eran sus vidas en la época de los Nazis. 

 

La trama avanza en dos tiempos paralelos. La batalla de María por recuperar el cuadro pintado por Klimt , y la dura vida durante los tiempos de la Segunda Guerra Mundial en la Viena en los años 40, con los Nazis avasallando allá por donde pasaban. Poco después de su primer encuentro, ambos viajan a Viena, donde se celebra un congreso sobre La Restitución de Obras Robadas por los Nazis.

Y ya del argumento no quiero desvelar nada más. Normalmente cuento menos de la trama, pero esta vez quizás me he excedido, aunque no habré contado más de los primeros 12 minutos.

 

Una historia muy entretenida, rodada en inglés y alemán, con una Helen Mirren poderosa, con un acento germánico, que se percibirá si se disfruta la cinta en su versión original. A destacar un actor español de origen alemán que me gusta especialmente, Daniel Brühl, y dos cameos originales, en los personajes de dos jueces. Uno, Elizabeth Mcgovern, la Condesa de Downtown Abbey, y otro, Jonathan Pryce, el Papa Francisco en la reciente Los dos Papas, que curiosamente es mi penúltima crítica en este Blog de Cine.  

 

Para muchos Woman in Gold no pasará de ser un filme entretenido, pero para mi es algo más que eso. La dame de oro, habla de las raíces y de cuán importantes son para el ser humano. De cómo nos afectan los fantasmas del pasado y de que en la vida llega un momento de enfrentarnos a ellos. Pero principalmente habla de cómo los alemanes arrebataron a una familia judía todo su patrimonio. Habla del deseo de justicia, de la lucha y el esfuerzo por recuperar lo que es tuyo. Y por último añadir que se trata de una historia basada en hechos reales.

9 de 10. 

 

 

Los 2 Papas, de Fernando Mereilles

Llevaba semanas con ganas de ver Los 2 Papas del director de El jardinero fiel o Ciudad de Dios, dos películas con muy buenas críticas.

 

No sabía nada del argumento, y es de esta forma, mi forma preferida de aproximarme a un film.

La historia que transcurre en 2012 principalmente, cuenta el encuentro entre el Papa Benedicto XVI y un obispo argentino, el actual Papa Francisco, cuando el segundo viaja a Italia para presentar su renuncia. Pero todo empieza con la presentación del verdadero protagonista dela historia, Jorge Bergoglio, cuando esta oficiando una misa en una plaza en Argentina, un país con un nivel de pobreza bien distinto al que podamos tener en Europa.

 

De ahí pasa a Italia, en Roma, en el Vaticano, año 2005, para que se situe el lector,  al fallecimiento del Papa Juan Pablo II. Y la consiguiente elección del nuevo Papa, con todos los obispos dentro de la Capilla Sixtina y el apasionante proceso del cónclave, del voto y elección, que está rodado con todo lujo de detalles, un proceso que termina primero con la fumata negra, y después con la hiper comentada fumata blanca que determina que habemus papa. Una secuencia en la que el Papa Benedicto XVI fue elegido.

 

Sus conversaciones marcadas por dos caracteres antagónicos ya plantean un punto de partida muy interesante. Al principio de Los 2 Papas hay una conversación apasionante entre ambos en la que Benedicto XVI le "echa en cara" a Bergoglio su aperturista mentalidad con temas polémicos para la Iglesia, como la homosexualidad o el divorcio. El guión presenta la historia con varias líneas argumentales y tiempos. También cabe destacar que la historia esta contada en español, ingles y algo de italiano.

 

Aunque casi toda la trama sucede en 2012 cuando se encuentran ambos Papas, también hay varios flashbacks que nos llevan a los años 70 en la argentina del régimen de Videla, cuando Bergoglio no era más que un obispo, pero que tuvo relación con el dictador Videla. O a la juventud del Papa Francisco y de cómo le marcó un primer amor que parece fue el detonante para consagrar su vida a la Iglesia.

 

La película ofrece varios puntos a destacar. Un portentoso diseño de producción que cuida mucho los detalles, como todo el proceso de la elección del nuevo Papa (ya comentado un poco más arriba). 

Los actores ofrecen un duelo interpretativo de altura y tanto Anthony Hopkins en su papel del Papa Benedicto XVI como Johnathan Pryce en el del Papa Francisco están soberbios y nos regalan una complicidad que es uno de los grandes valores de esta película. Ambos actores dotan de gran personalidad y profundidad a dos hombres bien distintos que han marcado sus papados de maneras antagónicas. Uno más altivo y autoritario, otro más sumiso y humilde, pero ambos "enfrentados" desde dos situación del poder. El todopoderoso Papa y un obispo con su consiguiente sumisión a lo que indica su superior.

Cuando uno se enfrenta a una película basada en hechos reales, o en personajes reales, siento una exigencia extra, para ser lo más exacto en cuanto a la historia que se cuenta. Y entonces procedo a documentarme y buscar información que vista mejor mi crítica y la acompañe con algunos datos que la gente desconozca. En este caso, poca gente sabrá que Jorge Bergoglio  trabajó como obispo durante la dictadura de Videla en los años 70 y tuvo bastante relación con él. De hecho en la película hay una subtrama sobre dos sacerdotes en aquella época, de la que no puedo hablar para no hacer spoiler.

Cuando un hombre llega a ser Papa, se le presupone una trayectoria de muchas décadas en las que habrá vivido de todo. Y lo más interesante de "Los 2 Papas" es el retrato poliédrico que ofrece de Bergoglio y de cómo todo lo que vivió en su juventud, ha marcado profundamente su papado.   

 

And then we danced, de Levan Akin

 

 

A mí, personalmente me ha cautivado And then we danced. De forma ordenada y limpia, la película va adentrándose en el conflicto. Comienza mostrando el entorno donde se desarrolla la historia; el país, Georgia, el barrio donde vive el protagonista, su familia, su trabajo y la compañía en la que baila, que representa el folklore del país, donde el bailarín se identifica con lo varonil y la bailarina con la virginidad y la pureza. El protagonista, Levan Gelbakhiani, tiene un físico que cautiva a la cámara, además de sus extraordinarias dotes de bailarín, es su expresión gestual, sus ojos, sus labios y sus manos, el único diálogo, a veces, que tiene la película para expresar los conflictos de un joven bailarín, que quiere triunfar en la danza, a pesar de todos los obstáculos con los que convive, en una familia de pocos recursos y en una sociedad donde la homosexualidad no está aceptada.

 

Luce la maestría del director, Levan Akin, en las escenas en las que el protagonista se enamora, las miradas, el coqueteo, la lucha por disimular, momentos llenos de sonrisas, ternura, felicidad, escenas en la que la pasión emociona.
Otro momento espectacular de la película es la danza final, la coreografía pasea por la ira del bailarín, por el enfado con la sociedad en la que vive y que está representada magníficamente por los dos directores de la compañía de baile, pasando por los momentos de dolor físico, y culmina con la exaltación de su homosexualidad donde convierte los pasos de baile en las alas que le harán volar a su verdadero ser, como persona y como bailarín.

Primera colaboración de Tony Grande

Luce de Julios Onah

Comienzo el recién iniciado 2020 hablando de Luce, una cinta aun no estrenada en las salas españolas, que se pudo ver en el Festival de Sundance y que he podido visionar en una plataforma de pago por visión.

No había oído absolutamente nada de Luce. Me llamo la atención el cartel, con los rostros de los cuatro protagonistas de la historia. Unos padres, Naomi Watts y Tim Roth, su hijo adoptivo Kelvin Harrison Jr. y su profesora del instituto Octavia Spencer. También me sedujo la historia. Antes de contaros el argumento, una anécdota; cuando busco LUCE en Google para encontrar el cartel, me salen decenas de fotos de otra película con título parecido (Lucy) y de su protagonista, Scarlet Johansson. Eso demuestra que en España aun apenas se ha generado información de esta nueva película cuya fecha de estreno está prevista para el 29 de enero.

Han pasado diez años desde que Amy y Peter Edgar adoptasen un niño procedente de la guerra de Eritrea, donde tuvo lugar una guerra civil. Luce Edgar (Kelvin Harrison Jr.) se ha convertido en un estudiante modelo al que todo el mundo adora dentro de su comunidad en Arlington, Virginia. Una de sus profesoras, Harriet Wilson, está convencida de que Luce se convertirá en un símbolo de la excelencia negra, un referente para sus compañeros y para la gente que le rodea. Sin embargo, a Harriet le produce una gran inquietud el descubrir que Luce defiende la violencia en determinados escenarios políticos en una de sus redacciones, en la que elige la voz del provocativo filósofo, psiquiatra y revolucionario Frantz Fanon para hacer eco de sus ideas sobre la necesidad de la violencia en la lucha contra el colonialismo. Harriet cita a Amy Edgar para comentarle sobre la redacción y sobre algo que ha descubierto en la taquilla de su hijo.

 

La película, basada en la obra de teatro del mismo título de JC LEE, empieza con un travelling hacia una taquilla que acaba en un primer plano, justo en el momento en que se abre la taquilla, unas manos depositan dentro de la misma una bolsa de papel marrón y se cierra la puerta. Luce atrapa tu atención durante todo el metraje;  es una película absorbente e inquietante,  a ratos incómoda, y que permanentemente te va lanzando preguntas sin respuesta ¿Soy como esperan que sea? ¿Seré lo suficientemente brillante en mis estudios como esperan de mi?
 

Unos brillantes diálogos entre los padres y el chico, abren la caja de la desconfianza que va creando un ambiente hostil en el hogar. ¿Es el chico lo que parece? ¿O esconde una violencia latente? La magnífica banda sonora contribuye a crear ese tono desasosegante de la película.

Harriet tiene una hermana con problemas (no mencionaré de qué tipo) que le da una profundidad poliédrica a su personaje, a quien le gusta elegir a ciertos alumnos con los que ejemplificar actitudes basadas en estereotipos. Algo que molesta a Luce.

 

Aunque la película está bien resuelta  y deja que el espectador tome sus propias conclusiones respecto a ciertas preguntas sin respuesta planteadas en la cinta, deja algunos cabos sueltos para mi gusto. Un muy buen reparto encabezado por Kelvin Harrison Jr. que compone un personaje ambiguo, con una profundidad sobresaliente,  lleno de matices y de claroscuros, y que recogerá buenas críticas a buen seguro. Y para terminar os lanzaré yo una pregunta. ¿A qué político os recuerda el protagonista de Luce? 

Un atardeder en la Toscana, de Jacek Borcuch

Esta tarde he podido disfrutar una película polaca muy interesante. Advierto que se trata de una rareza, de esas que amas u odias, pero que no admite termino medio. Su título " Un atardecer en la toscana" es un título engañoso que no tiene nada que ver con el original "Dolce fine giornata" algo así como "Un buen final del dia". La historia tiene lugar en la Toscana italiana. Yo tuve la fortuna de no saber nada del argumento. Solo que la protagonista es una poeta ganadora del Nobel que vive en Italia, gracias a eso, la película me fue sorprendiendo de principio a fin. Llegar virgen a la sala de cine, sin saber nada de la película, a veces es la mejor forma de enfrentarse a una nueva historia.
Al finalizar la proyección leí la info completa, que incluyen semanalmente los compañeros del Cine Club Mas Madera en su programa, que llevan casi 30 años ofreciendo cine de calidad todos los jueves a las 21 horas en la Casa de la Cultura de Arroyo de la Miel. Ya que en Benalmádena no tenemos cines propiamente dicho, los jueves al menos, podemos ver buenas películas, muy bien elegidas por este simpático comité de expertos cinéfilos.

 

De la película puedo contar poco porque no quiero hacer spoiler, aunque en realidad, no pasa mucho, como en las películas del director siciliano Luca Guadagnino, director de joyas como Io sono il amore (2009), Burnt by the sun (2015) o la laureada Call me by your name (2017), y puedo afirmar tras haber visto tres de sus últimas películas, que se ha convertido en uno de mis directores favoritos. En "Un atardecer en la Toscana" al igual que en el cine de Guadagnino suceden cosas cotidianas pero la narración tiene un estilo propio que me gusta bastante, aunque debo reconocer que la historia es lenta y puede aburrir a más de uno.
María Linde, que tiene un affaire con un joven egipcio que regenta un hotel, en un discurso de agradecimiento tras otorgarle un premio que rechaza,  pronuncia unas palabras poco agraciadas que despiertan una ola de críticas. Y a partir de ahí se desarrolla la parte más interesante del filme, que tiene un ritmo lento. No pasan grandes cosas, insisto. Pero habla de problemas tan de nuestros días como la inmigración, los refugiados o el terrorismo, pero de una forma tan sutil que pasan casi desapercibidas. Su personaje interpretado magistralmente por Krystina Janda,  es una mujer fuerte, con unas ideas muy claras y una voluntad inquebrantable, a pesar de los constantes esfuerzos de un entorno que desea hacerla doblegarse.  

 

Un cine refléxivo como este, hacen falta en estos tiempos de radicalismos políticos y sociedades planas y vacuas en las que prima lo superficial y los extremos. Por favor, no se pierdan esta película si tienen la oportunidad de encontrarla en el páramo cultural que es a veces internet.
La secuencia final de la jaula es de esos finales que te sobrecogen y te dejan reflexionando largo rato tras la proyección de la película.
(Rectificada 5 de enero de 2020).

La banda de Roberto Bueso

La banda de Roberto Bueso es una de las películas que más me ha gustado del Festival de Málaga. Se trata de una comedia dramática deliciosa. Me ha gustado por la historia, por el tono, es clásica en su forma, por el retrato generacional que hace, por una música preciosa (de Vicente Ortiz Gimeno) que me recuerda a las melodías de Anton García Abril, compositor entre otras obras de la bella música de la serie Anillos de Oro.

 

 La película se inicia con un plano de un chico sentado en un banco esperando una audición. De plano general pasamos a un primer plano. Desde ese momento ya conecté con el personaje.

Edu que trabaja como músico en Londres, llega a su pueblo para la boda de su hermano. Llega como aturdido, pero poco a poco va despertando con el contacto de sus viejos amigos, los compañeros de la banda, con su hermano, con la novia de su mejor amigo.
El reparto lo componen algunos actores no profesionales. En el casting buscaban actores con dos premisas, que hablaran valenciano y que fuesen músicos.

Me llamo mucho la atención que en la película no salen móviles, a pesar de transcurrir en la actualidad y eso tiene una razón y es que al director no le gusta nada la tecnología.

La banda habla de muchas cosas, de distintos amores, del amor de madre, del amor de pareja, del amor de hermanos, de que a veces hace falta salir de tu zona de confort para descubrir tu lugar en el mundo. Me encanta una secuencia en la que el hermano le ofrece a Edu un consejo no pedido y éste lo rechaza. Hay algo interesante en esa relación entre los hermanos, que cuando se llevan unos años de diferencia es difícil que haya amistad entre ellos, y en este caso, el hermano mayor hace esfuerzos por acercarse a Edu, por estrechar unos lazos antes de dar ese paso importante de casarse y formar una familia. Esa subtrama está escrita con mucha sensibilidad y con miradas cómplices en las que a veces las palabras no son necesarias.

 

La banda se iba a llamar Retornar a casa, incluso al hacer la búsqueda de la película en google, aparecen noticias del inicio de su rodaje en las que se menciona Retornar a casa, en valenciano.

Un periodista comentó que le parece todo muy valenciano, y coincido con él en una cosa, me parece una historia muy autentica, muy de verdad, muy creíble. Es una historia muy localista pero que funciona perfectamente extrapolándola a cualquier otro lugar.  Gonzalo Fernández, el protagonista, de perfil bajo,  me gustó especialmente, como su personaje va despertando de una especie de letargo, desde que llega de Londres y según avanza la trama va despertando, haciéndose más expresivo, más luminoso, más alegre. 
Roberto Bueso estudió en la Ecam, donde Fernando Mendez Leite ( que se encarga de elegir las películas de la Sección Oficial)  ha sido profesor durante muchos años, y comentó que ya en la escuela, le gustaba mucho el cine francés, la nouvelle vague...y eso se nota viendo su primera película.

Desde aquí le deseo mucha suerte para que consiga algún premio en el Palmarés del Festival.

 

 

El despertar de las hormigas de Antonella Sudasassi Furniss

El despertar de las hormigas es una bella historia sobre Isabel, una buena madre, buena esposa, buena nuera. Cuando su familia política la presiona para tener otro hijo, después de dos hijas, una serie de revelaciones la llevan a enfrentarse consigo misma, con su entorno y su familia. Protagonizada por Daniela Valenciano, es una comproduccion entre Costa Rica y España, con los hermanos Allenda detrás y que se estrenó en la Berlinale.

 

El despertar que se estrenará en julio,  habla de muchas cosas, todas muy interesantes, pero sobre todo de la belleza de lo cotidiano, filmado con sencillez sin ninguna épica y con el ritmo de cierto cine francés. Habla del amor materno que enseñan las madres de generación en generación que es un amor machista, en el que aprenden que siempre deben estar disponibles para los demás aunque ello suponga olvidarse un poco de si mismas. Habla de la mujer como sirvienta permanente del hombre. La directora confesó que eso lo ha mamado en su familia. Por otro lado, el tema del cabello en el filme es una metáfora sobre la feminidad y la belleza. Daniela Valenciano compone un personaje muy rico, complejo que dibuja una paleta con una amplia gama de colores y que me parece desde ya merecedor de la Biznaga a la Mejor interpretación femenina.

El proyecto de la película aúna un largometraje, un corto y un documental. Los cambios no se producen de un dia para otro, van muy despacito. Ese es el verdadero despertar de las hormigas. En Costa Rica estuvieron muchos años sin hacer apenas cine. En la actualidad se hacen unas diez películas al año y la mayoría dirigidas por mujeres.

En la rueda de prensa se reivindicó la importancia de la familia materna a través de incluir el apellido de la madre de la directora en el cartel de la película. Antonella quería rodar su película en un pueblo perdido en el tiempo, donde la mayoría del reparto fue no profesional. Este equipo tuvo un trabajo durante 4 meses  para acostumbrarse a las cámaras. El alcalde del pueblo incluso tiene un pequeño papel. Para el trabajo con las niñas, jugaron mucho con la improvisación para darle frescura y credibilidad. Recuerda a dos películas; a Verano de 1993, vencedora en Málaga hace un par de años; dos historias que comparten un tono, un estilo. Y recuerda mucho a Roma, por esa historia sencilla de una familia normal, aunque allí todo transcurría en una gran ciudad de México, y aquí es en un pequeño pueblo de Costa Rica.

Antes de la quema de Fernando Colomo

En la segunda jornada, Antes de la Quema, una narco-chirigota de Fernando Colomo, un director de dilatada trayectoria, que regresa al Festival donde presento en 1998 su Cuarteto de la Habana. La vida de Quique,  un chirigotero del carnaval de Cádiz da un vuelco cuando comienza a trabajar en el mayor depósito de droga de Andalucía donde se plantea un robo.

Una divertida y fresca comedia protagonizada por Salva Reina, Maggie Civantos, una estupenda Manuela Velasco, Joaquin Nuñez y Manuel Manquiña.  Escrita por el malagueño Javier Jáuregui, es un homenaje a Cádiz y a su personal idiosincrasia, como buena comedia, tiene un trasfondo de dramón.  El rodaje tuvo lugar en Cádiz que funciona como un personaje más. Colomo confesó que la idea inicial era haber encargado el film a un director andaluz, pero ante la falta de uno, se decidió el mismo a tomar las riendas. Reina compone un personaje solvente, demuestra ser un actor que ha ganado fuerza y madurez. Con fardo y a lo loco podría haber sido otro título de la cinta que se rodó en el barrio de La Viña, donde se cruzaban con personas de carne y hueso inspiradores de personajes de ficción. También destacan Manuela Velasco en un personaje romántico que recuerda a la deliciosa Marisa Tomei y Joaquin Núñez que hace de un capo bastante cómico y loco. La película pretendía ser una mezcla entre thriller y comedia, pero sin lugar a dudas pesa más lo segundo.

En la rueda de prensa se habló del tema de los acentos, de la importancia de desencorsetarse para enriquecer la ficción nacional, incluyendo en el cine español personajes con una amplia gama de acentos variados, tales como el gallego o el andaluz, sin tratar siempre de neutralizarlos hacia el castellano más propio del centro de la península. Hubo cierto revuelo cuando una periodista catalana preguntó si había mucha diferencia entre los acentos de Málaga y Cádiz. Ella misma me confesó la que podía haber entre un catalán de Girona o de Barcelona. Tal vez aquí nos cueste más verbalizar las diferencias. Reina que pensaba que en 5 minutos se ensaya una chirigota, se percató del gran trabajo que hay detrás de estas agrupaciones, que necesitan muchos meses de ensayos antes del Carnaval.
 

Esto no es Berlin de Hari Sama y A pesar de todo de Gabriela Tagliavini

La primera película del dia a las 9 de la mañana me ha parecido un bodrio. En A pesar de todo, todo resulta impostado, nada funciona, el guión está mál escrito y la música metida con calzador, como en las malas películas en las que suenan los violines para resaltar una escena romántica. No me enganchó nada, porque a la historia le falta alma. La historia comienza en Manhattan con un  bello plano de la estatua de la Libertad. La historia va sobre 4 jóvenes hermanas y muy distintas entre si,  que se reencuentran después de un largo tiempo sin verse tras la muerte de su madre, interpretada por Marisa Paredes, y las ya mencionadas hermanas interpretadas por  Amaia Salamanca, Macarena Garcia, Belen Cuesta, divertida y ocurrente, y la siempre interesante Blanca Suarez. Tal vez habría estado mejor un reparto de actrices de distintas generaciones para que el retrato familiar tuviera más credibilidad y más profundidad. Si encima tenemos en cuenta que dos de las actrices nacieron en 1988 entonces podrían haber hecho de gemelas. Solo 4 años de diferencia entre la hermana mayor y la benjamina no nos parece suficiente. Pero qué absurdo todo esto, ¿no? 

Un guión disparatado que podriá haber dado para una divertida comedia, da como resultado una comedia insulsa. El mensaje feminista en la rueda de prensa, película de actrices dirigida por una mujer, vale, sí, y qué? Mejor escribir buenos guiones y rodar historias más creíbles, aunque sean comedias locas. . La caricatura que hace Carlos Bardén de un artista español que habla francés es de risa. Quizás lo más destacable sea una Rossy de Palma en un personaje al que se le adivinan las sorpresas que un guión torpe nos tiene preparadas. Juan Diego interpreta al padre de las niñas. Un hombre loco en un personaje anodino pero cómico. De nuevo se cuela una película muy comercial en la Sección Oficial. De verdad que seria muy de agradecer que en esta sección solo hubiera un cine más de festival y menos comedias con pretensiones de blockbuster.

 

 

Esto no es Berlin, de Hari Sama, fue todo lo contrario. Avalada por su presentación en Sundance, nos presentan una historia de iniciación en México DF de 1986 con el trasfondo del Mundial de Futbol. Carlos de 17 años no encaja en ningún lugar, ni en su familia, ni con los amigos de la escuela. Pero todo cambia cuando lo invitan a un mítico club clandestino en el que descubre el post punk, las drogas y la libertad sexual.
Según las palabras de su director, se trata de una historia muy  autobiográfica.  Habla de una juventud en ebullición creativa y es una propuesta rompedora, transgresora y original. Es de agradecer  haber tenido al director y a dos de sus actores presentes en la rueda de prensa. El director confesó que al igual que el protagonista, se crio en un ambiente muy conservador, con un padre ausente y una madre triste. Comentó que en la época de la película, llevar tatuajes, aros en la nariz o pelos de colores estaban casi prohibidos. En relación con la famosa movida madrileña, época de esplendor y libertad, en Mexico en cambio, en aquella época todo era represión y oscuridad.

Con otra de sus películas, se llevó el premio a la mejor actriz en aquella interesantisima Sección llamada Territorio Latinoamericano, por lo que se mostró muy contento de regresar a Málaga con una cinta (aun inédita en su país) cuyo estreno está previsto para junio.
Es una cinta politemática en la aparecen lugares alternativos en los que se preparan performances callejeros que tienen mucha fuerza y personalidad; rezuman autenticidad. En los albores del Sida, en la película solo se menciona un par de veces; prefirieron darle protagonismo a otros temas como el arte conceptual como vehículo para la reivindicación y crítica sobre ciertos temas. Hari Sama precisó que   muchos de sus amigos murieron  a causa de dicha enfermedad.

 

Comentó como anécdota, que conoció la historia de unos gemelos cercanos a los 18 años, que recien sacados del instituto, su padre los obligaba a encerrarse a crear, a concebir un cuadro todas las semanas. La película supura arte por todos sus poros. Tarda un poquito en arrancar, pero va enganchando lentamente. Su historia nos parece muy bien contada, tiene un reparto que brilla con luz propia, encabezado por Xabiani Ponce de Leon (Carlos),  Jose Antonio Toledano (el mejor amigo de Carlos), Mauro Sánchez  Navarro (magnético, vitalista, lleno de fuerza y verdad), el propio Hari Sama que interpreta al carismático tío, con el que Carlos tiene una relación cómplice, e incluso incluye a Marina de Tavira, la madre de la aclamada Roma, y a Lumi Cavazos (la querida Tita de Como agua para chocolate) . Desde aquí le auguramos un lugar en el Palmarés de esta edición, aunque siendo la segunda jornada del festival nos parece un poco pronto.

Para terminar el día fui a la gala del Premio Malaga Talent al talentoso Raul Arévalo. Una gala muy divertida de la que hablaremos en otro momento.
Viví una tarde de cine con mi nueva amiga Sofía, desde aquí agradezco sus palabras sobre una de mis últimas críticas. Es la una y veinte de la mañana. Hora de irse a la cama, descansar y recargar las pilas para la segunda jornada del festival.  

Green book de Peter Farrely

 

Tony Lip (Viggo Mortensen), un italoamericano del Bronx, es contratado como chófer del virtuoso pianista negro Don Shirley (Mahershala Ali), durante una gira de conciertos por el Sur de Estados Unidos, en la que deberá tener presente "The Negro Motorist Green-Book", una guía que indicaba los pocos establecimientos donde los afroamericanos estaban "autorizados".

 

 

Lo que empieza como una estricta relación laboral se va transformando poco a poco en una profunda amistad entre dos personajes antagónicos, uno, rudo, violento y vulgar, y el otro, un afroamericano cultivado, detallista y extraordinariamente sensible.
El título de la película hace referencia al libro que debían usar los negros (aquí prefiero usar esta palabra)  para conocer los alojamientos en los que su presencia estaba autorizada, ya que la gente de color tenia vetada la entrada en multitud de lugares; además en los autobuses tenían asientos reservados "only for coloured" y en determinados alojamientos, solo podían usar unos baños en el exterior habilitados solo para los negros, tal y como se puede ver en una poderosa escena de la película. Incluso recuerdo haber visto en otras películas baños separados por razas.  Desde aquí aprovecho para recomendar el visionado de otra gran película sobre el tema de la segregación "The help" en España se llamó "Criadas y señoras"

El recorrido geográfico, basado en hechos reales,  que Don Shirley y Tony hacen por los estados sureños de la América profunda durante la época de la segregación, con un rico trasfondo social, es paralelo al recorrido vivencial de estos dos hombres con grandes diferencias socioculturales y cuyas vidas confluyen en una conexión intercultural alucinante que hará de catalizador para ambos, y su relación de amistad trascenderá a su color de piel y sexualidad, y dará una lección de humanidad en una película que me ha conmovido especialmente. No me resulta fácil emocionarme en el cine,  y en esta película se me saltaron las lágrimas en varias ocasiones.

 

Sus interpretaciones son magistrales, cada uno en un personaje completamente opuesto al otro y cuyas personalidades parecen destinadas a nunca entenderse. Mortensen está inmenso en la elaboración de su personaje pero Ali es quizás el que más me ha conquistado en un papel que está cosechando premios allá por donde pasa.
La puesta en escena es sencilla, el guion brillante e inteligente, combinando con maestria el drama y la comedia, y las escenas de los conciertos son fabulosas, con todos esos blancos entusiasmados con el arte de Don Shirley, que vivía en Nueva York, sobre el majestuoso Carnegie Hall.
Me ha gustado como van evolucionando las cartas que Tony le envía a su esposa durante los dos meses que está fuera, gracias a la ayuda de Don. Unas cartas pueriles y sin mucho condimento se van trasformando en unas líneas llenas de poesía y romanticismo. Hay algunas escenas para resaltar como la del último concierto en Birminhgam, la actuación en el local de los negros, la dura escena en el YMCA o la de la cena de Nochebuena. Cabe destacar el personaje de la mujer de Tony, lleno de ternura y de pasión, interpretado por Linda Cardellini .
Veremos qué pasa mañana en la ceremonia de los Oscar y si Ali se lleva su segundo premio tras el obtenido hace un par de años por su rudo y duro personaje en Moonlight, de Barry Jenkings.