The whale, de Daren Aronofsky

Un profesor de literatura da clases de escritura por video conferencia a un grupo de estudiantes, les dice que su cámara está rota por lo que no puede mostrar su rostro, en realidad no lo hace porque padece obesidad mórbida y se avergüenza de su imagen. Charlie, interpretado magistralmente por Brendan Fraser, realmente tiene el aspecto de una ballena, una ballena varada en su pequeño apartamento, una ballena con alma de niño perdido, una ballena arponeada por el desamor, la culpa, la pérdida, el abandono, la incomprensión y un inmenso vacío que llena con la comida compulsivamente.

Charlie tiene una hija, Ellie, interpretada por Sadie Sink, a la que quiere recuperar después de años distanciados, cuando lo visita, se cruzan las miradas tiernas y conciliadoras de Charlie, con las de ira de su hija que vive envuelta en un torbellino de emociones fuera de control.

Liz, interpretado por Hong Chau, es su única amiga, lo cuida con cariño, se involucra en su cuidado de forma excepcional para ser solo una amiga, cosas del guion que no voy a desvelar.

Thomas, interpretado por Ty Simpkins, es un joven que aparece un día en casa de Charlie como un misionero que va por las casas con el predicamento de su Nueva Vida, intenta convencer a Charlie de que su religión le dará la salvación. Oculta un gran secreto que no puedo desvelar.

Mary, interpretado por Samantha Morton, es la ex mujer de Charlie, quien lo visita un día y entre ellos surgen los reproches, pero también rescoldo de ternura, residuos del amor de los años de convivencia que tuvieron.

Hay breves apariciones de un repartidor de pizza, Dan, que deja el pedido y recoge su dinero en el porche, pero que siempre pregunta si está todo bien y es ese interés el que hace sonreír y sorprender a Charlie.

Sin duda alguna una gran película en la que cada uno puede verse identificado en algún aspecto o tal vez no, y pase a ser una buena película más, para mí ha sido un gran escaparate donde mostrar las debilidades del ser humano y cuando ese escaparate se apagó quedaron encendidas esas cuatro importantes y maravillosas palabras… AMOR.

Victoria Eugenia Gómez Sánchez

Los asesinos de la luna, de Martin Scorsese

 Llevaba muchos meses sin ir al cine, y aunque parezca mentira, cuando uno pierde el hábito para ciertos placeres, como este que me ocupa, cuesta retomarlo. Pero ayer era un dia especial, no sólo porque me disponía a ver una película en pantalla grande, sino porque iba a deleitarme con la última del gran Scorsese. Debo admitir no haber visto más de 3 de sus cintas en el cine, pero Los asesinos de la luna se ha estrenado con una aureola de gran película, o la película del año, si me apuras. 

La historia arranca con un plano general de unos indios enterrando un objeto en una llanura inmensa en la que solo se ve campo. En un momento dado comienza a salir de la tierra una especie de geiser de petroleo y entonces contemplamos a los indios danzando bajo esa lluvia negra en slowmotion en una escena muy plástica y muy bella. Preciosa. 

La trama de la película gira alrededor de los indios Osage, unos indios que poseían aquellas tierras en las que se encontró el oro negro y que los hizo extremadamente ricos. Yo solo tenia la idea de los indios semivestidos con taparrabos y plumas en la cabeza,  de los western que solo había visto en mi niñez y adolescencia, pero nunca los había contemplado retratados así, vestidos como el resto de los mortales y en una ciudad moderna del medio oeste, 

El argumento gira alrededor de los asesinatos de una serie de estos indios Osage, que se van sucediendo durante toda la trama y desde los primeros cinco minutos. Al inicio de la película el personaje de Ernest (Dicaprio) empieza a trabajar para su tío como chófer, y recoge a Molly( Lily Gladstone) en la estación de ferrocarril para llevarla a su casa. Molly junto a sus 3 hermanas y su madre, son algunos de los personajes principales sobre los que pivota toda la trama. 

Está formidablemente contada, es un puro gozo disfrutar de una historia bien narrada, que ni se hace larga ni aburre en ningún momento, en sus doscientos minutos de metraje. De Niro y Dicaprio están soberbios, con el descubrimiento de Lily Gladstone en el papel de Molly. No sé si a lo que voy a decir ahora se le puede calificar de spoiler, pero me pregunto si el personaje de Ernest tiene alguna discapacidad mental o simplemente es tonto de remate. Pero según va avanzando la trama, uno llega a concluir que es más bien lo segundo. Es un personaje simple, sin mucho doblez con el que me costó empatizar. Sobre el personaje de Rey, interpretado por un De Niro realmente avejentado, es complicado dar mi opinión,  solo mencionaré que me recuerda a otros gansters vistos en la filmografía de Scorsese.  

Cuando uno habla de Scorsese, se sube el propio listón de la crítica a elaborar, pero ni yo soy un crítico experto ni especializado en su tipo de cine, entonces es difícil tratar los temas recurrentes en su filmografía, pero si quiero destacar que Los asesinos de la luna podría catalogarse dentro de una película de mafia, (a mob movie) pues hay unas características comunes con una violencia y unos asesinatos muy de ese tipo de cine, con la única particularidad que los fallecidos son Indios. 

En el reparto, hay la friolera de 50 actores y actrices con papeles pequeños que dan fuerza a una trama muy bien construida. Hay una escena que se me hizo especialmente dura y de la que no puedo hablar. Ni es sangrienta ni desagradable para la vista. Es más bien todo lo que hay detrás de esa escena que me resultó claustrofóbica y asfixiante y que solo el lector avezado que haya visto la película, tal vez pueda adivinar, aunque no le será nada fácil.  

Mi sentimiento al salir de la sala fue de devastación. Salí bastante afectado. Directo a tomar el tren de cercanias de regreso a casa. Solo pude intercambiar unas frases con algunas personas en la salida, sobre lo dura que había sido la película. Ahora unas 14 horas después de su visionado, puedo dar fé de que he tenido la suerte de haber gozado de Los asesinos de la luna, como debe verse este tipo de películas, sin distracciones de ningún tipo y en silencio total. 

Hay un plano cenital de unos indios tocando un gran tambor, todos alrededor del mismo. La cámara se va alejando hacia arriba y vemos danzando a un grupo amplio de otros indios alrededor de ese tambor. Caminando y bailando todos alrededor de ese tambor. Precioso plano. 

Algunos hablan que esta podría ser su última película como director, pero espero que se equivoquen. 

Regreso a Hope Gap de William Nicholson

 Hace más de un año pude ver una bella película en el Cineclub Más Madera, pero la crítica se quedó olvidada en el bloc de notas. Aprovecho el estío para retomar mis reviews, sobre todo gracias a un nuevo seguidor del antiguo Twitter, que yo seguiré llamando así por ahora, que me preguntó amablemente por qué no había escrito nada desde marzo. La respuesta es fácil: falta de constancia y dedicación para escribir las críticas de las últimas películas que he visto, entre ellas la de The Fabelmans.

Regreso a Hope Gap es una historia dramática con la que conecté desde los primeros planos en los que se muestra la relación de un matrimonio cuyos conyuges tienen caracteres antagónicos y muy marcados. Muy al principio de la película, hay una escena que me cautivó, cuando el esposo, un hombre de carácter dócil y aparentemente indolente (interpretado por un poderoso Bill Nighty) llega a su casa del trabajo. Su esposa, una mujer directa y agresiva, le pide que le ponga un té. El marido se acerca a cogerle la taza con el té frío e inacabado y ahí hay una conversación interesante sobre la costumbre de su mujer de no acabar las cosas. 

Regreso a Hope Gap nos cuenta el final de un matrimonio que lleva décadas en un largo declive, y la historia se inicia cuando el marido decide dejarla. Pero en esta ruptura no están solos, tendrán un testigo muy importante qué es el hijo de ambos, y que descubre atónito que su padre ha decidido no solo separarse de su madre sino dejarla también. La historia está repleta de brillantes líneas de guión,  dardos en forma de palabras que se lanzan ambos cónyuges, en un excelente guion, a la par que duro. Conecté muy bien con los tres personajes desde el principio y debo admitir que se pasa mal durante la proyección y más aún si el espectador es empático como el que escribe estas líneas. Las conversaciones del hijo con sus padres destilan mucha verdad y autenticidad. 

Annette Bening está soberbia en un papel que se hace odiar gran parte del metraje. Primero la odias, luego la compadeces y por último haces estas dos cosas a partes iguales. El joven actor que interpreta al hijo me pareció muy creíble y su interpretación naturalista me resultó conmovedora. Una película que te hace reflexionar sobre quienes somos, a dónde vamos y cómo nos relacionamos con los demás. 

Muy, muy recomendable.

20.000 especies de abejas de Estíbaliz Urresola

Tras su paso por la Berlinale, por fin llego la esperada 20.000 especies de abejas. 

Cuenta la historia de Aitor, un niño de 8 años al que algunos de su familia llaman Coco pero que prefiere llamarse Lucía. 

Ane, interpretada por la siempre convincente Patricia López Arnáiz, viaja al pueblo de su madre con sus tres hijos, dos varones y una niña, para pasar unos días. Allí con la presencia de su madre, y en especial, de su tía Lourdes,  apicultora que trabaja con las abejas con propósitos medicinales, que será el catalizador para que la verdadera naturaleza de esa niña vaya brotando, floreciendo. Es preciosa la relación de Lourdes con la niña. Y entrañable y estrecha la relación de Lourdes con su sobrina Ane. 

El guión, con múltiples capas y matices ofrece una historia bien compleja. La colmena es un trasunto de la familia. Las abejas eran un animal sagrado en las antiguas baladas vascas, y la metáfora es más que interesante. Sobre la diversidad que tiene una colmena, la misma que hay entre nosotros, los humanos.  Estíbaliz huye de las etiquetas en su propuesta, lo trans es una palabra más usada por los adultos. Los niños que transitan esos caminos son simplemente eso, niños o niñas. Urresola ofrece un estilo naturalista que recuerda a Carla Simon y su premiada Verano 1993. La película sin ser coral, tiene muchas obreras, algunos zánganos y una reina espectacular interpretada por Sofía Otero, que nos regala un personaje con una madurez impresionante, tiene una mirada y una fuerza descomunal que te atrapa desde los primeros fotogramas.  Fue merecedora del premio a la mejor interpretación en la pasada Berlinale. El pero se lo ponemos a que la película tarda un poco en arrancar, pero consigue transmitir e interesar con todo lo que cuenta. 

La historia surgió a raiz del suicidio en 2018 de un menor trans de 16 años en el País Vasco que no encajaba en un sistema rígido. Estíbaliz se puso en contacto con familias que estaban transitando por estas vivencias con sus hijos o hijas, y desde ahí empezó a darle forma al guión.

Sofía que es una niña muy alegre y expresiva como vimos al recoger el premio en Berlín, apareció al principio del casting de casi 500 niñas, pero no fue hasta casi el final cuando Estíbaliz decidió hacerle una prueba específica para el personaje de Coco. 

Una vida no tan simple de Félix Viscarret

Una vida no tan simple de Félix Viscarret me ha parecido una propuesta diferente, muy inspiradora e inspirada.

Un guión muy bien escrito y desarrollado basado en 4 pilares....dos amigos arquitectos, Isaías y Nico, que comparten despacho, la mujer de Isaías, Ainhoa y la mamá, Sonia con la que coincide Isaías en el parque infantil. 

Desde luego que no es tan simple ser padre y arquitecto con un despacho sin proyectos y tener que ocuparte de cuidar de tus hijos pequeños, llevarlos al cole y al parque mientras tu mujer, profesora universitaria, es la aparentemente triunfadora del matrimonio. No es tan simple llevar una vida de padre de familia que se ocupa de los hijos y al que le cuesta admitir el fracaso, apesar de haber ganado un prestigioso premio cuando era más joven. Recuerda las dificultades de ser padre como en Kramer contra Kramer, aunque allí la relación de pareja era totalmente distinta. 

Todo funciona a la perfección. La excelente música, parece diseñada para una película sobre arquitectos. La fotografía gris está muy conseguida. Muy divertido el video de Jerónimo Rascafrías, el arquitecto cool de las redes sociales, interpretado por un genial Julián Villagran. La mujer es de esas que se visten por los pies y cuya estabilidad no pondría en peligro por una infidelidad puntual. Esparbé, también metido a productor, y García están enormes, soberbios. Olaya Caldera y Ana Polvorosa también. Un reparto con excelencia. La ciudad de Bilbao se ve preciosa. Un magnífico trabajo de dirección que estoy seguro figurará en el Palmarés. 

Se agradece la ausencia de lugares comunes, la inteligencia del guión y del plantel de buenos actores francamente bien dirigidos. Viscarret confiesa que se inspiró cuando vivió una experiencia parecida tras ganar la Biznaga por Bajo las estrellas en Málaga y después tener hijos y verse consagrado a ellos y alejado de su profesión. Una profunda reflexión sobre una crisis profesional, personal, existencial y generacional. Casi nada.  

Lo autobiográfico siempre enriquece porque se habla de lo vivido. Preciosa la escena en la que se sinceran Isaías y Sonia. Realmente la película me ha conmovido.

Els encantats de Elena Trapé

Els encantats, cuarta película en competición del Festival de Málaga, historia sobre la búsqueda de una treintañera que se siente muy perdida. Se ha separado hace poco de su pareja y la pelicula se abre con una escena despidiendose de su hija pequeña cuando se la lleva su ex en su custodia compartida. Antist, un pueblo idílico en la montaña, resulta ser el refugio que elige Irene, que anda inmersa en un letargo que puede resultar desconcertante a ratos. 

Elena eligió planos muy largos, a veces uno siente que está viendo un docudrama.  

Tuve una sensación de que no pasa res. Pero claro que pasan muchas cosas, y ahí radica la riqueza del cine de Elena Trapé, vidas cotidanas en las que lo pequeño se hace el leitmotiv.

Trapé triunfó hace unos años con Las distancias de la que ya hablé en el blog elogiando un gran trabajo de dirección y actoral.

Esta nueva propuesta, de aparente sencillez, es lenta pero no aburre aunque quizas le faltaría un poco más de conflicto al personaje principal.

Pedro, de Liora Spliff Diablovstozky

Hoy hemos podido ver en el Festival de Málaga el portentoso trabajo sobre el artista iconoclasta mexicano Pedro Frideberg. Un arduo trabajo que le llevo 10 años a su creadora y directora. Es un trabajo minucioso y construido con mil detalles que crean un perfil poliédrico de un artista de enorme proyección tanto en su México natal como en el extranjero. Liora debía rodar un cortometraje como proyecto universitario y eligió la figura de Pedro para llevarlo a cabo. Es muy llamativo que éste sea el primer documental sobre la figura de este excepcional creador de las famosas manos sillas pero es que nunca permitió que lo grabasen. Pedro es una persona nada tecnológica pero tiene 3 gatos llamados Wikipedia, Internet y Netflix. Muy gracioso pues no sabe lo que son esas tres palabras, sólo las ha oído alguna vez. Es un personaje muy simpático y entrañable. El documental tiene numerosos momentos cómicos y no sólo es divertido sino entretenidísimo. Liora logró forjar una amistad con el artista surrealista, mostrándonos su impresionante obra. El documental incluye en el montaje algunas cartas manuscritas que escribió a Pedro durante el largo proceso de filmaciones. El estreno internacional ha sido hoy en Málaga, y le auguro desde aquí algún reconocimiento en el Palmarés. 

Tregua (s) de Mario Hernández

La empecé con cero expectativas, bueno bajo cero.  Inicio flojo que te hace temer que vaya a transcurrir toda la película en la habitación del Hotel Ac de Málaga.  Afortunadamente no es así. Diálogos se van haciendo más complejos, más profundos. Buena química entre Bruna y Salva, a pesar de la poca aparente conexión inicial. Unos amantes que se encuentran una vez al año para darse una tregua en su relaciones respectivas de pareja. Precisamente esas treguas les dá, a ambos personajes, aire para continuar con sus cónyuges. Interpretaciones con bastante frescura y naturalidad. Dos actores con estilos muy diferentes, él andaluz, ella catalana, pero que se complementan con acierto. El guión se va retroalimentando y creciendo según avanza la historia. Mucho diálogo en una cinta que funcionaría genial en teatro. Tregua(s) está coproducida, entre otros, por el propio Reina. 

El espectador se va a sentir identificado fácilmente con los protagonistas. Habla de temas universales como el amor, los celos o la infidelidad desde distintos puntos de vista. Cusí, que ya nos fascinó en Verano 1993, participa con tres películas en esta edición. 

Escribo esta crítica mientras tomo unas tapas en el mítico Cortijo de Pepe. 

Y a las 16 nueva proyección.

Matria de Álvaro Gago

Matria, basada en un cortometraje premiado en Sundance, cuenta la historia de Ramona, un nombre que me trae a la memoria a otra gallega inmortal, la Ramona de Mar Adentro. María Vázquez, poderosa y magnética,  crea el personaje de una mujer dura con una vida sacrificada que trabaja en una fábrica conservera. Una mujer electrizante que fascina, fuma compulsivamente, se queja, busca trabajo para poder ayudar a su hija que vive con su novio y con la que tiene una relación cariñosa y tosca a la vez, pero más lo segundo. Abundan las pinceladas grises en lugar de los más comunes blancos o negros.  Álvaro Gago en su ópera prima ofrece un retrato de unas vidas difíciles, con realismo y sin dulcificar. Desde los primeros planos la historia engancha y atrapa.

Es la primera película a competición del Festival y viene precedida por la buena acogida en la pasada Berlinale. Justo al inicio de la rueda de prensa, el equipo fue recibido con una ovación cerrada muy emocionante. Huele a Biznaga para su protagonista. 

Entre nosotras de Filippo Meneghetti

Nina y Madeleine, dos mujeres jubiladas, están secretamente enamoradas desde hace décadas, aunque de cara a los demás no son más que dos vecinas que vienen y van de una casa a la otra, compartiendo la ternura de una vida en común. Hasta que un día, su relación da un giro a causa de un suceso inesperado. Nina y Mado viven su amor en secreto, en un pequeño pueblo de Francia, por miedo al que dirán, sobre todo, de los hijos de Mado.  

El debút de su director, Filippo Meneghettí, es un prodigio en la dirección.  Una historia muy bien contada, excelente el guión, increíblemente entretenida y que sorprende agradablemente al espectador. Recomiendo encarecidamente no ver el tráiler para llegar a la proyección virgen, igual que yo, que tan solo sabía el argumento mencionado al principio. 

La historia se inicia con dos niñas jugando al escondite en un paseo arbolado, con el sonido de unos grajos. De pronto una de las niñas desaparece. Y lo siguiente,  ya es en el presente. A parte de la trama que va sucediendo en Entre nosotras, para mi lo verdaderamente interesante es la lectura entre líneas de la homofobia casi nunca mencionada pero vislumbrada en varios momentos de la película. También habla de la invisibilidad que muchas relaciones entre miembros del mismo sexo suelen padecer. Y aquí no hablamos de dos púberes que están iniciando su vida, como en tantas cintas de temática, sino de dos señoras que llevan toda una vida viviendo un amor en secreto, prohibido a los ojos de los demás.  

Las actrices están estupendas, tanto las protagonistas interpretadas magistralmente por Martine Chevallier y Barbara Sukowa, que ofrecen unas interpretaciones fascinantes,  como la hija de Mado o la asistenta. Me he enamorado de las dos, de Mado, con su ternura y bondad, de Nina, con su persistencia y dedicación por recuperar el amor de su vida. 

Vi Entre nosotras, en el Cine Club Más Madera de Arroyo de la Miel,  un cine-club que llevan desde hace más de 30 años un grupo de cinéfilos, donde proyectan lo mejor de lo estrenado recientemente, y en su programa trimestral sueles encontrar siempre alguna cinta francesa, como la que nos ocupa. Programan un tipo de cine independiente, en la mayoría de las ocasiones. Llevo cerca de 18 años asistiendo a sus proyecciones y es un privilegio enorme tener la suerte de ver buen cine, en pantalla grande en Benálmadena. 

Entre nosotras me hace pensar en otra historia de amor prohibido, La calumnia, con Audrey Hepburn y Shirley Maclaine. Una historia también dura y que recomiendo para los que no la hayan visto aún.  

The gigantes, de Beatriz Sanchís

Ya que Filmin estrena hoy The gigantes, aprovecho para recuperar la crítica que escribí de la película cuando la pude ver durante el pasado Festival de Málaga. Gustó bastante y recibió dos premios; mención especial del jurado, y a la mejor fotografía. 

The Gigantes es una road movie colorista sobre dos mujeres con familias desestructuradas que emprenden un viaje hacia Baja California, cuando una de ellas decide dejarlo todo al ser despedida de su trabajo como camarera.  Un recorrido dividido en capítulos, cada uno la distancia que recorren las protagonistas y las va separando poco a poco del punto de partida. Primeros unos pocos kilómetros. Luego 300, luego otros 300 km y así hasta llegar a la frontera mexicana y más allá. En el recorrido se cruzan con personajes muy variopintos, los desheredados de la América profunda o también llamados white trash. 

Estas dos mujeres emprenden un viaje geográfico y vital que va a resultar catalizador, sobre todo para la chica adolescente. Durante todo el metraje la sexualidad está muy presente. The Gigantes transita por paisajes naturales de gran belleza, y los personajes secundarios recuerdan a esa otra gran película, Nomadland. El recurso de fuera de plano está inteligentemente utilizado para generar tensión en diversos momentos de la cinta. Las actrices protagonistas, Samantha Jane Smith y Andrea Sutton Chávez están sublimes y destaca la enorme evolución de la más joven en su arco del personaje. Me ha parecido conmovedor la camaraderia que se da entre los dos personajes principales y como se ayudan la una a la otra. 

En mi opinión es una película muy entretenida, la banda sonora es excelente, toda ella elegida y compuesta ex profeso para este proyecto. 

Su directora lleva seis años viviendo en México. En palabras de Sanchís, "quería hablar de dos personajes de culturas muy diferentes y de la unión de dos personas heridas. Quería hablar de distintos tipos de mujeres, una muy femenina a la que le gustan las mujeres, otra muy masculina a la que le gustan los hombres". 

De todo lo visto hasta ahora en el Festival, es lo que más me ha gustado. Es de esas películas con las que conectas desde el minuto uno. Poco a poco te va enganchando y al final te deja huella. Muy recomendable. 

 

70 binladens de Koldo Serra

Empiezo con lo mejor de 70 binladens, un buen guión donde abundan los giros o sorpresas en una trama que avanza constantemente y nos regala lo inesperado, lo original o nunca visto antes,  que ya es mucho decir para un espectador en general que ha visto mucho cine y para quién es fácil adelantarte a lo que va a suceder en la trama. 

La historia, una mujer de unos cincuenta años, llega a una oficina bancaria a pedir un préstamo de 35.000 euros. Justo antes de concedérselo, entran unos atracadores a la sucursal y hasta ahí puedo leer. Ya que el guión está cargado de giros, lo mejor es contar lo mínimo. 

Emma Suarez está soberbia, en el papel de esta mujer fría y controladora que se convierte -perdon, pequeño y único spoiler- en la portavoz que hablará de parte de los atracadores con la policía. Es un personaje que particularmente me ha fascinado. Te atrapa y te conquista. Está poderosa, creible, vocaliza maravillosamente, algo que agradezco sobremanera, pues ya sabemos que a veces los actores españoles adolecen de justo lo contrario. Sin duda para mi es lo mejor de toda la película. 

Natalie Poza y Hugo Silva son los atracadores, personajes muy histriónicos, no me convencen. Quizás Poza se salve de la quema. Un papel muy distinto a lo que nos tiene acostumbrados. Silva en cambio, en su papel de quinqui drogata nos ofrece un dejà-vu,  visto mil veces. La historia sucede practicamente todo el tiempo dentro de la sucursal bancaria. Y en la plaza donde llega la policía. 

Hay una secuencia que es un claro homenaje a El silencio de los corderos. Buenísimo. Creo que el que ya haya visto 70 binladens, sabrá a lo que me refiero. 

Lo de los binladens, hace referencia a los billetes de 500 euros, de los que todo el mundo habla pero nadie ha visto uno. 

Uno de los peros es que el desenlace no está bien explicado y no se entiende bien. 

70 bindalens se estrenó en el otoño de 2018, pero hasta ahora no he podido verla, y por eso la crítica tardía.