domingo, 26 de noviembre de 2023

The whale, de Daren Aronofsky

Un profesor de literatura da clases de escritura por video conferencia a un grupo de estudiantes, les dice que su cámara está rota por lo que no puede mostrar su rostro, en realidad no lo hace porque padece obesidad mórbida y se avergüenza de su imagen. Charlie, interpretado magistralmente por Brendan Fraser, realmente tiene el aspecto de una ballena, una ballena varada en su pequeño apartamento, una ballena con alma de niño perdido, una ballena arponeada por el desamor, la culpa, la pérdida, el abandono, la incomprensión y un inmenso vacío que llena con la comida compulsivamente.

Charlie tiene una hija, Ellie, interpretada por Sadie Sink, a la que quiere recuperar después de años distanciados, cuando lo visita, se cruzan las miradas tiernas y conciliadoras de Charlie, con las de ira de su hija que vive envuelta en un torbellino de emociones fuera de control.

Liz, interpretado por Hong Chau, es su única amiga, lo cuida con cariño, se involucra en su cuidado de forma excepcional para ser solo una amiga, cosas del guion que no voy a desvelar.

Thomas, interpretado por Ty Simpkins, es un joven que aparece un día en casa de Charlie como un misionero que va por las casas con el predicamento de su Nueva Vida, intenta convencer a Charlie de que su religión le dará la salvación. Oculta un gran secreto que no puedo desvelar.

Mary, interpretado por Samantha Morton, es la ex mujer de Charlie, quien lo visita un día y entre ellos surgen los reproches, pero también rescoldo de ternura, residuos del amor de los años de convivencia que tuvieron.

Hay breves apariciones de un repartidor de pizza, Dan, que deja el pedido y recoge su dinero en el porche, pero que siempre pregunta si está todo bien y es ese interés el que hace sonreír y sorprender a Charlie.

Sin duda alguna una gran película en la que cada uno puede verse identificado en algún aspecto o tal vez no, y pase a ser una buena película más, para mí ha sido un gran escaparate donde mostrar las debilidades del ser humano y cuando ese escaparate se apagó quedaron encendidas esas cuatro importantes y maravillosas palabras… AMOR.

Victoria Eugenia Gómez Sánchez

domingo, 29 de octubre de 2023

Los asesinos de la luna, de Martin Scorsese

 Llevaba muchos meses sin ir al cine, y aunque parezca mentira, cuando uno pierde el hábito para ciertos placeres, como este que me ocupa, cuesta retomarlo. Pero ayer era un dia especial, no sólo porque me disponía a ver una película en pantalla grande, sino porque iba a deleitarme con la última del gran Scorsese. Debo admitir no haber visto más de 3 de sus cintas en el cine, pero Los asesinos de la luna se ha estrenado con una aureola de gran película, o la película del año, si me apuras. 

La historia arranca con un plano general de unos indios enterrando un objeto en una llanura inmensa en la que solo se ve campo. En un momento dado comienza a salir de la tierra una especie de geiser de petroleo y entonces contemplamos a los indios danzando bajo esa lluvia negra en slowmotion en una escena muy plástica y muy bella. Preciosa. 


La trama de la película gira alrededor de los indios Osage, unos indios que poseían aquellas tierras en las que se encontró el oro negro y que los hizo extremadamente ricos. Yo solo tenia la idea de los indios semivestidos con taparrabos y plumas en la cabeza,  de los western que solo había visto en mi niñez y adolescencia, pero nunca los había contemplado retratados así, vestidos como el resto de los mortales y en una ciudad moderna del medio oeste, 

El argumento gira alrededor de los asesinatos de una serie de estos indios Osage, que se van sucediendo durante toda la trama y desde los primeros cinco minutos. Al inicio de la película el personaje de Ernest (Dicaprio) empieza a trabajar para su tío como chófer, y recoge a Molly( Lily Gladstone) en la estación de ferrocarril para llevarla a su casa. Molly junto a sus 3 hermanas y su madre, son algunos de los personajes principales sobre los que pivota toda la trama. 

Está formidablemente contada, es un puro gozo disfrutar de una historia bien narrada, que ni se hace larga ni aburre en ningún momento, en sus doscientos minutos de metraje. De Niro y Dicaprio están soberbios, con el descubrimiento de Lily Gladstone en el papel de Molly. No sé si a lo que voy a decir ahora se le puede calificar de spoiler, pero me pregunto si el personaje de Ernest tiene alguna discapacidad mental o simplemente es tonto de remate. Pero según va avanzando la trama, uno llega a concluir que es más bien lo segundo. Es un personaje simple, sin mucho doblez con el que me costó empatizar. Sobre el personaje de Rey, interpretado por un De Niro realmente avejentado, es complicado dar mi opinión,  solo mencionaré que me recuerda a otros gansters vistos en la filmografía de Scorsese.  

Cuando uno habla de Scorsese, se sube el propio listón de la crítica a elaborar, pero ni yo soy un crítico experto ni especializado en su tipo de cine, entonces es difícil tratar los temas recurrentes en su filmografía, pero si quiero destacar que Los asesinos de la luna podría catalogarse dentro de una película de mafia, (a mob movie) pues hay unas características comunes con una violencia y unos asesinatos muy de ese tipo de cine, con la única particularidad que los fallecidos son Indios. 

En el reparto, hay la friolera de 50 actores y actrices con papeles pequeños que dan fuerza a una trama muy bien construida. Hay una escena que se me hizo especialmente dura y de la que no puedo hablar. Ni es sangrienta ni desagradable para la vista. Es más bien todo lo que hay detrás de esa escena que me resultó claustrofóbica y asfixiante y que solo el lector avezado que haya visto la película, tal vez pueda adivinar, aunque no le será nada fácil.  

Mi sentimiento al salir de la sala fue de devastación. Salí bastante afectado. Directo a tomar el tren de cercanias de regreso a casa. Solo pude intercambiar unas frases con algunas personas en la salida, sobre lo dura que había sido la película. Ahora unas 14 horas después de su visionado, puedo dar fé de que he tenido la suerte de haber gozado de Los asesinos de la luna, como debe verse este tipo de películas, sin distracciones de ningún tipo y en silencio total. 

Hay un plano cenital de unos indios tocando un gran tambor, todos alrededor del mismo. La cámara se va alejando hacia arriba y vemos danzando a un grupo amplio de otros indios alrededor de ese tambor. Caminando y bailando todos alrededor de ese tambor. Precioso plano. 

Algunos hablan que esta podría ser su última película como director, pero espero que se equivoquen. 

miércoles, 16 de agosto de 2023

Regreso a Hope Gap de William Nicholson

 Hace más de un año pude ver una bella película en el Cineclub Más Madera, pero la crítica se quedó olvidada en el bloc de notas. Aprovecho el estío para retomar mis reviews, sobre todo gracias a un nuevo seguidor del antiguo Twitter, que yo seguiré llamando así por ahora, que me preguntó amablemente por qué no había escrito nada desde marzo. La respuesta es fácil: falta de constancia y dedicación para escribir las críticas de las últimas películas que he visto, entre ellas la de The Fabelmans.


Regreso a Hope Gap es una historia dramática con la que conecté desde los primeros planos en los que se muestra la relación de un matrimonio cuyos cónyuges tienen caracteres antagónicos y muy marcados. Muy al principio de la película, hay una escena que me cautivó, cuando el esposo, un hombre de carácter dócil y aparentemente indolente (interpretado por un poderoso Bill Nighty) llega a su casa del trabajo. Su esposa, una mujer directa y con un punto agresivo, le pide que le ponga un té. El marido se acerca a cogerle la taza con el té frío e inacabado y ahí hay una conversación sobre la costumbre de su mujer de no acabar las cosas. 

Regreso a Hope Gap nos cuenta el final de un matrimonio que lleva décadas en un largo declive, y el espectador descubre justo al principio de la cinta, que el marido ha decidido dejarla. Pero en esta ruptura no están solos, tendrán un testigo muy importante que es el hijo de ambos, y que descubre atónito que su padre ha decidido separarse de su madre. La historia está repleta de líneas brillantes,  dardos en forma de palabras que se lanzan ambos cónyuges, en un excelente guion, a la par que duro. Conecté muy bien con los tres personajes desde el principio y debo admitir que se pasa mal durante la proyección y más aún si el espectador es empático como el que escribe estas líneas. Las conversaciones del hijo con sus padres destilan mucha verdad y autenticidad. 

Annette Bening está soberbia en un papel que se hace odiar gran parte del metraje. Primero la odias, luego la compadeces y por último haces estas dos cosas a partes iguales. Josh O´Connor, que interpreta al hijo me pareció muy creíble y su interpretación naturalista me resultó conmovedora. Tengo pendiente otra cinta suya,  Tierra de dios, de la que hablaré cuando la vea. 

En conclusión, Regreso a Hope Gap es una película que te hace reflexionar sobre quienes somos, a dónde vamos y cómo nos relacionamos con los demás. 

Muy, muy recomendable.

viernes, 17 de marzo de 2023

20.000 especies de abejas de Estíbaliz Urresola

Tras su paso por la Berlinale, por fin llego la esperada 20.000 especies de abejas. 

Cuenta la historia de Aitor, un niño de 8 años al que algunos de su familia llaman Coco pero que prefiere llamarse Lucía. 

Ane, interpretada por la siempre convincente Patricia López Arnáiz, viaja al pueblo de su madre con sus tres hijos, dos varones y una niña, para pasar unos días. Allí con la presencia de su madre, y en especial, de su tía Lourdes,  apicultora que trabaja con las abejas con propósitos medicinales, que será el catalizador para que la verdadera naturaleza de esa niña vaya brotando, floreciendo. Es preciosa la relación de Lourdes con la niña. Y entrañable y estrecha la relación de Lourdes con su sobrina Ane. 

El guión, con múltiples capas y matices ofrece una historia bien compleja. La colmena es un trasunto de la familia. Las abejas eran un animal sagrado en las antiguas baladas vascas, y la metáfora es más que interesante. Sobre la diversidad que tiene una colmena, la misma que hay entre nosotros, los humanos.  Estíbaliz huye de las etiquetas en su propuesta, lo trans es una palabra más usada por los adultos. Los niños que transitan esos caminos son simplemente eso, niños o niñas. Urresola ofrece un estilo naturalista que recuerda a Carla Simon y su premiada Verano 1993. La película sin ser coral, tiene muchas obreras, algunos zánganos y una reina espectacular interpretada por Sofía Otero, que nos regala un personaje con una madurez impresionante, tiene una mirada y una fuerza descomunal que te atrapa desde los primeros fotogramas.  Fue merecedora del premio a la mejor interpretación en la pasada Berlinale. El pero se lo ponemos a que la película tarda un poco en arrancar, pero consigue transmitir e interesar con todo lo que cuenta. 

La historia surgió a raiz del suicidio en 2018 de un menor trans de 16 años en el País Vasco que no encajaba en un sistema rígido. Estíbaliz se puso en contacto con familias que estaban transitando por estas vivencias con sus hijos o hijas, y desde ahí empezó a darle forma al guión.

Sofía que es una niña muy alegre y expresiva como vimos al recoger el premio en Berlín, apareció al principio del casting de casi 500 niñas, pero no fue hasta casi el final cuando Estíbaliz decidió hacerle una prueba específica para el personaje de Coco. 


lunes, 13 de marzo de 2023

Una vida no tan simple de Félix Viscarret

Una vida no tan simple de Félix Viscarret me ha parecido una propuesta diferente, muy inspiradora e inspirada.

Un guión muy bien escrito y desarrollado basado en 4 pilares....dos amigos arquitectos, Isaías y Nico, que comparten despacho, la mujer de Isaías, Ainhoa y la mamá, Sonia con la que coincide Isaías en el parque infantil. 

Desde luego que no es tan simple ser padre y arquitecto con un despacho sin proyectos y tener que ocuparte de cuidar de tus hijos pequeños, llevarlos al cole y al parque mientras tu mujer, profesora universitaria, es la aparentemente triunfadora del matrimonio. No es tan simple llevar una vida de padre de familia que se ocupa de los hijos y al que le cuesta admitir el fracaso, apesar de haber ganado un prestigioso premio cuando era más joven. Recuerda las dificultades de ser padre como en Kramer contra Kramer, aunque allí la relación de pareja era totalmente distinta. 

Todo funciona a la perfección. La excelente música, parece diseñada para una película sobre arquitectos. La fotografía gris está muy conseguida. Muy divertido el video de Jerónimo Rascafrías, el arquitecto cool de las redes sociales, interpretado por un genial Julián Villagran. La mujer es de esas que se visten por los pies y cuya estabilidad no pondría en peligro por una infidelidad puntual. Esparbé, también metido a productor, y García están enormes, soberbios. Olaya Caldera y Ana Polvorosa también. Un reparto con excelencia. La ciudad de Bilbao se ve preciosa. Un magnífico trabajo de dirección que estoy seguro figurará en el Palmarés. 

Se agradece la ausencia de lugares comunes, la inteligencia del guión y del plantel de buenos actores francamente bien dirigidos. Viscarret confiesa que se inspiró cuando vivió una experiencia parecida tras ganar la Biznaga por Bajo las estrellas en Málaga y después tener hijos y verse consagrado a ellos y alejado de su profesión. Una profunda reflexión sobre una crisis profesional, personal, existencial y generacional. Casi nada.  

Lo autobiográfico siempre enriquece porque se habla de lo vivido. Preciosa la escena en la que se sinceran Isaías y Sonia. Realmente la película me ha conmovido.

domingo, 12 de marzo de 2023

Els encantats de Elena Trapé

Els encantats, cuarta película en competición del Festival de Málaga, historia sobre la búsqueda de una treintañera que se siente muy perdida. Se ha separado hace poco de su pareja y la pelicula se abre con una escena despidiendose de su hija pequeña cuando se la lleva su ex en su custodia compartida. Antist, un pueblo idílico en la montaña, resulta ser el refugio que elige Irene, que anda inmersa en un letargo que puede resultar desconcertante a ratos. 

Elena eligió planos muy largos, a veces uno siente que está viendo un docudrama.  

Tuve una sensación de que no pasa res. Pero claro que pasan muchas cosas, y ahí radica la riqueza del cine de Elena Trapé, vidas cotidanas en las que lo pequeño se hace el leitmotiv.

Trapé triunfó hace unos años con Las distancias de la que ya hablé en el blog elogiando un gran trabajo de dirección y actoral.

Esta nueva propuesta, de aparente sencillez, es lenta pero no aburre aunque quizas le faltaría un poco más de conflicto al personaje principal.

sábado, 11 de marzo de 2023

Pedro, de Liora Spliff Diablovstozky

Hoy hemos podido ver en el Festival de Málaga el portentoso trabajo sobre el artista iconoclasta mexicano Pedro Frideberg. Un arduo trabajo que le llevo 10 años a su creadora y directora. Es un trabajo minucioso y construido con mil detalles que crean un perfil poliédrico de un artista de enorme proyección tanto en su México natal como en el extranjero. Liora debía rodar un cortometraje como proyecto universitario y eligió la figura de Pedro para llevarlo a cabo. Es muy llamativo que éste sea el primer documental sobre la figura de este excepcional creador de las famosas manos sillas pero es que nunca permitió que lo grabasen. Pedro es una persona nada tecnológica pero tiene 3 gatos llamados Wikipedia, Internet y Netflix. Muy gracioso pues no sabe lo que son esas tres palabras, sólo las ha oído alguna vez. Es un personaje muy simpático y entrañable. El documental tiene numerosos momentos cómicos y no sólo es divertido sino entretenidísimo. Liora logró forjar una amistad con el artista surrealista, mostrándonos su impresionante obra. El documental incluye en el montaje algunas cartas manuscritas que escribió a Pedro durante el largo proceso de filmaciones. El estreno internacional ha sido hoy en Málaga, y le auguro desde aquí algún reconocimiento en el Palmarés. 

Tregua (s) de Mario Hernández

La empecé con cero expectativas, bueno bajo cero.  Inicio flojo que te hace temer que vaya a transcurrir toda la película en la habitación del Hotel Ac de Málaga.  Afortunadamente no es así. Diálogos se van haciendo más complejos, más profundos. Buena química entre Bruna y Salva, a pesar de la poca aparente conexión inicial. Unos amantes que se encuentran una vez al año para darse una tregua en su relaciones respectivas de pareja. Precisamente esas treguas les dá, a ambos personajes, aire para continuar con sus cónyuges. Interpretaciones con bastante frescura y naturalidad. Dos actores con estilos muy diferentes, él andaluz, ella catalana, pero que se complementan con acierto. El guión se va retroalimentando y creciendo según avanza la historia. Mucho diálogo en una cinta que funcionaría genial en teatro. Tregua(s) está coproducida, entre otros, por el propio Reina. 

El espectador se va a sentir identificado fácilmente con los protagonistas. Habla de temas universales como el amor, los celos o la infidelidad desde distintos puntos de vista. Cusí, que ya nos fascinó en Verano 1993, participa con tres películas en esta edición. 

Escribo esta crítica mientras tomo unas tapas en el mítico Cortijo de Pepe. 

Y a las 16 nueva proyección.

Matria de Álvaro Gago

Matria, basada en un cortometraje premiado en Sundance, cuenta la historia de Ramona, un nombre que me trae a la memoria a otra gallega inmortal, la Ramona de Mar Adentro. María Vázquez, poderosa y magnética,  crea el personaje de una mujer dura con una vida sacrificada que trabaja en una fábrica conservera. Una mujer electrizante que fascina, fuma compulsivamente, se queja, busca trabajo para poder ayudar a su hija que vive con su novio y con la que tiene una relación cariñosa y tosca a la vez, pero más lo segundo. Abundan las pinceladas grises en lugar de los más comunes blancos o negros.  Álvaro Gago en su ópera prima ofrece un retrato de unas vidas difíciles, con realismo y sin dulcificar. Desde los primeros planos la historia engancha y atrapa.

Es la primera película a competición del Festival y viene precedida por la buena acogida en la pasada Berlinale. Justo al inicio de la rueda de prensa, el equipo fue recibido con una ovación cerrada muy emocionante. Huele a Biznaga para su protagonista. 

sábado, 4 de marzo de 2023

Entre nosotras de Filippo Meneghetti

Nina y Madeleine, dos mujeres jubiladas, están secretamente enamoradas desde hace décadas, aunque de cara a los demás no son más que dos vecinas que vienen y van de una casa a la otra, compartiendo la ternura de una vida en común. Hasta que un día, su relación da un giro a causa de un suceso inesperado. Nina y Mado viven su amor en secreto, en un pequeño pueblo de Francia, por miedo al que dirán, sobre todo, de los hijos de Mado.  

El debút de su director, Filippo Meneghettí, es un prodigio en la dirección.  Una historia muy bien contada, excelente el guión, increíblemente entretenida y que sorprende agradablemente al espectador. Recomiendo encarecidamente no ver el tráiler para llegar a la proyección virgen, igual que yo, que tan solo sabía el argumento mencionado al principio. 

La historia se inicia con dos niñas jugando al escondite en un paseo arbolado, con el sonido de unos grajos. De pronto una de las niñas desaparece. Y lo siguiente,  ya es en el presente. A parte de la trama que va sucediendo en Entre nosotras, para mi lo verdaderamente interesante es la lectura entre líneas de la homofobia casi nunca mencionada pero vislumbrada en varios momentos de la película. También habla de la invisibilidad que muchas relaciones entre miembros del mismo sexo suelen padecer. Y aquí no hablamos de dos púberes que están iniciando su vida, como en tantas cintas de temática, sino de dos señoras que llevan toda una vida viviendo un amor en secreto, prohibido a los ojos de los demás.  

Las actrices están estupendas, tanto las protagonistas interpretadas magistralmente por Martine Chevallier y Barbara Sukowa, que ofrecen unas interpretaciones fascinantes,  como la hija de Mado o la asistenta. Me he enamorado de las dos, de Mado, con su ternura y bondad, de Nina, con su persistencia y dedicación por recuperar el amor de su vida. 

Vi Entre nosotras, en el Cine Club Más Madera de Arroyo de la Miel,  un cine-club que llevan desde hace más de 30 años un grupo de cinéfilos, donde proyectan lo mejor de lo estrenado recientemente, y en su programa trimestral sueles encontrar siempre alguna cinta francesa, como la que nos ocupa. Programan un tipo de cine independiente, en la mayoría de las ocasiones. Llevo cerca de 18 años asistiendo a sus proyecciones y es un privilegio enorme tener la suerte de ver buen cine, en pantalla grande en Benálmadena

Entre nosotras me hace pensar en otra historia de amor prohibido, La calumnia, con Audrey Hepburn y Shirley Maclaine. Una historia también dura y que recomiendo para los que no la hayan visto aún.  


viernes, 3 de marzo de 2023

The gigantes, de Beatriz Sanchís

Ya que Filmin estrena hoy The gigantes, aprovecho para recuperar la crítica que escribí de la película cuando la pude ver durante el pasado Festival de Málaga. Gustó bastante y recibió dos premios; mención especial del jurado, y a la mejor fotografía. 

The Gigantes es una road movie colorista sobre dos mujeres con familias desestructuradas que emprenden un viaje hacia Baja California, cuando una de ellas decide dejarlo todo al ser despedida de su trabajo como camarera.  Un recorrido dividido en capítulos, cada uno la distancia que recorren las protagonistas y las va separando poco a poco del punto de partida. Primeros unos pocos kilómetros. Luego 300, luego otros 300 km y así hasta llegar a la frontera mexicana y más allá. En el recorrido se cruzan con personajes muy variopintos, los desheredados de la América profunda o también llamados white trash. 


Estas dos mujeres emprenden un viaje geográfico y vital que va a resultar catalizador, sobre todo para la chica adolescente. Durante todo el metraje la sexualidad está muy presente. The Gigantes transita por paisajes naturales de gran belleza, y los personajes secundarios recuerdan a esa otra gran película, Nomadland. El recurso de fuera de plano está inteligentemente utilizado para generar tensión en diversos momentos de la cinta. Las actrices protagonistas, Samantha Jane Smith y Andrea Sutton Chávez están sublimes y destaca la enorme evolución de la más joven en su arco del personaje. Me ha parecido conmovedor la camaraderia que se da entre los dos personajes principales y como se ayudan la una a la otra. 

En mi opinión es una película muy entretenida, la banda sonora es excelente, toda ella elegida y compuesta ex profeso para este proyecto. 

Su directora lleva seis años viviendo en México. En palabras de Sanchís, "quería hablar de dos personajes de culturas muy diferentes y de la unión de dos personas heridas. Quería hablar de distintos tipos de mujeres, una muy femenina a la que le gustan las mujeres, otra muy masculina a la que le gustan los hombres". 

De todo lo visto hasta ahora en el Festival, es lo que más me ha gustado. Es de esas películas con las que conectas desde el minuto uno. Poco a poco te va enganchando y al final te deja huella. Muy recomendable. 

 

sábado, 25 de febrero de 2023

70 binladens de Koldo Serra

Empiezo con lo mejor de 70 binladens, un buen guión donde abundan los giros o sorpresas en una trama que avanza constantemente y nos regala lo inesperado, lo original o nunca visto antes,  que ya es mucho decir para un espectador en general que ha visto mucho cine y para quién es fácil adelantarte a lo que va a suceder en la trama. 

La historia, una mujer de unos cincuenta años, llega a una oficina bancaria a pedir un préstamo de 35.000 euros. Justo antes de concedérselo, entran unos atracadores a la sucursal y hasta ahí puedo leer. Ya que el guión está cargado de giros, lo mejor es contar lo mínimo. 

Emma Suarez está soberbia, en el papel de esta mujer fría y controladora que se convierte -perdon, pequeño y único spoiler- en la portavoz que hablará de parte de los atracadores con la policía. Es un personaje que particularmente me ha fascinado. Te atrapa y te conquista. Está poderosa, creible, vocaliza maravillosamente, algo que agradezco sobremanera, pues ya sabemos que a veces los actores españoles adolecen de justo lo contrario. Sin duda para mi es lo mejor de toda la película. 

Natalie Poza y Hugo Silva son los atracadores, personajes muy histriónicos, no me convencen. Quizás Poza se salve de la quema. Un papel muy distinto a lo que nos tiene acostumbrados. Silva en cambio, en su papel de quinqui drogata nos ofrece un dejà-vu,  visto mil veces. La historia sucede practicamente todo el tiempo dentro de la sucursal bancaria. Y en la plaza donde llega la policía. 

Hay una secuencia que es un claro homenaje a El silencio de los corderos. Buenísimo. Creo que el que ya haya visto 70 binladens, sabrá a lo que me refiero. 


Lo de los binladens, hace referencia a los billetes de 500 euros, de los que todo el mundo habla pero nadie ha visto uno. 

Uno de los peros es que el desenlace no está bien explicado y no se entiende bien. 

70 bindalens se estrenó en el otoño de 2018, pero hasta ahora no he podido verla, y por eso la crítica tardía. 

domingo, 19 de febrero de 2023

Tootsie de Sidney Pollack - Revival

Cada cierto tiempo me pregunto si he escrito crítica sobre esta o aquella película. Anoche me pregunté lo mismo sobre Tootsie. La respuesta ya la podéis imaginar. Aunque si que la mencioné en otra crítica El hombre de moda, que escribí allá por febrero de 2017 y que adjunto aquí. 

Tootsie es una película que me ha marcado especialmente. La vi con 12 añitos con mis padres en el Cine Madrigal de Granada. Se estrenó en 1983. Desgraciadamente no tengo recuerdos de aquella tarde. 

Tootsie, protagonizada por Dustin Hoffmann y dirigida por Sidney Pollack, unos de mis directores favoritos tiene un argumento peculiar. Michael Dorsey es un actor problemático que no encuentra trabajo porque nadie quiere contratarle por su fama de problemático y conflictivo. Cuando acompaña a su amiga Sandy para hacer una prueba para un culebrón (soap opera, en inglés) papel que no consigue, decide presentarse él mismo, pero vestido de mujer. Al principio, cuando se presenta al casting, el director la rechaza solo por su aspecto dulce, pero Michael, ahora Dorothy saca toda su carácter dejando boquiabiertas a las ayudantes del director, con lo que acceden a hacerle la prueba, consiguiendo el papel. Esa escena es buenísima. Es la primera vez que vemos a Michael actuando como Dorothy, aunque ya antes lo haya hecho de otra manera, pero no actuando propiamente dicho en el culebrón. 

En la nueva sección Revival vamos a combinar anécdotas de vivencias con otras de la propia historia. 

Tootsie desde siempre me ha entusiasmado. Tiene muchos ingredientes para conectar con el espectador y especialmente conmigo: Un guión muy brillante,  con varios momentos memorables que ya desgranaré después. Los actores están todos esplendidos, desde Hoffmann, a Jessica Lange, pasando por Bill Murray, Teri Garr, Dabney Coleman o las asistentes del director cuyos nombres desconozco, o Charles Durning que interpreta al padre de Julie. La música de Dave Grusin, autor de otras películas como La tapadera o Enamorarse, es una delicia. Tiene un momento de esos que me encantan, en los que suena una canción (aquí es It might be you) con una sucesión de planos de los personajes actuando o hablando, pero no oímos sus palabras pues solo se escucha la banda sonora. Son una sucesión de vivencias de cuando Dorothy pasa un un fin de semana con Julie en casa de su padre en el campo. Somos testigos de la relación tan entrañable que se crea entre los tres personajes; somos testigos de Dorothy ordeñando una vaca, montando en tractor con Les, preparando la cena a dos, probando un plato mientras cocinan del dedo de Julie (plano con cierto erotismo, no hace falta que diga por qué)  o cenando los tres juntos con el bebé de Julie. Jessica Lange está esplendida, muy atractiva y dulce. Cautivadora. Pero coincido con mi buen amigo Álex que no era como para haber ganado aquel Oscar. 

Al que le guste Tootsie, leyendo mi crítica se le vendrán a la mente recuerdos sobre la misma, sobre cuando la vio en en cine, si es que la vio en el cine. Agradecería sobremanera algún recuerdo de donde la visteis allá por 1983, aunque muchos de mis lectores, probablemente ni habían nacido. 

La relación entre Dorothy y Julie es preciosa, una amistad entre "dos mujeres", una madura y otra joven, en la que Julie aprende de la experiencia de la otra. Hay varias escenas memorables con las dos juntas. 

Me gustaría destacar una serie de secuencias. Unas cómicas, otras memorables.  

Una. Cuando la ayudante de dirección le pregunta al cámara. ¿Cuánto puedes alejarte para que parezca más atractiva? Respuesta. ¿Qué te parece Cleveland?

Dos. Escena en la puerta del Salón Ruso, cuando Dorothy se acerca a George, su agente, fingiendo que busca ese mismo salón de té y George evidentemente no lo reconoce. 

Tres. Cuando Dorothy entra al salón de té y se sienta a la mesa con un George sorprendido,  pensando que la señora se ha equivocado de mesa y Dorothy hablando con voz de Michael. Las caras de George son buenísimas y sobre todo cuando le agarra la pierna. Hoffmann confesó que cuando rodaron esa escena, de forma totalmente inesperada y espontanea, en lugar de agarrarle la pierna, le agarro otra cosa. Ahora entendemos mejor el salto que pega Sidney Pollack. Una de las escenas más divertidas. En esa misma escena aparecen unos productores y es cuando la escena se torna más hilarante aún con Dorothy en plan cariñoso con su agente. Memorable la frase que Michael le espeta a George. ¿Decias que no me iba a contratar nadie? Pues he conseguido un papel. 

Cuatro. La escena cuando un tipo bajito y esmirriado, estilo Woody Allen, le intenta robar un taxi a Dorothy, y Michael vestido de Dorothy, con toda su masculidad recuperada momentáneamente, se mete dentro del taxi, agarra a ese tipejo y lo echa fuera. 

Cinco. Cuando Dorothy debe quedarse al cuidado de la hija de Julie, corriendo por la casa con el bebe en brazos para que deje de llorar, o dándole de comer con la peluca llena de restos de potito.

Seis. Dorothy caminando por Manhattan con unos andares bien femeninos y moviendo la cabeza que solo recordarlo se me dibuja una sonrisa. 

Siete. Dorothy posando en una entrañable sesión de fotos, en la que hace un cameo Andy Warhol. 

La interpretación de cada personaje es sincera y emocional y eso es la magia que hace que todas las piezas de esta película encajen en un puzzle perfecto. Sobre el guión, añadir que se incluye en varios libros sobre cómo escribir un buen guión. 

Sidney Pollack confesó que solo buscaba una actriz mona para el papel que hace Geena Davis (su debú en el cine) que atrajese la mirada de Dorothy cuando entra por primera vez a los camerinos y la encuentra en ropa interior, pero Davis resultó ser una actriz brillante, inteligente y divertida.  

Y una anécdota final, Dustin Hoffmann logró engañar a su compañero de Cowboy de medianoche, Jon Voight haciéndose pasar por una admiradora suya. Por su puesto no lo reconoció. 

Tengo la sensación que podría añadir algunos detalles más sobre Tootsie, pero me conformaré con éstos. 
 

Recuerdo que  hace años en una tienda de segunda mano que había en calle Echegaray, en Málaga, encon encontré por casualidad la edición del 25 aniversario de Tootsie (2007), con multitud de extras en versión 2 discos. En su momento los ví todos, todos! Y menuda delicia, conocer tantos secretos y anécdotas del rodaje. Ahora mientras escribo la crítica se me despiertan unas ganas irrefrenables de ponerme a ver todos esos extras, pero tendrá que esperar. 

Y quiero acabar la crítica parafraseando a mi amigo, el cinéfilo Pablo Carrascosa, que tiene un interesante programa quincenal en la Radio y un más que interesante Blog de Cine. Esta película le gustará a los actores, a los que estudian para ser actores, a los directores, a los que estudian para ser directores, a todos aquellos que sueñan con trabajar en el mundo del cine, ya sea delante o detrás de las cámaras, a los travestis, a los gays, a los heteros. En definitiva a todos los que aman el cine. Si no la habéis visto nunca, quizás os entraron ganas de verla. 

domingo, 12 de febrero de 2023

Goyas - 2023 - Crónica de la 37ª Edición

Solo unos cuantos apuntes sobre una gala sobria, más entretenida que otros años, bien presentada por la pareja de anfitriones, aunque De La Torre destacó sobre Clara Lago, pero es que Antonio, es mucho Antonio. Sorprendente y meritorio cuando se dirigió a Carla Simón e hizo todo su discurso en catalá. 
Sentido y emotivo homenaje a Lola Flores en su centenario, con Lolita interpretando Pena, penita, pena. Desde aquí reivindico a una gran cantante que no se prodiga mucho por los escenarios, porque como ella misma ha aclarado varias veces, no la contratan. Para cantar, se entiende. En teatro, si que lo hace. 
Gran colorido en los diseños que las actrices vestían este año. En los planos cenitales del auditorio se contemplaba un precioso arcoiris. 
Precioso y elaborado discurso de Juliette Binoche con el final tarareando el ¿Por qué te vas? acompañada por el público en evidente homenaje a Carlos Saura. Denota una gran sensibilidad de esta actriz francesa. 
Curiosa la traducción de la interprete  en la parte de su discurso en español, que por si había dudas,  se entendió perfectamente. 
Lleno de sentido el agradecimiento del hijo de Carlos Saura, hacia todas las mujeres de su padre cuya gala quedó impregnada por la gran admiración que todos tenían hacia su figura. 
Emocionante el discurso de Laura Galán, como actriz novel por Cerdita, con un fondo verde esperanza sobre el tema del bullying. Cerdita ganó el Goya al mejor cortometraje en 2019. 
Enternecedor discurso de Pepe Domínguez, ganador del Goya a la mejor dirección de arte por Modelo 77. 
Destacado el clip de apoyo a la comunidad LGTB con una serie de bellos fotogramas de besos de películas entre las que recuerdo uno entre Antonio Banderas y Eusebio Poncela en La ley del deseo. 
Llamativo el largo clip de La llamada, para dar paso a la intervención de los Javis en la Gala. 
Mucho duende para el ¿Por qué te vas? interpretado por Natalia Lafourcade. 
También destacar a las cuatro bellezas, Miriam Diaz Aroca, Ariadna Gil, Penélope Cruz y Maribel Verdú que protagonizaron Belle Epoque, 30 años después de arrasar en los Goya y que entregaron el Goya a mejor película. 
Fue la noche de As bestas, con 9 premios. Alcarrás se fue de vació. Cinco Lobitos se llevó 3, para su directora Alauda Ruiz de Azúa y sus actrices protagonista y secundaria, Laia Costa y Susi Sánchez. Modelo 77 se llevó 5 premios técnicos. 
He buscado toda la sobriedad posible en está breve crónica. 

lunes, 6 de febrero de 2023

Armas de mujer, de Mike Nichols. - Revival

Dentro de una nueva sección del blog, voy a recuperar películas de otras épocas. Y vamos a inaugurar REVIVAL con una gran comedia de los años 80 protagonizada por un trío de estrellas que no necesitan presentación: Sigourney Weaver, Harrison Ford, y Melanie Grifith en una película que tuvo un gran éxito y repercusión allá por 1989 cuando se estrenó en España. Armas de mujer (Working Girl su título original). Yo tenía 18 añitos y fue de mis primeras experiencias en el cine como adulto, yendo solo, en este caso concreto al hoy en día tristemente desaparecido America Multicines. 

Tess Mcgill una audaz secretaria de origen humilde pero muy trabajadora, se le ocurre una idea sobre una adquisición que lleva a cabo durante la ausencia de su jefa,.En el camino se cruza con Jack Trainer, un ejecutivo interpretado maravillosamente por Ford, y el resto, como se suele decir, es historia, pero ¡menuda historia!

Una historia protagonizada por mujeres, que sin hablar de feminismo, si que ya trataba el tan actual empoderamiento de la mujer, y lo hace con la mejor arma, un brillante y excelente guión. 

La escena inicial que abre los créditos es un impresionante plano aéreo envolvente de la estatua de la Libertad con la cámara dando vuelvas a la misma y alejándose de ella hasta que divisamos el Ferry que une Staten Island y Manhattan, y unos segundos después contemplamos a los lejos la isla de Manhattan con las ya extintas y míticas Torres Gemelas. El plano es realmente bonito con la famosa canción, Let the river run, de Carly Simon y ganadora del Oscar a la mejor canción de 1989. 

Es una historia sencilla, muy bien contada, genialmente interpretada por su trío protagonista, el sencillo y atractivo ejecutivo, la jefa arrogante y estirada que se las da de buena gente, y la secretaria ambiciosa loca por triunfar en un mundo laboral lleno de tiburones. 

Para los que tenemos cierta edad, los años 80 fueron una década plagada de títulos cinematográficos que nos dejaron una huella imborrable y a mí me marcó de una forma especial. Me refiero a los que nacimos a principio de la década de los 70, éramos aun demasiado pequeños como para haber podido ver en el cine títulos de aquella otra década prodigiosa como Fiebre del sábado noche, Grease y otras cintas míticas. 

Las pintas que llevaban Grifith y su íntima amiga, interpretada por una genial y divertidísima Joan Cusack eran muy ochenteras, y nos regalan unos pelos que vistos ahora a más de uno le parecerán horrendos. ¡Qué divertida esa  frase del personaje de Cintia "¿Coffee, tea, me"? cuando hace su primera aparición en la oficina de Tess, el personaje de Jack Trainer. 

La evolución que se va fraguando en el personaje de Tess es formidable y somos testigos de como el patito feo-secretaria  se va transformando en el bello cisne -ejecutiva de éxito. 

Yo tengo un recuerdo genial de aquel año. Pagar una entrada para ver una película en el America Multicines, pero pasarme de una sala a otra, y ver varias películas. En cartelera en aquella época, pre Oscars de 1989, o sea marzo, también estaban Un pez llamado Wanda, Arde MississipiGorilas en la Niebla. Sigourney Weaver ese año hizo doblete y fue nominada por ambas películas, en una como actriz protagonista y en esta que nos ocupa como actriz de reparto. Pero no se llevó ninguno, aunque tanto ella como Melanie si que se llevaron sendos Globos de Oro. Como protagonista ganó Jodie Foster por Acusados. Y me puedo vanagloriar de acordarme perfectamente de esto sin necesidad de wikipediar. Al año siguiente Jodie lo volvería a ganar por El silencio de los corderos. El de actriz de reparto, googleando, lo ganó Geena Davis por El turista accidental

Dieciocho añitos, en la flor de la vida, mi gran pasión por el cine y gozar en pantalla grande con las películas nominadas a los Oscar, qué más de podía pedir. En aquella época, recuerdo que se retrasmitían los premios en abierto, pero yo nunca aguantaba despierto hasta las 2.30 que empezaba la gala, y consiguientemente siempre me la perdía.  Solo veía algún momento estelar, cuando los aplausos de algún premio me despertaran, mientras mis hermanas mayores sí que aguantaban despiertas. Luego llegó Canal + y se acabó lo de poder verlos en abierto. 

Desde Revival voy a recuperar títulos míticos, con legiones de fans, siempre con unas gotas de nostalgia. Por eso en esta entrada no solo he incluido imágenes de la película, sino también de las Torres Gemelas o la estatua de la Libertad, iconos de Nueva York, que curiosamente no había mencionado hasta ahora el nombre de la gran manzana. Inicio Revival con un título de un director bien prolífico autor de otras cintas como Se acabo el pastel, El graduado,  Una jaula de grillos o A propósito de Henry.  

La banda sonora, fue de las primerísimas que yo recuerdo en mi casa en formato CD. Era de mi hermano y sonaba de escándalo en su equipo de sonido. Destacar por último el tremendo parecido que en algunos planos tiene Melanie con su madre la también actriz Tippy Hedren

Anécdotas curiosas. En una escena, Katherine lleva un gorila de peluche, guiño al otro título ya antes mencionado. Kevin Spacey hizo aqui uno de sus primeros papeles en el cine, un personaje un poco vomitivo, la verdad. Melanie puso de moda lo de ir al trabajo en deportivas con los zapatos en el bolso.

Dos frases de Armas de mujer, como epílogos:

 "Yo a veces canto y bailo desnuda en casa, pero eso no me convierte en Madonna". 

"Tengo una mente para las finanzas y un cuerpo para el pecado, ¿hay algo malo en ello?". 



lunes, 30 de enero de 2023

Tár de Todd Field

Primera crítica del 2023. Últimamente no solo he recuperado la buena afición de ver películas en pantalla grande sino las ganas de escribir mis críticas de cine. Y a las 22.30 estoy puliendo el texto que empecé esta tarde.

El sábado pasado me enfrenté al visionado de Tár sabiendo exclusivamente que su protagonista era una directora de orquesta, interpretada por la grandiosa Cate Blanchett y poco más. No quise ver más de 25 segundos del trailer para mantenerme virgen ante esta historia que me atraía sobremanera, a pesar de no saber casi nada. Y desconozco la razón. Lo poco que vi del traíler me produjo fascinación.  El director me sonaba, pero no ha sido hasta después de verla cuando he descubierto que también dirigió En la habitación, una dura historia con excelentes críticas que estuvo nominada a varios premios Oscar pero que se fue de vacío. Yo la ví, pero lo único que recuerdo de ella es que me gustó.


Tár es una película compleja. Su protagonista lo es. Una mujer con un carácter fuerte, masculina en sus andares y en sus formas. Dominante. Ruda. Y con la que me resultó difícil empatizar. Las secuencias se caracterizan por unos planos muy largos. La cinta empieza con un larguísima secuencia sobre la entrevista que le hacen a Lidia Tár en un auditorio en un acto organizado por The New yorker. La secuencia es una entrevista normal, con sus preguntas y sus respuestas y con un prólogo en el que el entrevistador hace un extenso resumen de la trayectoria de Tár que se hace un poco interminable.

Como personajes secundarios destacan la asistente de la directora, interpretado por Noémi Merlant, la pareja de Lidia interpretado por Nina Hoss o una contrabajista becaria que entra a participar en la orquesta a mitad de la película.

En contra tiene varios factores. Primero, su duración. Pero a pesar de sus 158 minutos no se hace larga porque es muy entretenida, su complejidad te va atrapando y al menos a mi, me interesó durante todo su metraje. 

Otro punto negativo es su guión, un poco lioso con unos cuantos cabos sueltos. Hay varias historias que o no están explicadas, o no lo suficientemente. Es de esas películas que se presupone están hechas para un espectador inteligente y avezado, pero yo no debo ser de este tipo, pues no me enteré bien de algunas secuencias.  Secuencias como la caida de Tár, la del perro en la casa abandonada o las de la vecina.

Otro punto negativo es la ausencia de música orquestal en los casi 160 minutos. Realmente me llamó la atención la falta de interpretaciones musicales de la orquesta.  ¿Por qué no incluyó más?

La película transcurre mientras Tár está preparando una sinfonía de Malher que será su consagración final.

 

Puntos fuertes, Cate Blanchett hace muy creíble su personaje, aunque no me parece digno ni de tanta loa ni de tanto premio. Pero cuando empieza la temporada de premios, siempre hay una favorita, y este 2023, la Blanchet parece la actriz protagonista favorita.

La fotografía me gustó mucho. Hay poco colorido. A ratos parece estas viendo una película en blanco y negro. Gran trabajo sin duda.

Me llamaron la atención los largos créditos iniciales, que o no suelen salir al principio, o solo salen de forma reducida.

Tuve la desgracia de ver la película en versión doblada. Cero halagos para la chillona actriz de doblaje. Tendría que volver a verla en versión original, pero quién se enfrenta de nuevo a esos 158 minutos, que aunque he mencionado la duración varias veces, no se me hizo nada larga.

Y como anotación final, añadiré tres  epílogos.

Uno. Leí que Todd Field escribió el guion durante la pandemia. Lo escribió pensando que lo dirigiera otro. Pero le insistieron para que la hiciera él. Cuando Blanchett aceptó el papel para la que Todd había escrito, aceptó a dirigirla.

Dos. Me fascinó la escena del plano contrapicado en la que Tár dirige a su orquesta. Su coreografía de brazos y cuerpo me parecio magistral. No durará más de 7 segundos, pero de verdad que me produjo fascinación.

Tres. En el programa de Julia en la Onda, comentaron que un personaje como el de Tár debía haber sido protagonizado por un hombre, porque ellos son más propios a ese despotismo que caracteriza al personaje, pero yo lanzo una pregunta. ¿Es que no hay mujeres déspotas, que abusan del poder en cuanto llegan a él? Yo respondo. Claro que las hay.