A real pain, de Jesse Eisenberg

La última película vista ha sido A real pain, que se traduciría literalmente como "un dolor real" pero existe un dicho en inglés a real pain in the neck/ass que significa ser un autentico pesado o pelmazo o como lo quieras traducir. Y yo diría que el título va tanto en esa línea, uno de los protagonistas, Benji, es precisamente eso, como por el dolor y sufrimiento que el pueblo judío vivió en el holocausto nazi y durante toda la segunda guerra mundial en numerosos países.  

Dos primos hermanos judíos norteamericanos deciden viajar a Polonia para conocer el país que vio crecer a su abuela antes que emigrara a los Estados Unidos y aprovechan para hacer un tour turístico de varios días por varias ciudades.  Ambos personajes están interpretados por Kieran Culkin (que acaba de ganar el Globo de oro al mejor actor, por esta interpretación y por Jesse Eisenberg que también ha dirigido y escrito el guión de la película, que está producida por la actriz Emma Stone. Es la segunda que dirige Eisenberg, trás su debút en 2022 con Cuando termines de salvar el mundo. El guión se basa en experiencias familiares propias de Eisenberg e incluso rodaron en el apartamento donde vivió su abuela hasta que huyo del país en 1938. 

Es una historia sencilla, bien contada, el personaje de Kieran (Benji) se le supone cierto encanto pero  también es excéntrico, muy sincero al hablar, quizás demasiado para mi gusto y repite constantemente esa palabra mal sonante "f*ck***" cada dos frases. Es tan franco que a veces resulta grosero. La relación entre los primos, que nacieron con tan solo 3 semanas de diferencia y se sienten casi como hermanos, está bien dibujada, son dos personas con personalidades antagónicas, uno mas introvertido y noble, el otro más abierto y sociable. Cada uno tiene su punto, pero en mi humilde opinión, el personaje de Kieran es un autentico pain in the ass. Se me hace muy pesado. Tengo la sensación que busca tener el protagonismo todo el tiempo y eso agota. A destacar Will Sharpe, en el personaje del guía turístico (visto en The White Lotus temporada 2, aquí la critica que escribí en diciembre de 2022) y una irreconocible Jennifer Grey, en el personaje de otra norteamericana de viaje por Polonia, (famosa por su memorable papel en la mítica Dirty Dancing 1987). 

A real pain se inicia con una escena en el aeropuerto de JFK de Nueva York y el resto de los 82 minutos del metraje sucede prácticamente en Polonia. Los paisajes de las ciudades que visitan tienen un punto pintoresco y autentico que me ha conquistado especialmente. La banda sonora está toda creada a base de sonatas y piezas para piano de Chopin, y es una delicia contemplar esos bellos lugares con semejante música celestial. Aprovecho para apuntar que el aeropuerto de Varsovia lleva su nombre. Hay varios planos aéreos de la trayectoria de los taxis que les llevan al aeropuerto de Varsovia, o desde el JFK a sus casas, que me gustan especialmente. Nunca lo había mencionado (lo de mi pasión por estos planos) en ninguna de mis trescientas y pico críticas en estos 15 años escribiendo sobre cine. 

A real pain se estrenó en el festival de Sundance en enero del 2024, pero al ser una producción modesta, se ve que le ha llevado mayor tiempo conseguir distribución internacional y en España no se estrenará hasta el próximo 10 de enero. 

6 de 10. 

Globos de oro 2025

En la madrugada de ayer, 5 de enero, se entregaron los primeros premios cinematográficos y de series importantes del año, que suponen el pistoletazo de salida para todos los que vendrán, antes y después de los Oscar. Los globos de oro los entrega la Asociación de Prensa Extranjera en Hollywood, que este año tienen aún mas poder, pues está respaldada por una empresa que lleva revistas tan importantes como  Rolling Stone, , The Hollywood Reporter o Variety. La gala estuvo presentada por la divertida y chispeante cómica Nikki Glaser.  

Emilia Pérez, el arriesgado narcomusical de Jacques Audiard que partía como favorita con 10 nominaciones, se llevó 4 galardones, entre ellos mejor actriz secundaria de comedia o musical para Zoe Saldaña, mejor comedia o musical, mejor película de habla no inglesa y mejor canción para El mal. 

Como mejor actriz de comedia o musical venció Demi Moore con su magnífica actuación en La sustancia, con un emotivo discurso en el que dijo que nunca había ganado ningún premio de interpretación en 45 años de carrera, y que ya había perdido la esperanza de seguir trabajando justo cuando le llegó el brillante guión para esta película.  Como mejor actriz de drama ganó Fernanda Torres por I´m still here ante grandes estrellas como Nicole Kidman, Cate Blanchet, Tilda Swinton o Angelina Jolie. Como curiosidad es la primera actriz brasileña en ganar un globo de oro. Hace 25 años su madre, la también actriz Fernanda Montenegro estuvo nominada pero no llegó a ganar. 

Como mejor actor principal y secundario de drama vencieron Adrian Brody por The brutalist y Kieran Culkin por A real pain respectivamente. Ninguna de ellas aun estrenada en España. 

El mejor guión fue para Cónclave.  Anora se fue de vacío. He leído muy buenas críticas de esta película, pero para mi carece de interés.  

Tanto Karla Sofía Gascón como Javier Bardem se quedaron sin premio, por sus respectivos papeles en Emilia Pérez y Monstruos, aunque la primera tenía más esperanzas tras haber triunfado en 2024 en  Cannes y en los premios de cine Europeo. Aunque no ganó, si que tuvo la oportunidad de agradecer el premio a mejor película con un poderoso discurso: "la luz siempre triunfa a la oscuridad. Pueden meternos en la cárcel, pueden golpearnos, pero nunca podrán quitarnos el alma. Soy lo que soy, no lo que quieren que sea". 

Como mejor actor de comedia o musical, venció Sebastian Stan por A different man. 

 En series vencieron Shogun que se llevo 4 premios, la mejor serie limitada fue Mi reno de peluche, mejor actor de serie fue para Colin Farell por The Penguin y mejor actriz fue Jean Smart por Hacks. 

La noche antes se había entregado el premio Cecil B. de Mille a Viola Davis por toda su carrera. 

Queer, de Luca Guadagnino

Inicio el 2025 escribiendo sobre la última película vista, la recién estrenada Queer, del interesante Luca Guadagnino., que ya nos regaló hace unos años la maravillosa y sugerente Call me by your name, en la que hizo su debú el laureado Timothy Chalamet, y que podría tener una especie de continuación en Queer.   

William Lee (Daniel Craig), un expatriado estadounidense en Ciudad de México pasa sus días solo, salvo algunos contactos que hace con otros miembros de la comunidad, hasta su encuentro con Eugene Allerton (Drew Starkey), un joven estudiante indolente, recién llegado a la ciudad con el que inicia una relación. 

La película se divide en tres capítulos más un epílogo. La verdad que fue el primer capítulo, que transcurre en México, con una ambientación muy lograda y sugerente, el que más me atrapó de toda la cinta, con ese Daniel Craig con pluma, un personaje antagónico al paradigma de la masculinidad al que nos ha tenido acostubrados en toda su filmografía con papeles como el de James Bond, en las últimas 5 cintas del agente 007. Me gustó especialmente el tratamiento de los encuentros sexuales con algunos chicos, y los ambientes en los que se mueve el protagonista de la historia.  Quiero hacer un breve apunte relevante: en la época en la que transcurre Queer, la homosexualidad estaba perseguida y castigada con penas de cárcel tanto en Estados Unidos como en otros muchos países europeos como España, Italia, Francia o Reino Unido.  Quizás en México también, pero pasaban más la mano. O quizás no, lo desconozco. En España, la ley de Vagos y Maleantes que perseguía la homosexualidad, no fue abolida hasta diciembre de 1976. Antes de ayer, como el que dice.  Aunque en Queer no se menciona en ningún momento nada de todo esto. 

El segundo capítulo, con un viaje a América del Sur, y el tercero más el epilogo fueron perdiendo fuelle a partir de la primera hora de metraje. La parte final se caracteriza por un estilo onírico que no llegó a cautivarme especialmente. 

Queer se basa en la novela corta autobiográfica del mismo título del autor William S. Burroughs, miembro de la generación beat,  que a pesar de ser escrita en 1952, no llegó a publicarse hasta 1985. El protagonista, álter ego del propio autor, es lo mejor de toda la película con un Craig sobresaliente y muy creíble, que seduce y atrapa al espectador, aunque también por momentos podemos llegar a compadecernos de él.

Daniel Craig, que está nominado a los Globos de Oro que se entregan esta noche en Los Angeles, será también nominado con gran probabilidad a los premios Oscar que se darán a conocer el próximo 17 de enero. 

5 de 10. 

Prisoners, de Denis Villeneuve (2013)

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La historia de la desaparición de dos niñas y de un posible secuestro sustentan una compleja trama que va cociéndose a fuego lento y que se va deshilvanando poco a poco en sus dos horas y media de metraje, aportando respuestas a todas las preguntas. Dos familias se han reunido para Acción de Gracias en un día frio y gris de final de noviembre. Las niñas salen en busca de un silbato perdido y desaparecen. La búsqueda incansable del padre traza la principal linea argumental de la película, Hay un sospechoso. Un vecino que tiene una autocaravana y que al principio de la historia las niñas juegan cerca de ella, intentando subirse a ella. Prisoners está protagonizada por Hugh Jackman, Jake Gyllenhaal. En el reparto también aparecen Maria Bello, Paul Dano, Terence Howard, Melissa Leo y Viola David en un pequeño papel. 

La climatología adversa de los inviernos duros de esas ciudades de la América profunda, son un componente importante para hacer irrespirables ciertos ambientes rurales, haciéndolos inhóspitos y malsanos.

Historia muy dura, áspera y con una excelente fotografía gris cenizo que aporta a Prisoners un tono que empareja a la perfección con la depresión y la desesperanza más absoluta de ese padre que es capaz de cualquier cosa, por averiguar el paradero de su hija. 

Excelente guión, base siempre de una buena película, lleno de recovecos y giros inesperados que mantienen la atención y sorprenden al espectador. 

8 de 10.

Una segunda madre - 2ª parte (10 años después)

Hace unos años escribí una crítica de la excelente película ganadora de sendos premios en el Festival de Berlin y el Festival de Sundance, lo hice en mi línea, tal y como suelo hacer en este Blog de Cine, sin desvelar casi nada de la trama.

Ahora voy a escribir con mayor libertad sobre todo, destacando  lo que me parece más interesante de la historia, quizás si no la has visto....no quieras seguir leyendo....o tal vez después de leer estas líneas te entren unas irrefrenables ganas de ver esta magnífica película.

Punto 1: la historia está tan bien contada que el espectador acaba rendido ante semejante talento y frescura narrativa. 

Refresco la trama de la historia de Una segunda madre; Val, la asistenta y gran protagonista (una maravillosa Regina Casé)  que trabaja para un matrimonio adinerado de Sao Paulo, recibe la visita de su hija, cuya infancia se ha perdido prácticamente y a la que no ha visto durante los últimos diez años y que está de visita en la ciudad para examinarse de selectividad.

Punto 2: la piscina, su uso está prohibido por parte de la asistenta.....pero la hija de Val, cae accidentalmente a ella cuando esta jugando con el hijo de los señores de la casa, lo que provoca la furia de la dueña. Para la señora de la casa, una rata ha caído en la piscina y debe desinfectarse inmediatamente.

Punto 3: la hija de Val continuamente sobrepasa la barrera invisible entre los señores y el servicio, haciendo caso omiso de las indicaciones de su madre, desafiando continuamente con su actitud rebelde a todos los habitantes de la casa,  y enfadando a la señora de la casa. 

Punto 4: Como cuando el señor de la casa, le ofrece el cuarto de invitados, en lugar de dormir en un colchón cutre en el suelo en la estrechez del cuarto de su madre. La hija de Val por supuesto lo acepta de buen grado. 

Punto 5: cuando tanto el señorito de la casa y la hija de Val se enfrentan a la selectividad....los excelentes resultados de ella, frente a los mediocres de él, vuelven a enfrentar a ambas partes. 

Punto 6: en la celebración por todo lo alto (con catering incluido) del cumpleaños de la señora de la casa, Val le regala un bonito juego de café. Un juego de café que la señora no pretende sacar a lucir, y ante la iniciativa de la asistenta de usarlo, la señora le echa un jarro de agua fría, cuando se niega a tal cosa. Al final de la película, Val se lo lleva prestado unos días. 

Punto 7: comparto el simpático cartel (en italiano) que he descubierto. 

En resumen, Una segunda madre, hace un retrato fascinante sobre la lucha de clases que impera en el Brasil actual, donde hay una minoría de la sociedad que vive con toda clase de lujos y detalles, mientras el resto, una inmensa mayoria, le sirve, o carece de todas esas comodidades de las que pueden presumir los señores de la casa.  

Casa en llamas, de Dani de la orden

Montse (Emma Vilarasau) está muy emocionada porque está a punto de pasar un fin de semana con toda la familia en su casa de Cadaqués. Divorciada desde hace años, sus hijos han crecido y llevan años haciendo su vida sin hacerle ningún caso. Su ex se echó una nueva pareja. Pero a Montse nada ni nadie conseguirá fastidiarle sus planes. Hace demasiado tiempo que espera este momento. 

Casa en llamas habla de la soledad de una madre que se ha consagrado a sus hijos pero a los que ya no ve. Esta premisa le sirve al director como vehículo para hablar de la pareja, de la infidelidad, de las relaciones paterno filiales y de las dificultades que ello conlleva. Enric Auquer, que siempre me convence, tiene un punto entre tierno e inocente que me conquista. En cambio a Macarena Garcia le veo siempre un gesto como apunto de reírse. Es como una sonrisa que aparece en muchos momentos inoportunos, que no encaja ni pega. Y se repite papel tras papel que veo suyo. Emma Vilarasau interpreta a la madre y está fantástica.  Menudo descubrimiento. Habrá que seguirle la pista. Y Alberto San Juan que hace de su ex y padre de los hijos, ha ido ganando con el tiempo y cada día me gusta más. Su nueva pareja, interpretada por Clara Segura añade enteros a un reparto bien elegido. Casa en llamas, que tiene varias escenas que te hielan la sangre, ofrece buenos y chispeantes diálogos, algunos giros sorprendentes y un final de esos para comentar en un cineforum con un rioja alrededor de una cenita en buena compañía. 

Nota 7 de 10. 

Querer, de Alauda Ruiz de Azua

Tras 30 años de matrimonio y dos hijos en común, Miren abandona su casa y denuncia a su marido por violación y abusos continuados. La serie se inicia justo con la secuencia en la que Miren ha decidido irse y empieza a hacer el equipaje apresuradamente antes que su marido regrese del trabajo. 

Los actores de esta serie de 4 episodios están muy bien medidos, tanto Nagore Aramburu como Pedro Casablanc,  en sendos personajes de los cónyuges del matrimonio. A él lo tememos y a ella la compadecemos.  Y los hijos, Iván Pellicer y Miguel Bernadeau. Cada uno con una personalidad bien definida, uno más parecido a su padre, el otro más a su madre. Cada uno cree la verdad de uno de sus progenitores y eso les distancia y casi enemista con el otro bando, generando tremenda tensión en el ámbito familiar. Hay mucha verdad en la historia. Un guion al que no le sobra ni una coma, saca provecho de cuatro buenos interpretes que hacen creíbles y poderosos a sus personajes. con unos brillantes diálogos. También cabe destacar el personaje de la abogada de Miren, interpretada por una solvente Loreto Mauleón. 

La larga e intensa secuencia del juicio, que dura un episodio completo, está muy bien contada. El episodio final aporta ingredientes relevantes y matices que hacen redonda la historia. La serie está dirigida por Alauda Ruiz de Azua que ya nos sorprendió en el 2022 con su laureada ópera prima Cinco lobitos, (Goya a la mejor dirección novel) que también versaba sobre la familia como centro neurálgico de la trama. 

Querer nos ofrece un retrato veraz de un manipulador al que con su labia y don de buen comunicador costaría no creer. Pedro Casablanc está inmenso en un personaje con varias caras y múltiples capas, una amable y tierna, otra dura y temible, otra agresiva e invasiva. No sabemos si es ceguera lo que le impide reconocerse como lo que es, o es simple negación del patriarca todopoderoso en el que se ha erigido. A veces la violencia en el hogar se instaura de tal forma que llega a convertirse en algo difícil de percibir desde dentro. 

Hemos visto muchas películas o series en las que el tema principal es la familia, pero aquí el retrato se ha hecho con mayor minuciosidad, se perciben particularidades que enriquecen la narración. La relación de Aitor, el hijo mayor con su hijo pequeño, nos demuestra que los patrones aprendidos se repiten generación tras generación salvo que haya un interés y determinación por interrumpirlos. Hay cierta dureza de ese padre joven hacia su hijo al que la madre trata con más dulzura y comprensión.  

Me ha tocado mucho la evolución que algunos personajes llegan a tener en tan solo 4 episodios y cómo ello nos conmueve, pero es que transcurren 3 años desde el momento en el que la madre se va del hogar hasta que se celebra el juicio. 

Hay algunas escenas que se me gustaría destacar; la cena familiar de Iñigo, con su madre y hermanas poniendo a caldo a su ex mujer, mientras su hijo mayor presente en la cena, asiste atónito al linchamiento familiar de Miren. O la del pasillo del hospital en el que Iñigo intimida a una Miren que va perdiendo el miedo a ese monstruo en el que se ha convertido su ex marido y que deja al descubierto su verdadera naturaleza. 

Por último mencionar que Querer fue premiada en los recientes premios Forqué en tres categorias. Mejor serie, mejor actor principal y mejor actriz principal. 

A late quartet, de Yaron Zilberman (2012)

Anoche tuve la oportunidad de disfrutar por segunda vez de A late quartet (El último concierto). Tras 25 años cosechando éxitos y fama mundial, y en plena preparación de un concierto para celebrar su cuarto de siglo, el futoro de un cuarteto de cuerda recibe un duro golpe que puede poner en peligro su supervivencia. El violonchelista de la formación (Christopher Walken) está padeciendo los primeros síntomas de Párkinson, una enfermedad que pondrá fin a su carrera como interprete en poco tiempo. La incertidumbre sobre su futuro se apoderará del cuarteto, dando rienda suelta a emociones reprimidas y egoísmos que pondrán a prueba años de amistad y colaboración profesional. 

Anoche tuve la oportunidad de disfrutar por segunda vez A late quartet (El último concierto). 

Tras 25 años cosechando éxitos y fama mundial, y en plena preparación de un concierto para celebrar su cuarto de siglo, el futuro de un cuarteto de cuerda recibe un duro golpe que puede poner en riesgo su supervivencia. El violonchelista de la formación (Christopher Walken) está padeciendo los primeros síntomas del Párkinson, una enfermedad que en poco tiempo pondrá fin a su carrera como intérprete. La incertidumbre sobre su futuro se apoderará del cuarteto, dando rienda suelta a emociones reprimidas y egoísmos que pondrán a prueba años de amistad y colaboración profesional.

Un buen ejemplo del cine independiente norteamericano, con grandes actores cuyas excelentes carreras nos han regalados grandes películas, pero es que en A late quartet, además de un reparto de joyas, se unen un brillante guión y una sublime dirección de actores, obsequiándonos con un commovedor drama.  Catherine Keener (Juliette) emociona con esa mirada, esos silencios y esa fuerza, está descomunal. El tristemente malogrado y talentoso Philip Seymour Hoffman (Robert) está soberbio, un personaje con mucha humanidad, imperfecciones y de nuevo, esa mirada. También destacar a Mark Ivanir (Daniel) que como primer violinista hace un trabajo excelente. Su relación con algunos miembros del quarteto va a tener gran repercusión. Y qué decir de Christopher Walken (Peter) que desde muy el principio, te conquista con esa mirada límpida, que parece apunto de quebrarse, cuando le diagnostican una enfermedad que le obligará a dejar su gran pasión y trabajo como músico.

A late quartet se abre y se cierra con la misma escena, (adoro este tipo de recursos) en la que el cuarteto sale a un escenario vacío para empezar el concierto de su vigésimo quinta temporada juntos, interpretando una obra de extrema dificultad, el Opus 101 cuarteto 14 para cuerda de Beethoven, una obra de 7 movimientos, que tal y como se menciona en un par de  secuencias se debe tocar sin pausas. 

Opino que en esta película de actores, está todo muy bien medido. Los tiempos de las secuencias, los diálogos, los silencios, los ensayos. Todo funciona a la perfección y es un deleite para los sentidos, pero lo hace como una olla a vapor a punto de explotar cuando añades ciertos ingredientes que combinados entre sí podrían resultar un cóctel explosivo. 

Y no quiero dejar de mencionar la hermosa ciudad nevada de Nueva York, que el director la elige como escenario en pleno invierno, la estación relacionada con la última etapa de la vida, una estación final para muchas cuestiones antes de que llegue la primavera con ese aire de renovación total que producirá los cambios ansiados por todos. 

5 estrellas de 5. 

Spoiler (no seguir leyendo si no has visto la película) 

Me gusta como está reflejada la relación de Robert y Juliette, en plena decadencia, pero ellos sin ser aun del todo conscientes, hasta que la incendiaria opinión de Daniel sobre que Robert nunca sería un buen primer violinista, pone patas arriba no sólo el matrimonio sino en franco peligro la continuidad del cuarteto. Me gusta la relación que se va dando entre Daniel y Alexandra (la hija de Robert y Juliette). Profesor y alumna. Al inicio fría y torpe cuando él le recomienda leerse la biografía de Beethoven para que consiga mejorar su fallída y torpe interpretación al violín y luego más afectuosa hasta que inician una relación amorosa. Excelentes las escenas entre Robert y Juliette, hay una química brutal entre los dos. Como la escena de la discusión en el taxi, o como cuando ella descubre que Robert le ha sido infiel con la bailaora de flamenco. ¡Sus miradas trasmiten tanto!  O la escena del ensayo final cuando todo está apunto de saltar por los aires. Un increscendo memorable. 

Disclaimer (Observada), de Alfonso Cuarón

 Anoche terminé una de las miniseries del momento, Disclaimer, que se estrenó el pasado mes, tras su paso reciente por el Festival de Venecia, y que está protagonizada por Cate Blanchett, Sacha Baron Cohen y Kevin Kline. 

Es la historia de Catherine (Cate Blanchett), aclamada periodista y documentalista que se ha hecho un nombre revelando delitos y trasgresiones de otros, y cuya reputación se pone en peligro el día que recibe una novela cuyo personaje principal más que basarse en su vida, cuenta uno de los episodios más terribles que le sucedió cuando estaba de vacaciones en Italia con su marido y su hijo de 5 años. Para mi gusto, la historia está contada con habilidad y un montaje ágil que te mantiene pegado al sofá durante casi toda la serie. Va pasando de un personaje a otro, con bastante ritmo y solo tiene algunos fragmentos que me llegaron a aburrir en los episodios finales. 

La historia la componen principalmente 6 personajes; esto son dos parejas y sus hijos únicos. Catherine, su marido Robert (Sacha Baron Cohen) y su hijo Nicholas, interpretado por Kodi Smit-McPhee,  al que descubrimos en El poder del perro y que ha presentado tambien en Venecia "María", de Pablo Larrain. Y por otro lado la pareja formada por Stephen Brigstocke (Kevin Kline), su mujer (Leslie Manville) y su hijo Jonathan (Louis Partridge). éste último coincide de viaje en Italia con su novia, veinte años atrás, cuando Catherine y su hijo andan por allí de vacaciones. 

La serie está contada con numerosos flasbacks que van aportando información de lo que cuenta esa novela que cae en las manos de Catherine en los primeros minutos de la serie. Pero claro, lo que primero vemos es desde la perspectiva del autor del libro, luego habrá otras perspectivas de la misma historia que le da una visión no exactamente poliédrica pero más amplia y compleja. 

Hay tres narradores, uno en primera persona, otro en segunda y otro en tercera, que no solo va contando cosas de la historia, sino subrayando sentimientos de los personajes, algo que me gustó especialmente, que enriquece tremendamente la narracion y que le da un toque literario a la adaptación de la exitosa novela de Renée Knight. 

Las tramas están muy bien hiladas y los múltiples pliegues de la historia te enganchan por distintos recodos. La serie es como una película larga. Cada episodio es puro cine. Y cada episodio empieza justo donde lo dejó el anterior por lo que no vais a encontrar los habituales "cliffhangers" de muchas de las series actuales. Y me gustaría destacar la excelente fotografía del colaborador habitual de Cuaron, Emmanuel Lubezki, que aquí además también figura como productor, junto a Cate Blanchett. Tengo entendido que tanto Cuarón como Lubezki colaboran tan estrechamente, que cada uno interviene y aconseja al otro en sus labores de dirección y dirección de fotografía respectivamente. 

Me gustaría destacar el personaje de Nicholas, un chico atormentado, un bala perdida, cuya madre ausente ha creado un monstruo. La relación entre madre e hijo está muy bien dibujada y la verdad que Koki Smit-McPhee compone un personaje muy premiable, que transmite un desasosiego muy inquietante. 

También quiero destacar a Kevin Kline que compone otro personaje sublime,  rico en claroscuros, con muchos recovecos y que conquistará a más de un  espectador, a pesar de todo. 

Y por último hablar del personaje de Blanchett, que parece escrito a la medida de otra gran actriz que se ha prodigado mucho en los últimos años en diversas mini series como Big Little Lies o la más reciente La pareja perfecta, y que no es otra que Nicole Kidman. Aquí se agradece la naturalidad de un rostro que no ha perdido expresividad tras los múltiples retoques estéticos, aunque eso no le resta un ápice de talento a la popular actriz australiana. Catherine habla muy poco en la serie. Compone su personaje más en base a gestos y silencios. Y el espectador sabe más de ella por los demás personajes y lo que dicen de ella, que por ella misma que apenas verbaliza aristas de su personalidad hasta el desenlace en el que si que se desnuda figuradamente. Está sublime, como ya nos tiene acostumbrados en tantos otros trabajos brillantes. 

La serie la componen 7 episodios. Me la visioné en un par de días y me enganchó como pocas. Espero que también os guste y que podáis compartir vuestra visión en los comentarios. Quizás el desenlace me ha gustado menos de lo deseado, pero es que habría preferido otro. Pero con el tiempo pienso, que ese giro precisamente es lo que hará que gane enteros para los criticos especializados.

Y por último añadir que no me extrañaria nada que la serie fuese nominada en numerosas categorias en los futuros premios sobre series como los Emmy´s o los Globos de Oro que se entregarán en 2025. 

Nota: 7 de 10. 

La habitación de al lado, de Pedro Almodóvarar

La habitación de al lado (The room next door) se estrenó por fin en los cines el viernes pasado, tras su exitoso recorrido por los festivales de Venecia, (donde ganó el León de Oro a mejor película), San Sebastián, Toronto y Nueva York. Esta vez Almodóvar nos habla de un tema peliagudo, la decisión y las consecuencias de enfrentarse a una muerte digna. 

Pero lo hace con un talento inusitado...huyendo de cualquier dramatismo, o subrayado innecesario y consiguiendo que el espectador empatice con estas dos amigas que se reencuentran tras muchos años sin tener contacto.

Tilda Swinton interpreta a Martha, quien le pide a Ingrid (Julianne Moore) que la acompañe en sus últimas semanas de vida, a una casa en Nueva Inglaterra. El reencuentro de ambas se produce tras una bella secuencia de una firma de libros de Ingrid, escritora de profesión, en la que una amiga común le comenta que Martha se encuentra en el hospital,  enferma de.....

Martha, reportera de guerra, se ha enfrentado muchas veces a la muerte en sus distintos destinos como periodista, pero esta vez lo hará de una forma distinta, definitiva cuando decide tirar la toalla ante un cáncer metastásico que sufre. 

La complicidad entre los dos personajes es absolutamente maravillosa. Traspasa la pantalla y resulta conmovedora. Uno queda rendido ante semejante duelo de estas dos grandes actrices. Es una historia limpia, contada con una contención y una exquisitez increíbles. 

Quizás estemos ante la película menos almodovariana de toda su filmografía. Salvo por la hermosa paleta de colores del vestuario y esas casas tan seña de identidad del cine de nuestro manchego más universal, apenas hay otros ingredientes a los que nos tiene acostumbrados. En Julieta o La piel que habito ya nos regaló joyas en las que se nota esa madurez del creador. 

La historia está en las antípodas del melodrama que hemos visto otras veces en cintas como Volver o Tacones lejanos y que hemos presenciado en gran parte de su filmografía pero extrañamente, esa ausencia de drama le imprime aún más fuerza y credibilidad a una historia que en manos del Hollywood más mainstream habría resultado un film lacrimógeno y dramático.  

La habitación de al lado, basada en la novela de Sigrid Nuñez, ¿Cuál es tu tormento?, está contada con precisión de cirujano. Uno se deleita secuencia tras secuencia viendo la relación que tienen estas dos amigas, siendo testigo de sus conversaciones sobre diversos temas y sintiendo una profunda serenidad que es quizá la palabra que más impregne todos y cada uno de los fotogramas de esta gran película. 

Para los lectores menos informados, os diré que es la primera película que rueda en inglés, aunque ya rodo dos cortometrajes en este idioma, La voz humana y Extraña forma de vida. Y tenía otro proyecto con Cate Blanchet que al final no llegó a buen puerto. 

Tilda Swinton y Julianne Moore están sublimes. Se percibe que tuvieron una gran relación con Almodóvar. No sólo por la película, también por imagenes que he podido ver en las que hay un derroche de cariño de ambas hacia el director. En el caso de Tilda, ya es la segunda vez que trabaja con Pedro y he podido leer en Fotogramas que ya ha alcanzado cierta amistad con él, y lo considera como "de su familia". 

A pesar de ser una película que habla sobre la muerte, hay cierto vitalismo patente en las últimas semanas de vida de Martha, y el tiempo que comparten juntas, ella e Ingrid, viendo una película de Buster Keaton, dando un paseo por Manhattan o simplemente conviviendo, me ha resultado un precioso canto a la vida. 

Como curiosidad, añadir que cuando Almodóvar le preguntó a Tilda, en qué actriz pensaba para darle la réplica con el personaje de Ingrid, no tuvo dudas en elegir como primera opción a Julianne Moore. Misma opción que él tenía en mente. Nunca habían trabajado juntas a pesar de la mutua admiración que se profesan.  Y quien mejor que Almodóvar para reunir a ambas en sendos personajes tan ricos, tan lucidos y que se disfrutan fotograma tras fotograma en cada plano de la película. 

Y por supuesto, recomiendo el visionado de The room next door en versión original. Con semejantes actrices seria un sacrilegio ver la película doblada, que por cierto, qué horror y qué espanto el doblaje que le han hecho y que en el tráiler parece que hablan a cámara lenta. 

No quiero terminar sin comentar que hay un precioso homenaje a Dublineses, de John Houston, al inicio y al final de la película. Sin desvelar nada del final, en la última secuencia se me hizo un nudo en la garganta.