Deja de decir mentiras de Oliver Peyon (2.022)

Hace poco disfruté con una de esas películas que te atrapan desde el inicio y no deseas que terminen. Y ya que mañana se celebra el orgullo en Madrid, aprovecho para compartirla. 

La película se inicia con tres planos distintos de tres chicos; uno que viaja en coche, otro en moto y un tercero en tren. No descubres hasta unos minutos más tarde que tales planos no suceden en la misma época.  

Una encantadora y parlanchina mujer, mezcla de Fanny Ardant y Adriana Ozores,  recoge a un famoso escritor/ protagonista de esta historia que ha escrito un relato para una conocida marca de Cognac. Todo está contado con un tono muy fresco y creíble que promete una historia muy disfrutable. 

La propuesta de un escritor famoso que regresa a su pueblo natal tras 35 años de ausencia me recuerda a ese clásico de Tornatore, Cinema paradiso. Con una serie de flash backs se nos va contando el origen de una historia de amor que tuvo lugar en 1984. El primer amor de los 17 años. Stephane conoce a Thomás en el colegio y surge entre ellos una atracción física increíble. Un amor puro y vitalista vivido desde la inocencia de esa edad y que está contado con maestría deshilvanando poco a poco una serie de acontecimientos que van dando sentido al presente. 

Deja de decir mentiras, habla principalmente de la vergüenza de amar a otro hombre y de las repercusiones que ello conlleva.

Ya desde el principio de la película me fue conquistando a fuego lento hasta quedar arrebatadoramente enamorado por esta historia de amor que sin lugar a dudas pasará a formar parte de la lista de mis películas favoritas.

Tanto el actor que interpreta a Lucas, como el que hace del Stephane joven, del Stephane maduro o del guía turístico, actor nieto de Jean Paul Belmondo están muy bien elegidos y cada uno aporta a sus papeles lo que en mi opinión los hace inolvidables e únicos. Escribo éstas lineas aún con la emoción reciente y el corazón encogido.

Nota. Películas así despiertan en mí una pulsión narrativa irreflenable hasta el punto de tener que pausar la película para ponerme a tomar notas.

The fall - La caza

 The fall  es una magnífica serie, sustentada en un complejo guión con múltiples capas sobre un asesino y la consiguiente investigación para resolver sus crímenes. Lo original de esta propuesta es que el asesino es un hombre, un buen padre con dos hijos, que lleva una apacible vida familiar pero una doble vida. 

Cuando detrás de una historia hay un guión tan brillante, no es difícil lograr una buena  serie, pero es que si además tiene un excelente reparto comandado por una fría y soberbia Gillian Anderson y un arrebatador Jamie Dorman en sus principales papeles, entonces tienes muchas papeletas para producir una serie antológica. Una producción de la BBC De Irlanda del Norte que recuerda a otra serie de enorme éxito y también 3 temporadas, Happy Valley, en la que la otra mujer policía era la protagonista . El resto del reparto lo componen un puñado de solventes actores y actrices que trasmiten gran credibilidad.

Los cinco episodios de la primera temporada van in crescendo hasta una resolución que te deja con un buen sabor de boca pero con pena de terminarla. Menos mal que tengo otras dos temporadas por delante para visionar. 

I care a lot de J. Blakeson

 I care a lot (2020) cuenta la historia de Marla Grayson, una malvada mujer sin escrúpulos que se dedica a desvalijar a ancianas adineradas con un plan que lleva a cabo con una serie de colaboradores, entre médicos, trabajadores en residencias y un largo etcétera.

Lo primero que hace es declararlas con  incapacidad total para valerse por si mismas ante un juez que solicitará que sea ella la tutora legal de su víctima. Desde ese momento el modus operandi es ingresarlas en una clínica. Les dice "estoy de su lado., estoy para ayudarte". Pero lo que hace es todo lo contrario. Encima les quita el móvil para que estén incomunicadas. Vende todas sus pertenencias y hasta pone a la venta sus casas, sacando un enorme beneficio con ello. Y todo hecho con un plan minucioso diseñado al milímetro. 

Pero con su última víctima hay algo que se le escapó a Marla. Jennifer Peterson, nacida el 15 de abril de 1.949 e interpretada por una maravillosa Dianne Wiest,  oculta un doble secreto.  El primero; su relación con unos... que.... El segundo con su fecha de nacimiento. Y hasta ahí puedo leer. No quiero olvidar que Wiest tiene nada menos que 2  Oscar, uno por Hannah y sus hermanas y otro por Balas sobre Broadway. 

Esta protagonizada por una poderosa y magnética Rosamund Pike en un personaje que va girando sobre si misma en un in crescendo de locura hacia unos puntos de giro cada vez más sorprendentes, rocambolescos e inverosímiles. Su personaje no solo recibió muy buenas críticas sino que se llevó el Globo de Oro a la mejor actriz. A Pike la hemos visto en otros papeles de arpía (Perdida) o rara (Saltburn). 

Pero I care a lot funciona a la perfección como los engranajes de un reloj suizo. Un montaje ágil, una cámara envolvente, un guión bien construido y la música electrónica de Marc Canhan contribuyen a crear una historia original que da como resultado una de las películas más entretenidas que he visto en años. El reparto lo completa Peter Dinklage en un personaje del que no desvelaré ni su nombre, pues no quiero destripar ni un ápice de la trama. Dinklage, famoso por su personaje de Juego de tronos, se ha hecho muy popular recientemente por su participación en el anuncio de la campaña de promoción de Andalucía. 

Vale que no es creíble en algunos momentos. Pero es tan sumamente entretenida que vas a pasar una hora y cincuenta minutos sin mirar el reloj ni acordarte de tus problemas y así desconectar completamente.

Ya estáis tardando en verla. Vista en Amazon Prime. 

4 💫 de 5.

Chinas de Aranxta Echevarría

Chinas cuenta la historia de dos niñas chinas de 9 años que se conocen en el colegio.  Una, Lucía, nacida en España, segunda generación de inmigrantes, cuyos padres regentan un "chino" o bazar y la otra, una chica adoptada por una pareja de clase acomodada. La primera es una niña feliz, despierta y muy espabilada.  La otra, Sinju, nunca sonríe y siempre está seria, aparentemente enfadada con la vida y con la decisión de sus padres de cambiarla de colegio.

Una historia sobre las dualidades. Nací en España pero mis padres son chinos y vivo a camino entre las dos culturas. Mis padres llevan media vida en España pero no hablan el idioma y en varias secuencias es patente los problemas que ello conlleva. 

Nací en China pero me adoptaron cuando tenía 1 año y he vivido toda mi vida alejada de mi país, de mi cultura y de mis padres biológicos. Dos niñas que en el colegio quieren poner juntas por su parecido aspecto físico pero que no tienen absolutamente nada que ver la una con la otra. 

La relación de Lucía y su amiga tiene mucha magia, frescura y naturalidad. Me gustó la escena del cumpleaños de Lucía, con mucha comida rara y con "pinta asquerosa" bajo la mirada de su amiga que no ve por ningún lado ni los rollitos primavera ni el arroz tres delicias.

Lucía tiene una hermana mayor adolescente que no está contenta con los padres que le han tocado. En su grupo, sus amigas van perdiendo la virginidad y ella siente la presión propia de la edad y del rebaño y está muy bien contado. 

El reparto lo componen un ramillete de actores noveles chinos muy bien escogidos, y los actores españoles Leonor Watling, Pablo Molinero y Carolina Yuste. La directora estuvo 8 meses haciendo pruebas de casting. 

Como peros tengo que decir que Watling está sobreactuada. No me creo su personaje en ningún momento. Su pareja en cambio, Molinero, si que lo hace bien. 

Una historia muy bien contada, original y con una protagonista, Lucía que me ha robado el corazón. 

4 💫 de 5. 

Tierra de dios de Francis Lee

Tierra de dios (2017) es una de las últimas películas vistas. Cuenta la vida del joven Jonny, interpretado por un estupendo Josh O´Connor,  que vive y trabaja en una granja de Yorkshire. Solo interrumpe su vida monótona con sus salidas nocturnas en las que se emborracha y tiene sexo casual. Podríamos catalogar la historia de película rural y naturalista. Somos testigos de cómo se desenvuelve entre cabras y vacas y de como las ayuda en los partos, incluso contemplamos el nacimiento de un ternero. Jonny vive con su padre y su abuela, que cuida de él como lo haría una madre de un adolescente, que es lo que realmente Jonny parece. 

Poco tiempo después entra a trabajar un chaval rumano, interpretado por el actor rumano Alec Secäreanu, con el que Jonny al principio no hace buenas migas, pero según avanza la historia la cosa cambia y llegan a compenetrarse muy bien. 

Me gustó mucho el ritmo de la narración, la ausencia de diálogos en muchas escenas en las que los vemos trabajar en la granja con los animales. Somos testigos y hasta podemos llegar a ser un poco conscientes del duro trabajo que se hace en el campo. 

Me gustó especialmente la evolución del personaje principal. 

3 estrellas de 5. 

The Bee Gees, de Frank Marshall

Ayer pude ver un documental que cuenta la historia del mítico grupo The Bee Gees, uno de mis favoritos, desde sus inicios a final de los años 60 hasta la actualidad. 

El primer gran éxito que tuvieron fue To love somebody (1967) de su álbum debut. Luego vendrían otros muchos como Massachusetts, Staying alive, Night fever, More than a woman, How deep is your love, Should be dancing, Tragedy o Too much heaven.

En la época en la que compusieron la enormemente exitosa banda sonora de Fiebre del sábado noche, al productor el título de Night fever le parecía un poco pornográfico, y fue así como decidieron llamar a la película Saturday Night fever. Fue el inicio del famoso falsete que les hizo mundialmente conocidos.

Cuando se estrenó Fiebre del sábado noche en cientos de cines por todo el país, tal fue el fenómeno desatado, que tuvieron que contratar más personal en las primeras semanas para que la gente pudiese bailar en los pasillos de las salas. Fue un auténtico bombazo.  La película, con 110 millones de dólares recaudados sólo en Estados Unidos, y con 18 millones en vinilos vendidos, se convirtió en el disco más vendido hasta la fecha en 1978. Y no sólo eso sino que se alzó como el mejor álbum del año en los Grammy's. Un jovencísimo Neil Diamond les entregó el premio. 

Steve Dahl, un conocido locutor radiofónico, lanzó una campaña contra la música disco que desembocó en un mega evento en Chicago en el estadio Comiskey Park, congregando a 50.000 personas en "la noche de la demolición de la música disco". donde los asistentes debían traer un vinilo de música disco. A la postre el evento no trajo más que un discurso racista y homófobo, y un movimiento global en las radios de todo el país contra la música disco en general y contra los Bee Gees en particular. Hasta llegaron a estar protegidos por la policía y el FBI en la llegada a ciertos aeropuertos por amenaza de bomba. 

Tras un tiempo en el ostracismo, provocado por esa ola revolucionaria, empezaron a componer para otros artistas gracias a la llamada de Barbra Streisand que pidió a Barry que le compusiera un disco. Luego vendrían éxitos como Guilty, Woman in love, Heartbreaker o Chain reaction. Escribieron más de 1000 temas y 20 de ellos llegaron a ser número uno.  En el documental intervienen entre otros; Eric Clapton, Chris Martin, Justin Timberlake o Ed Sheeran, en una emotiva actuación en 2017 rindiéndole homenaje con Massachusetts, en una preciosa performance acompañado tan solo de su guitarra y un par de voces cantando a capela. 

El documental traza un biopic que recorre más 5 décadas, y yo he tratado de resumirlo en mi visión, que es la única que puedo daros. 

Fueron y son uno de los grupos más grandiosos de todos los tiempos y quizás lo que más me ha llegado del documental, es que está hecho con una combinación perfecta de admiración, elegancia, sencillez y mucho amor por esta maravillosa banda y sus canciones que pervivirán por los siglos de los siglos. 

Los amores pequeños de Celia Rico

También pude ver en el 27 Festival de Málaga, Los amores pequeños, continuación emocional de Viaje al cuarto de una madre, brillante debut de su directora. Una historia sencilla, costumbrista y que se va construyendo con los pequeños detalles. Aquí se intercambian los papeles y es la hija la que cuida de la madre, que ha tenido un accidente, en una casa de campo en pleno estío. Está protagonizada por unas estupendas Adriana Ozores y María Vázquez, que destilan mucha complicidad entre ellas.  

Los pequeños amores habla del  amor  incondicional  entre  madres e hijas, de 

como nos cuidamos unos a otros. Cuidados  y mimos de  una hija hacía su madre un poco cascarrabias, pero no carente de ternura.  

A veces el estilo naturalista de la película da la sensación errónea de que las actrices estén improvisando, pero todo lo contrario, pues estaba todo bien ensayado. También habla del prejuicio de la soledad  que la sociedad nos impone que es mala, de esas pesadas losas que nos atormentan; no me he casado, no he tenido hijos o no tengo un trabajo brillante. Hay una linea de fino humor presente durante la película y quiero recordar un par de escenas. En una la madre come el gazpacho que la hija ha preparado y se queja "¿Le has puesto vinagre? Pues no sabe a nada." Unos minutos más tarde vemos como la hija le añade a los tomates recién cortados en la batidora un buen chorro de gazpacho de bote. ¿Hay algo mas cotidiano que ver a una madre cortando las verduras para hacer un rico gazpacho?

Los pequeños amores se estrenó el pasado 8 de marzo, así que aprovechen y vayan al cine a disfrutar de esta pequeña bonita historia. 

3 sobre 5. 

Disco Ibiza Locomia de Kike Maillo

El último dia de proyecciones en el 27 festival de Málaga, he podido ver una divertida, fresca y colorista historia sobre el famoso grupo de los años 90 Locomía. La historia esta contada en dos tiempos principalmente, a final de los 80 contando el origen del grupo en la Ibiza rompedora y trasgresora, momento en el que eran más de 4 los componentes del grupo. Y en otro momento dado, tres años más tarde, cuando se reúnen los cuatro con su productor, un más que correcto Alberto Ammamn y una mediadora (Eva Llorach) para resolver unas diferencias importantes que no voy a desvelar. 

La historia está bien contada, tiene ritmo. Los números musicales están bien conseguidos al igual que el llamativo y original vestuario y esos famosisimos enormes abanicos que sabían mover con gran habilidad.  El montaje es muy ágil y no aburre en casi ningún momento.  Y los temas musicales para la banda sonora están bien elegidos. El reparto lo componen un ramillete de chicos monos, entre los que destacan especialmente Pol Granch e Iván Pellicer; el protagonista, interpretado por un sempiterno en las series actuales Jaime Lorente, con un amaneramiento poco creíble con un muñequeo que se ve impostado y nada orgánico. La única chica con protagonismo es Blanca Suárez, sin mencionar a la mediadora. Hay algunos personajes cuyos retratos son más bien una caricatura, pero ofrecen escenas divertidas con risas aseguradas.  

Locomia tiene ritmo y ofrece lo que se espera de ella: pura diversión, hedonismo,  fiestas, droga a cascoporro y música ochentera. 

Hay alguna escena con una orgía que quizás se les fue la mano con tanta chica de figuración, pues de todos era bien sabido la sexualidad de los cantantes. 

Yo tuve la suerte de no ver la serie sobre el grupo que se estrenó el año pasado, que según comentaban era menos divertida, menos festiva y más dramática. Aquí todo fluye hacia lo ligero y evita lo dramático. 

La Abadesa de Antonio Chavarrias

Esta mañana he visto en el 27 Festival de Málaga, La abadesa de Antonio Chavarrias, la propuesta más arriesgada hasta ahora. Se trata de una coprodución hispano-belga sobre Emma, una joven noble de 17 años que es nombrada abadesa con el fin de repoblar y cristianizar territorios fronterizos en conflicto con los moriscos. El punto de partida es interesante, pero lo es más su desarrollo. La abadesa descubre que muchas de las monjas cenan en sus dormitorios privados y  decide imponer que la cena sea en el refectorio común para todas ellas, en lugar de hacerlo en sus dormitorios con vino y con el griñón quitado. Muy sugerente la secuencia en la que Emma recorre los distintos aposentos de sus compañeras, descubriendo la razones que les hacen ausentarse del comedor.

Una experiencia sensorial, basada en hechos reales, en la que viajas a la Edad Media y llegas a sentir cómo era la vida en una abadía en el siglo IX. La magnífica música de Iván Georgiev,  que incluye algo de canto gregoriano, ayuda en este viaje inmersivo cuya excelente fotografía de Julián Elizalde está filmada sorprendentemente con luz natural. Luz natural y velas. Eso es todo. Nada artificial. Al igual que las nevadas que se ven son nevadas auténticas. normalmente en los rodajes cuando hay una tormenta aprovechan para rodar los interiores. En este caso fue todo lo contrario. Cuando había una tormenta salían y rodaban exteriores. El realismo de La abadesa es total.

La actrices vivieron unas duras condiciones de rodaje en el pirineo oscense, en un entorno hostil, lúgubre e inhóspito y con temperaturas bajo cero, logrando sobradamente que aquella forma de hablar, distinta a la de nuestros días, no suene artificiosa, sino con gran credibilidad. Una de las dificultades que supera la cinta bajo mi humilde opinión. 

Al director le atrajo la personalidad de Emma de Barcelona, mujer que existió en la realidad y que decidió enfrentarse a las mujeres que la rodeaban, mujeres que estaban en un lugar no deseado e impuesto por sus familias respectivas. En un cine actual, con una mirada cada vez más feminista, destaca enormemente ésta, que sucede en una época apenas transitada en la filmografía española, salvo las historias protagonizadas por Teresa de Jesús y otras,  razón por la que fue difícil poder documentarse, según comentó su director. 

Rodaron en un castillo sin puertas ni ventanas donde sufrieron las inclemencias de  un frío y viento invernal.  La protagonista, la actriz catalana Daniela Brown está soberbia, se va creciendo según avanza la historia, componiendo un personaje con claroscuros, una mujer que lucha contra sus deseos y que se inflige castigos corporales, usando una corona de espinas. Creo que su trabajo  merecería ser reconocido con una Biznaga. Daniela comentó en la rueda de prensa que se inspiró en el personaje de Ida (2013) para dotar a Emma de esa inocencia y frescura que nos regala. Dijo sentirse transfigurada al vestir el hábito y el griñón, un vestuario que le ayudó en la composición del personaje y a situarse en una época distinta, con una forma completamente distinta de hablar. 

Entre el reparto me han gustado especialmente Blanca Romero en el papel de una monja con un punto hedonista y libertino que te rompe un poco los esquemas, y el diácono interpretado por Ernest Villegas, y Carlos Cuevas, en el papel de conde y hermano de Emma. 

4 estrellas de 5.

 

Segundo premio de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez

Hoy he visto en el 27 Festival de Málaga, Segundo premio,  película codirigida por Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez sobre la creación del tercer álbum de Los planetas. Años 90, la ciudad de Granada y unos músicos componiendo su nuevo disco. Me parece que avanza sin rumbo en sus ciento diez minutos de metraje en los que los músicos inmersos en la producción del álbum, parecen bastante perdidos, eso está bien reflejado en el filme. Se drogan, tocan, ensayan y se pelean. Protagonizada por Daniel Ibáñez y Cristalino, tiene aire de documental y al principio interesa, mostrando las dificultades de los músicos en la creación musical, pero sólo al inicio. 

El estilo de Lacuesta es ese, el docudrama. Su La propera pell (2016) vista también en Málaga me entusiasmó. No puedo decir lo mismo de Segundo Premio 🏆.

En los títulos de créditos iniciales aparece rotulado Esta NO es una historia sobre Los Planetas con el no tachado, porque parece que al grupo no le convenció el proyecto o el resultado final. Se perciben mucha improvisación y juego en el que han debido disfrutar de lo lindo.

Ha jugado en mi contra que ni conocía la música de Los Planetas, ni me gusta el rock ni entré en la historia, a pesar de estar rodada en Granada, una ciudad que me fascina. Comentaron en la rueda de prensa que unas quince personas se salieron de la sala. 

2 ⭐ de 5.

Nina de Andrea Jaurrieta

Ayer por la mañana pude ver en el 27  Festival de Málaga Nina. Una mujer atormentada regresa a su pueblo en el Pais Vasco con deseos de venganza. La segunda película de Andrea Jaurrieta tiene un progreso notable desde  su debut con Ana de día (2018). Nina está impregnada del espíritu y ritmo del cine clásico, destacando un guión sutil dónde nada es evidente y donde Jaurrieta compone unos planos y secuencias de enorme belleza con inteligencia y talento. La protagonista es la inconmesurable Patricia López Arnaiz, que está maravillosa, interpretada en su época adolescente por Aina Picarolo, con naturalidad, frescura, inocencia y dulzura. La acompaña en su juventud un formidable y poderoso Dario Grandinetti.

La historia está contada en dos tiempos que se entrelazan a la perfección con constantes flashbacks que van componiendo a fuego lento el desarrollo de la trama sobre el tema del abuso. Lo que pasa es que está contado desde un punto de vista diferente donde no queda nada claro si el abuso se produce o no. Lo que si queda claro según avanza la historia es que medio pueblo estaba al corriente de lo que sucedia.

El color rojo sangre está presente en muchos planos, algo que tiene su razón de ser, pero de lo que no voy a hablár más. 

La directora habló de sus referencias que la inspiraron como Bernard Herrmann en la música, y Brian de Palma en la dirección con mención a Vestida para matar. Brillante trabajo de casting en este western moderno; muy logrado el parecido físico entre las dos actrices que hacen de Nina. Una en la cuarentena y la otra con 15 primaveras. A destacar la escena de la procesión que está montada de forma prodigiosa, alternando pasado y presente con ritmo vertiginoso, que rinde homenaje a Calle mayor de Bardem . 

4 ⭐ de 5.