Desde dónde me lees?

 Hoy me gustaría preguntarte desde donde me lees. Por favor escribe el país en los comentarios. Muchas gracias por participar 

Días del cielo (1978), de Terrence Malick

El domingo tuve la oportunidad de ver Días del cielo en el Ficcab de Benalmádena, segunda película de Terrence Malick, ganadora del Oscar a la mejor Fotografía para el español Néstor Almendros. Malick nos ofrece una historia bucólica que transcurre en 1916 con la llegada de unos temporeros a los campos de Texas para la recogida del trigo. Una vez instalados allí, tanto la pareja protagonista (Gere y Adams) como Linda, hermana pequeña de Bill (Gere), se darán cuenta de que el terrateniente (Shepard) se ha enamorado de la chica y hasta ahí puedo leer. Días del cielo nos regala bellísimos paisajes, rodados con luz natural, acompañados de la siempre bonita música de Ennio Morricone, aunque conocidas sus grandes bandas sonoras como La misión, Érase una vez en América o Cinema Paradiso (con el querido Totó),  permitidme añadir que considero se trata de una obra menor. Días del cielo también fue merecedora del premio a mejor dirección en el Festival de Cannes. Había oído que esta película tuvo un sobre costo enorme, y que además no funcionó bien en la taquilla. Ambas cosas comprobadas y ciertas. Costó y recaudó alrededor de unos 3 millones de euros. 

En el reparto destacan un jovencísimo Richard Gere, en su debút en el cine; luego vendrían American gigoló (1980) u Oficial y caballero (1982),  Brooke Adams y Sam Shepard.

El rodaje estuvo marcado por las dificultades técnicas de rodar solamente durante "la hora mágica", esto es, al atardecer y al amanecer, con lo que solo disponían de unos 20 minutos al día, que les exigía tener todo muy bien organizado. Néstor Almendros, al alargarse demasiado el rodaje, tuvo que dejarlo inconcluso, ya que tenía compromisos en Europa para rodar con François Truffaut. Haskell Wexler fue su sustituto durante la última semana de rodaje, pero en los créditos finales, solo aparece Almendros. Para añadir problemas a la producción, el montaje se alargó durante dos largos años en los que el director no lograba estar satisfecho con el resultado final. Al inicio del rodaje habían desechado el guion en una búsqueda de naturalizar su propuesta con ayuda de improvisaciones de los actores, con lo que habían obtenido unas escenas en conjunto un poco deslavazado. Pero como solución,  se les ocurrió la brillante idea de que Linda fuese la narradora, con voz en off, durante toda la película. 

Como anécdota curiosa quiero contaros que para la mítica escena de la plaga de langostas, perdón por el pequeño spoiler,  se les ocurrió rodarla de una forma muy creativa, esto es usando cáscaras de cacahuetes, tiradas desde un helicóptero y los actores caminando hacia atrás. Con lo que el resultado final fue los actores caminando hacia adelante y las cáscaras subiendo hacia el cielo, como si de langostas reales se tratase, efecto muy conseguido.

Para terminar, añadir que Días del cielo tiene algo de documental y mucho de cine mudo, ya que en muchas de las escenas no hay diálogos, pero no son necesarios por la enorme belleza de los paisajes. Y no quiero olvidar algo importante, es una película de 90 minutos. Hoy en día que está de moda contar historias en más de 2 horas de metraje, se agradece que un director sepa contar lo que quiere contar en hora y media. 

7 de 10.

Tip toe (De puntillas), de Russel T. Davies

Tip toe se inicia con la escena demoledora de un hombre colgado de una farola con una mujer sollozando y gritando en el suelo. Justo después se nos van presentando en la misma escena, de forma ágil y hábil, los distintos personajes principales de la serie observando cada uno de ellos la brutal escena desde dentro de las casas de los dos vecinos protagonistas; Leo un hombre abiertamente gay que regenta un bar gay en la calle Canal Street de Manchester; y su vecino, Clive, un frustrado e infeliz electricista en paro.  Los roces entre ambos van a desembocar en una escalada cuyo final es la potente escena que abre Tip Toe. 

Los distintos personajes de la serie están muy bien escritos, aportando cada uno color a este puzzle que componen lo distintos ciudadanos en un Manchester actual que da miedo. Tanto Alan Cummings como David Morrisey están soberbios componiendo unos personajes con múltiples capas y escalas de grises. Russell T. Davies, que ya nos regaló hace unos años la potente Years and Years, nos ofrece esta vez un crudo retrato de la sociedad inglesa actual, pero que fácilmente podría extrapolarse a cualquier país europeo como España. Dos partes de la sociedad enfrentadas por, digamoslo claro, la sexualidad. 

Me llegó en especial el vitalismo del personaje de Leo, su fuerza y unos diálogos chispeantes y mordaces. La serie la componen sólo 5 episodios, siendo el quinto un perfecto broche mostrándonos una sociedad podrida en la que hasta lo más vulgar es susceptible de ser compartido en las historias, (o en los directos) de las redes sociales. Davies disecciona la sociedad actual haciendo una certera y afilada radiografía de la misma en este 2026. Una serie que pasará a la posteridad como un hábil y fiel retrato de una parte de esta generación. 

8 de 10

La bola negra, de Javier Calvo y Javier Ambrosi.

Escribir sobre La bola negra me impone cierto respeto, pues es una película de la que se ha hablado mucho y bien desde que ganó el premio a mejor dirección en el prestigioso Festival de Cannes. Y el premio del publico en el Festival de Toronto. Tenía muchas ganas de verla y ganas de que me gustase y así ha sido. Mis expectativas fueron colmadas. 

La película está basada en el relato La piedra oscura de Alberto Conejero y se inspira en la obra de teatro inacabada de Lorca, La bola negra. 

La deslumbrante factura visual te deja con la boca abierta, y las tres historias que ocurren alternativamente en tres épocas distintas como son los años 1932, 1937 y 2017, están bien entrelazadas. 

La bola negra nos habla de la dificultad de vivir siendo tu mismo en una época en la que la represión lo hacían muy difícil. Esta dificultad se plasma muy bien en la historia entre Sebastián y Rafael., y esa es la verdadera esencia de la película y lo impregna todo. 

La recreación de la guerra me pareció soberbia y la fotografía me resultó preciosista con multitud de fotogramas de gran belleza que se han quedado grabados en mi retina. Los Javis han sabido retratar un cine costumbrista con gran oficio y talento. El primer fotograma de la primera escena es una señora lavando a un niño de pocos años en un barreño. Me fascinó, al igual que otros planos o escenas que paso a desgranar:

Uno, el de las monjas en las escaleras.

Dos, la escena en la playa por la noche con los fuegos artificiales y la camioneta.

Tres, la huida de Sebastián hasta llegar a la iglesia en ruinas y la subida a la figura de San Sebastián que es el poster de la película.

Cuatro, la secuencia de la danza me dejó sin aliento. Qué maravilla. Qué barbaridad. Cuánto talento.

Cinco, las secuencias en la nieve.

Y por supuesto qué bonito y sentido el tema La nieve interpretado por Guitarrica de la Fuente. 

También me conmovió el homenaje que le rinden a Federico García Lorca y su historia de amor con Rafael Rodriguez Rapún en esas secuencias en blanco y negro. 

Tanto Guitarrica de la Fuente como Milo Quifes y Carlos González están muy bien en sus personajes. También destacan Miguel Bernadeau (como Rafael) , Penélope Cruz y la grandiosa Glen Close, que hace un papelito muy pequeño pero lucido. 

El personaje de Lola Dueñas no me gustó, pues me pareció como una caricatura sin matices de una yonki. Una mujer cabreada con la vida, con la que no conecté, pero a pesar de eso, su personaje tiene mucha fuerza y es buen contrapunto al personaje de su hijo, que tiene otro talante. Otro punto negativo es el metraje que se me hizo un poco largo, pienso que con veinte minutos menos, La bola negra sería aún más redonda. 

Las tres historias están muy bien hilvanadas en un montaje prodigioso que te va llevando de una época a la otra sin pestañear. 

Comentar que la sala estaba a tope. Gente de todas las edades y un público muy variopinto. Hacía años que no iba un sábado por la tarde y fue como darme un baño de multitudes. 

Estamos sin duda ante una obra de cine de autor, algo poco frecuente en las salas y que con toda seguridad, seguirá cosechando premios y reconocimientos allá por donde se estrene. No quiero dejar de comentar que La bola negra será la película española que nos represente en los premios Óscar de 2027 si resulta elegida finalmente. Dado que Netflix va a distribuir la película fuera de España, les auguro otras nominaciones como mejor  dirección, mejor canción, mejor película o mejor montaje. Veremos qué pasa. 

9 de 10. 

El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen

 

El ser odiado. 

La película se inicia con una escena muy potente entre Barden y Luengo, que supone el reencuentro de padre e hija después de una larga ausencia de 13 años del progenitor. La secuencia de veinte minutos de duración se caracteriza por una gran naturalidad, explico la razón más adelante. Está planificada con múltiples de planos contraplanos, primeros y primerísimos planos y se hace intensa y fascinante. Ahí cada uno saca su carácter en un momento dado. Y se quitan las máscaras del quedar bien. 

En esa secuencia el padre le ofrece a su hija uno de los papeles protagonistas de la película que está a punto de rodar y que se titula Desierto. La historia de El ser querido está marcada por una relación complicada entre padre e hija, aunque durante el 90% de la película, son más bien director y actriz, a secas. Y se nos narra cómo eso impregna toda la película, casi todas las secuencias y todo el rodaje de Desierto. 

Sorogoyen nos regala un duelo interpretativo de altura entre Bardem y Luengo. Ambos están inmensos y serán, con toda seguridad, receptores de multitud de reconocimientos y premios. Ya lo están siendo, de hecho. 

La historia tiene varias secuencias para el recuerdo pero sobre todo me ha dejado huella una, LA SECUENCIA, pero paso a detallar algunas:

 1. La de la comida con la sopa de pescado, la multitud de tomas, con toda la parafernalia del rodaje que ello implica y con todo el maremagnum emocional que conlleva, resulta interesantísima, potente y desgarradora. Ahi el padre ausente vuelve para demostrar el padre que pudo haber sido pero no fue, con todo el crew de Desierto como testigos, y el personaje de Bardem roza el culmen del mayor patetismo posible, no diré por qué. 

2. La secuencia del primer encuentro de Luengo con los hijos pequeños de Bardem. Los breves diálogos son chispeantes y llenos de significado. 

3. Otra secuencia a destacar, es la llegada de Luengo a la localización del rodaje en un coche, dándonos cuenta como espectadores del poderio que tiene la producción de Desierto. 

Nota. Cuando uno ve cine en pantalla grande y se olvida del móvil, se da cuenta de lo maravillosa que es la inmersión total durante dos horas en una historia. 

La película tiene una serie de planos sueltos en blanco y negro que me descolocaron un poco. 

El personaje de Luengo tiene una dualidad a destacar; brilla como actriz fuera de la película que están rodando, tiene mucha fuerza y trasmite, pero como personaje dentro de Desierto está anodina, gris e insegura. Otro punto a favor para Sorogoyen, que consigue dos papeles distintos para Luengo. 

La secuencia del inicio se rodó de la siguiente forma: se citó a ambos actores en un restaurante para una improvisación durante un almuerzo informal en el que tenían que poner en común las diez páginas de guión que debían haberse estudiado. Sería el primer contacto de Javier Bardem y Víctoria Luengo.  Y resulta un punto de partida fascinante. 

Por último, destacar la preciosa fotografía de El ser querido, que en los espacios abiertos tiene un punto épico. 

Y no quiero olvidar el paralelismo evidente entre El ser querido y la laureada Valor sentimental. Tienen muchas diferencias pero en común la figura paternal ausente y poco querida. 

Sin duda estamos ante una obra culmen de este director. No se la pierdan. 

9 de 10. 

Brubaker, de Stuart Rosenberg- Revival

Anoche haciendo zapping, tuve la suerte de conectar con un canal que estaba poniendo Brubaker. Mi único recuerdo era que me gustó mucho en su día. No la había vuelto a ver. 

La historia empieza con un hombre llegando en un autobús a una prisión, en la que en sucesivas secuencias contemplamos los abusos de poder de los empleados hacia los prisioneros. Unos 30 minutos después, descubrimos que ese hombre es el nuevo alcaide de la prisión, que llega, haciéndose pasar por preso, para mejorar las condiciones de los reclusos y hacer cambios duraderos.  Las primeras secuencias se caracterizan por una brutalidad carcelaria rodadas de forma realista. 

En el reparto destacan David Keith, Japhet Kotto y Jane Alexander que había participado el año antes en Kramer contra Kramer. Ese mismo año Robert Redford dirigió su primera película como director, Gente corriente que obtendría el Oscar a mejor dirección. Y el año antes había protagonizado El jinete eléctrico con la maravillosa Jane Fonda. 

Brubaker es uno de esos potentes dramas carcelarios que así que pasen 30 años, no pierde esa fuerza narrativa e interpretativa que tiene el buen cine. Como anécdota comentar que aparece Morgan Freeman fugazmente, en uno de sus primeros papeles. 

La historia está basada en el libro de Tom Murton, en el que un director de prisiones conmocionó al mundo de Arkansas, denunciando los escandalosos abusos y asesinatos que tuvieron lugar en una prisión estatal. 

10 de 10. 

Premios Oscar 2026

La gala de este año se ha iniciado con un apoteósico número basado en la taquillera película Weapons con Conan O'brian disfrazado de la tía Gladys atravesando distintas escenas de las películas nominadas, incluso una de animación, hasta terminar entrando en el teatro Dolby de Los Angeles, con todos los niños corriendo detrás suya hasta subir al escenario y desparecer tras el backstage. Precisamente Amy Madigan, fue la primera premiada de la noche con su icónico personaje de la tia Gladys.

La película ganadora ha sido Una batalla tras otra que se llevó seis premios entre ellos, mejor película, mejor director, mejor guión, mejor casting y mejor actor secundario para Sean Penn y mejor montaje, obteniendo por fin Paul Thomas Anderson un merecido reconocimiento tras haber sido nominado en numerosas ocasiones desde Magnolia. 

Sinners se llevó cuatro premios. Como mejor actriz, ganó la que figuraba en todas las apuestas Jessie Bucley, por Hamnet. Como mejor actor inesperadamente ganó Michael B. Jordan. El momento In memorian fue especialmente emotivo, con un recuerdo a todos los actores y actrices que nos han dejado este año, rindiendo especiales homenajes a Diane Keaton,  Rob Reiner y un momento que será recordado con Barbra Streisand haciendo un discurso y cantando un fragmento de The way we were. La actriz no participaba en la gala desde hace 13 años cuando también intervino para otro homenaje a, Hamlish, compositor de The way we were. 

La gala sólo tuvo dos números musicales: uno espectacular de "I lied to you", convirtiendo el escenario en el club del de jazz de Sinners, en el que se mezclan músicos de distintas décadas que tuvo una coreografía y realización impecables.  Y otro con la canción Golden, que se llevó además el premio a la mejor canción original.

Como mejor película extranjera fue premiada Valor Sentimental.

Sirat se quedó sin premio, pero las nominaciones ya le han supuesto un gran espaldarazo a la película en Estados Unidos y el resto del mundo, tras ganar la Palma de Oro en Cannes. 

Por último, Conan O´brian estuvó muy divertido, hizo bromas sobre la polémica de Timothee Chalamet sobre la opera y el ballet, comentó que seria el último presentador real de cara a la IA, bromeo con que cuando Youtube retransmita la ceremonia será difícil acabar una frase sin la interrupción de tantos anuncios y por último criticó que con la moda actual de ver las películas en los móviles, las películas tendrán otros títulos, que son los que cabrán en esas pequeñas pantallas. 

Iván & Hadoum, de Ian de la Rosa

Precedida por el éxito que ha tenido en el festival de Berlín, se ha estrenado en el 29  Festival de Málaga una preciosa historia de amor en las tierras almerienses  de Níjar,  que cuenta como su protagonista, un hombre trans, se enamora de una compañera marroquí. Ambos trabajan en la envasadora de un invernadero y entre ellos surge rápidamente una chispa que poco a poco va cobrando el cuerpo de historia de amor,  aunque ninguna de sus famllias ve la relación con buenos ojos. Además entre ellos hay un conflicto laboral pues él pertenece a la familia de los propietarios de la empresa. Aquí el tema trans pasa a un segundo plano pues se tratan más otros temas. 

Está dirigida por otro hombre trans, con lo que la historia tiene mucho de verdad. Tanto Silver Chicón como Herminia Loh están magníficos, componiendo unos personajes llenos de matices y de naturalidad. Me han conquistado especialmente todos los personajes de la familia de Iván, de una credibilidad y naturalismo impresionantes. Y el magnetismo de la mirada de Silver Chicón.

Iván & Hadoum, una luminosa y auténtica historia de amor, tiene un punto de docudrama que quizás sea su mayor fuerza. Apostamos desde Los mundos de Totó que estará en el palmarés que se dará a conocer esta misma mañana.

9 de 10. 

La mujer de la fila, de Benjamín Ávila

Hoy he podido ver en el 29º Festival de Málaga la coproducción hispano-argentino La mujer de la fila. 

A Andrea, mujer de clase media, se le pone su mundo patas arriba cuando detienen a su hijo Gustavo y es encarcelado injustamente, en una potente secuencia que nos avisa de que la historia va en serio. Poco tiempo después empiezan las visitas a su hijo en la cárcel. En la primera de ellas, llega con ínfulas de gran dama y la prisión le pega el primer bofetón de realidad cuando tiene que ponerse la última de "las mujeres de la fila". La historia tiene ritmo y engancha desde el principio pero lo mejor es la verdadera historia en la que se basa, llena de capas y de personajes reales y ficticios que se mezclan creando un interesante rompecabezas. 

La película está protagonizada por una soberbia Natalia Oreiro, el debutante Federico Heinrich, en el papel de Gustavo, Amparo Noguera y un cálido Alberto Ammann. La mujer de la fila se posiciona del lado de fuera de la cárcel para que nos adentremos en ese duro universo, enfrentándonos a nuestros prejuicios sociales. Las madres, esposas, abuelas, hijas o hermanas de los presos son estigmatizadas por la sociedad y de eso habla mucho esta conmovedora película. 

La mujer de la fila es una película áspera, nos inserta en el duro mundo de las mujeres que acompañan a los hombres presos, tiene mucha fuerza narrativa y visual.

La verdadera Andrea creo ACIFAD, una oenegé dedicada a acompañar a mujeres que tienen algún familiar preso. La mujer de la fila participa en una innovadora campaña de impacto social que busca sensibilizar y canalizar recursos hacia ACIFAD. El espectador que esté interesado en saber más de la película y colaborar en esa campaña puede entrar en la web www.lamujerdelafila.com.

Desde Los mundos de Totó, auguramos algún premio en el palmarés del festival que se dará a conocer mañana sábado. 

9 de 10. 

Viaje al país de los blancos, de Dani Sancho

Un título ciertamente explicito que nos cuenta el viaje que Ousman, interpretado por un creíble Benjamin Kakraba, emprende hacia España ilusionado como tantos otros por una vida mejor. Una historia conmovedora sobre  su odisea repleta de dificultades y penurias pero que encuentra en la bondad de Montse, interpretada por una inmensa Emma Vilarasau, la ayuda necesaria para comenzar una nueva vida. Vilarasau está enorme en un precioso papel que me ha llegado al corazón. 

Una co-producción con Francia y con el poderío del grupo Atresmedia, que le da a esta historia gran credibilidad y mayor alcance.

Dani Sancho, para su debut en el largo, tenía ganas de rodar una historia en África y gracias a un amigo supo de la existencia de Ousman Umar y de su increíble hazaña, que no sólo le sirvió para escribir una novela en la que se basa la película, sino que en 2012 creo  la fundación NASCO Feeding Minds, para ayudar en origen a jóvenes ghaneses para su formación, evitando así arriesgar las vidas de miles de hermanos africanos en el desierto y en las peligrosas aguas del mar mediterráneo. 

El protagonista real, Ousman Umar, tiene un pequeño papel que hace aún más personal el retrato de este Viaje al pais de los blancos, que nos ha regalado Dani Sancho.

Una experiencia vital, marcada por la pérdida, la esperanza y una búsqueda de una vida mejor

Una película necesaria que se abre como una ventana hacía el positivismo, con realismo pero que huye de una violencia gratuita demasiado imperante en el cine actual. 

Pioneras, sólo querían jugar, de Marta Diaz de Lope

Pioneras, solo querían jugar es una historia que rezuma autenticidad desde los primeros fotogramas. Tanto la dirección de foto, como un excelente casting, repercuten positivamente en lograr que el espectador conecte con la historia del primer equipo de chicas futbolistas que se enfrentaron a muchos obstáculos para simplemente poder jugar allá por 1970 en una época en la que el fútbol estaba vetado para el sexo femenino. Tanto Daniel Ibáñez como Aixa Vilagrán, Bruna Lucadamo y Sofía de Iznájar brillan con luz propia componiendo unos personajes que con toda seguridad van a ser recordados en la tercera película de Marta Diaz de Lope que ya participó con Mi querida cofradía hace unos años en el festival. Pioneras, solo querían jugar, que está basada en personajes reales,  emociona a la par que conmueve con una fuerza inusitada. Las escenas de fútbol están rodadas con oficio y trasmiten verdad y mucha pasión. 

Desde aquí le auguramos un gran éxito de taquilla. Fecha de estreno: 5 de junio. 

8 de 10

Después de Kim, de Ángeles González Sinde

Después de Kim, vista en el recién inaugurado 29ºFestival de Málaga, es una historia de personajes,  con una pareja de ex cónyuges que se llevan mal y que no se soportan y que además han estado sin tener noticias de su hija durante años. En la primera escena sabemos a la vez que ellos que su hija ha fallecido en España y deciden viajar en búsqueda del cadáver, descubriendo que tienen un nieto cuya existencia desconocían. Son dos personajes antagónicos, maniáticos e incompatibles. Ella enfrenta el duelo desde la parálisis total,  él, desde la acción. No he llegado a tener empatía por ella en ningún momento mientras que por él sí. Están estupendos tanto Adriana Ozores como Darío Grandinetti en los personajes principales y destaca Cristina Rosenvinge en un personaje secundario que también compone una de las canciones de la película. La historia,, que está basada en la novela homónima de la directora, sucede en Benidorm y esta dirigida por Ángeles González Sinde que ya nos regaló hace años su ópera prima, La suerte dormida también con Ozores de prima donna. Está producida por Tornasol films que lleva participando en el Festival de Málaga desde sus primeras ediciones. 

Como curiosidad comentar que en la novela la hija aparece a modo de sucesivos flashbacks desgranando detalles sobre su vida; en cambio en la película permanece en el anonimato total, sólo la conocemos a través de los ojos de las personas que la trataron. 

Me ha gustado especialmente la visión profunda de la condición humana que siempre nos ofrece González Sinde. 

7 de 10. 

Marty Supreme, de Josh Safdie

Una historia con un ritmo trepidante y muy intensa que te atrapa y no te suelta durante los ciento cuarenta y nueve minutos que dura. Marty, el protagonista (basado en la autobiografía del tenista de mesa profesional Marty Reisman) interpretado por Timothée Chalamet es un ser antipático, a ratos despreciable y casi toda la película insoportable pero aún así su personaje tiene un magnetismo que engancha y no puedes quitar los ojos de la pantalla. Me gusta mucho la fotografía, al principio los tonos apagados te hacen pensar que estás viendo una película en blanco y negro. Puntos negativos son la historia que comparte con Gwyneth Paltrow que no me pareció creíble y algunas escenas que encontré un poco sacadas de la manga.Y luego están las canciones modernas elegidas para la banda sonora que no entiendo bien el por qué de su elección.  Debo admitir que era una película que de entrada no me llamaba especialmente la atención, pero al ser una de las favoritas del año de los Oscar había que verla y gracias a no tener expectativas, el resultado me pareció muy satisfactorio. 

7 de 10. 

Song sung blue, de Craig Brewer

 Song sung Blue, que se estrenó el pasado 9 de enero, es una preciosa historia de amor entre dos cantantes que se dedican a hacer covers de otros cantantes en este caso, rinden un tributo al grandioso Neil Diamond.  Todo se inicia cuando los dos protagonistas interpretados por Hugh Jackman y Kate Hudson coinciden  en un concierto de homenaje a grandes leyendas, donde aparecen otros imitadores de cantantes ya desaparecidos como Tina Turner, Little Richard, Elvis Presley, Barbra Streisand o Patsy Cline.  Song sung blue, que está basada en una historia de real,  ofrece una película llena de autenticidad que facilitará que el espectador conecte con sus personajes y con las duras vidas que les tocaron vivir. Él, alcoholico y ella, con depresión y otros problemas que dejaré al espectador descubrir. Durante el metraje hay varios momentos musicale que se disfrutan especialmente por esa química que tienen los protagonistas y que la transmiten con pasmosa facilidad, como los números de Holly Holy, Play me, Soolaimon, Forever in blue jeans o la mundialmente conocida Sweet Caroline.  Kate Hudson, que está nominada al Oscar a mejor interpretación, está soberbia, tiene una fuerza absolutamente arrebatadora. Y Hugh Jackman compone con maestría un hombre de rostro ajado, ex combatiente en Vietnam, que parece estar de vuelta de todo aunque aún con energías para seguir luchando. 

He de decir que yo crecí en una casa oyendo los vinilos de Neil Diamond y canciones como Song sung blue (que en la película la interpretan maravillosamente Kate y Hugh con sus preciosas voces), September Morn, Love on the rocks, America o la banda sonora de la mítica Juan Salvador Gaviota han marcado y dejado una huella imborrable en mis primeros quince años de vida y en la banda sonora de mi existencia. 

Cuando empecé a escribir estas líneas me di cuenta de lo importante que había sido la música de Neil Diamond en mi vida y por esa razón quise esmerarme para escribir una crítica-homenaje que estuviera a la altura de un músico como  Diamond, que este año ha cumplido 85 primaveras. 

Y por último dedico esta entrada a todos aquellos que disfrutan de la música en vivo y a los que con seguridad les tocará la fibra la emotiva Song sung blue. 

7 de 10

Maspalomas, de José Mari Goenaga y Aitor Arregi

Una película valiente con un guión soberbio que toca temas más que interesantes sobre la soledad, la homosexualidad, el sexo en la tercera edad y los armarios que nos rodean en esta sociedad tan supuestamente tolerante. Un gran reparto compone una serie de personajes de esos que se te quedan grabados en la retina, que dotan de credibilidad a una historia dura, a la par que profunda y tremendamente conmovedora, sobre Vicente, un hombre de setenta y cuatro años que se ve obligado por razones que no quiero desvelar a ser ingresado en una residencia de ancianos. Destacan Jose Ramón Soroiz, Kandido Uranga y Nagore Aranburu en los principales papeles. La propuesta de los Moriarti ofrece varios giros de guión que aportan sorpresa y hacen que la trama avance hacia un final poco esperado y que resulta a la postre, sorprendente y demoledor.  

Hay numerosas escenas a destacar pero tal vez hable de ellas en un añadido con Spoilers más adelante. Sólo comentar que me pareció preciosa la escena de la arena en la habitación residencia. 

La historia se inicia en un Maspalomas luminoso y resplandeciente en un canto a la vida. Se recomienda ver la película en versión original ya que el doblaje es penoso. 

10 de 10. 

Globos de Oro 2.026

Ayer de madrugada (hora española), se entregaron los premios anuales que concede la prensa extranjera en Los Ángeles. Suelen ser los primeros premios importantes del año y suelen ser un indicador bastante fiable de por donde irán los tiros en el resto de premios, pero sobre todo de los más conocidos y famosos por el público general, los Óscars. 

La diferencia principal con estos últimos, es que en los Globos de Oro hay dos categorías en cine, drama y comedia o musical. Y también hay diversos premios para las series de televisión, ahora más en auge que nunca. 

Voy a hacer un breve resumen con lo más destacado de los premiados. Podría daros una lista completa de los premios pero eso lo podéis encontrar en Wikipedia o en la página de los Globos de Oro. 

Empezaremos por Una batalla tras otra, que fue la vencedora de la noche acumulando cuatro premios: mejor comedia o musical, mejor director y guión original para Paut Thomas Anderson (PTA abreviado) logrando su primer Globo de Oro, y mejor interpretación femenina de reparto para Teyana Taylor.

Mejor interpretaciones  femeninas en drama y comedia, fueron para Jessie Buckley por Hamnet y Rose Byrne por Si pudiera te daria una patada respectivamente. 

Mejor interpretaciones masculinas en drama y comedia, Wagner Moura por El agente secreto y Timothée Chalamet por Marty supreme respectivamente. 

En los premios a actores secundarios los premiados fueron Stellan Skarsdal por Valor sentimental, y Teyana Taylor, ya mencionada arriba. 

En series, la miniserie vencedora,  fue tal y como se esperaba Adolescencia, que se llevó premios para los actores protagonistas, la actriz secundaria y mejor serie. 

La gala, bastante ágil y amena, estuvo presentada fue Nikki Glasser por segundo año consecutivo, y su ácido sentido del humor hizo reír a carcajadas al numeroso público reunido, entre los que estaban dos de los actores del momento, Connor Storrie y Hudson Williams, protagonistas de una de las series del momento, Heated Rivalry, aún inédita en España, que hicieron la alfombra roja e incluso se estrenaron entregando un premio.  En breve tendréis mi crítica de la serie. 

Sirat se fue con las manos vacías, el premio a mejor película extranjera fue para la brasileña El agente secreto. Y la mejor banda sonora, se la arrebató Los Pecadores, que también se llevó el premio a la mejor taquilla. 

 

Nuestra vida en la Borgoña, Cédric Kaplich

Nuestra vida en la Borgoña, es una historia auténtica que destila amor por la tierra, las raíces y la familia por todos sus poros. 

Jean, un joven francés dejó a su familia hace diez años y ahora regresa a su pueblo natal para despedirse de su padre enfermo, reencontrándose con sus hermanos Juliette y Jérémie. En el transcurso de un año, los tres hermanos recuperaran su fraternidad mientras cosechan las uvas y se enfrentan a la difícil decisión de qué hacer, si vender o conservar las tierras vinícolas de sus ancestros. 

Hay bastantes imágenes del proceso de la vendimia, del pisado de las uvas, de la producción del vino, rodadas con verismo y un punto documental fascinante. Los tres hermanos están interpretados con solvencia por Pio Marmäi,  François Civil (visto en la reciente La acusación) Ana Girardot.. También participa en un pequeño papel la actriz española María Valverde, que está maravillosa. 

El paso del tiempo está muy bien retratado con los distintos cambios de estación con los tonos variables de las vides. Hay algunos planos intercalados a modo de flashback de la infancia de los hermanos que confiere a la historia profundidad y gran ternura.

Kaplish, autor de la exitosa Una casa de locos, nos regala una película llena de momentos preciosos, de autenticidad y con la que el espectador conectará con cualquiera de los tres hermanos, con seguridad. 

4 de 5. 

Anniversary , de Jan Komasa

     Anniversary nos ofrece una propuesta interesante. En el 25 aniversario de bodas de Ellen (Diane Lane) y Paul Taylor (Kyle Chandler), durante una fiesta encantadora, la novia de su hijo es presentada a la familia, La chica fue alumna de Ellen y provocó cierta conmoción con su tesis sobre una nueva sociedad con tintes racistas. Ellen no la ha olvidado y no parece contenta con la nueva relación de su único hijo varón. Como regalo de aniversario de bodas recibe una novela sobre la misma propuesta de la polémica tesis. 

Apenas se nos cuenta nada de la tesis, uno de los fallos en mi humilde opinión, ya que el espectador se pasa media película pensando qué está pasando aquí. Sí se nos cuenta que Change, la novela, promueve una sociedad autocrática, con un único partido, en la que o estás con ellos o contra ellos. Nada más.  En esa sociedad resuena Donald Trump y su política autoritaria, excluyente y nada complaciente con el que piensa distinto. 

La historia va avanzando hacia una desintegración familiar bien hilada y sorprendente, aunque con un crescendo que en algunos personajes les falta un poco de arco de desarrollo, se queda un poco pobre. 

Pero la historia contada como un thriller engancha desde el principio y no aburre.

"Don´t dream it´s over", de los Crowded house suena dos veces. Una al principio de la película en una escena preciosa; y luego más tarde, en la segunda parte de la historia en una sobrecogedora escena.   

Leer "Lolita" en Teherán, de Eran Riklis

Una interesante mirada sobre la revolución islamista de Irán y cómo se fueron coartando limitando las libertades de las mujeres. Dirigida por el israelí Eran Riklis está contada en varios capítulos, cada uno con el título de uno de los libros que leen ella y sus alumnas cada jueves. La película está basada en la novela autobiografíca de Azar Nifisi del mismo nombre. 

La historia se inicia justo en 1979 cuando Azar regresa a su país tras haber vivido y estudiado en Estados Unidos. Sus esperanzas de un cambio se verán truncadas por culpa de un régimen totalitario que limita las libertades y que desgraciadamente para el pueblo iraní aún persiste. Muy recomendable, quizás tiene más fuerza la primera mitad pero está muy bien contada con un reparto cuyas actrices confieren credibilidad y autenticidad a esta película. 

Julieta de Pedro Almodóvar

La historia arranca con el personaje de Julieta embalando unas esculturas y preparándose para mudarse a Portugal con su pareja interpretado por Darío Grandinetti. En una de las escenas posteriores Julieta se encuentra con Bea, una antigua amiga de su hija Antia que le habla de ella. De que vive cerca del lago Como y que tiene 3 hijos. (En un segundo visionado estas palabras adquieren una dimensión inmensa.) Ese encuentro con Bea provoca un terremoto en Julieta por unas razones que no puedo desvelar. Decide quedarse sola en Madrid y comienza una bajada a los infiernos, empezando a escribir un diario en el que haciendo un flashback se nos desgrana cómo conoció al padre de su hija Antia, interpretado por Daniel Grao. Y se va desarrolando toda la historia de la película. 

Julieta se iba a titular Silencio como uno de los tres relatos de la escritora canadiense Alice Munroe en los que se basa, pero unos meses antes del estreno coincidió en título con la última de Scorsese y entonces decidió cambiarle el título. 

Julieta es una película áspera. A ratos incómoda. A ratos desgarradora. Está contada en dos tiempos como Los abrazos rotos y el personaje principal está interpretado por Adriana Ugarte en la juventud, y por Emma Suárez en la madurez.  Entre los secundarios caben destacar una Rossy de Palma potente en el personaje de la asistenta que tiene Julieta de joven.  Inma Cuesta en el personaje de Ada, escultora e íntima amiga de Daniel. Michelle Jenner en el papel de Bea y Pilar Castro en el su madre. 

Hay frases inolvidables como "tu ausencia llena mi vida por completo y la destruye". 

Una historia de mujeres, sobre el dolor y la culpa por el distanciamiento entre una madre y su hija. 

Quizás la parte más floja de Julieta es cuando nos cuenta la historia de amor entre Julieta y el padre de Antía. Según avanza y vamos uniendo las piezas, gracias a los flashback entendemos mejor el por qué de la zozobra que sufre el personaje principal de Julieta  tras el encuentro con Bea, en una de las primeras escenas de la película. Algo que la remueve por dentro y le provoca un dolor inmenso que es el cuore de toda la película. 

3 *de 5.